Grundlagen der Filmmusik

Im Grunde kommt dieser Artikel um viele Jahre zu spät, da ich ja bereits seit Langem über Filmmusik schreibe und dabei auch munter mit Fachbegriffen um mich werfe, meistens ohne Erläuterung. Nun denn, in diesem Artikel sollen einige grundlegende Aspekte der Filmmusik besprochen werden, die man kennen sollte, wenn man sich mit diesem speziellen Sujet auseinandersetzen will. Dabei geht es mir nicht um tatsächliche musiktheoretische Inhalte, sondern um Aspekte, die mit Musik als dramatischem Medium, das eine Geschichte erzählt, zusammenhängen.

Diegese
Der Begriff „Diegese“ stammt aus der Erzähltheorie, geht ursprünglich auf Aristoteles zurück und wurde vor allem vom französischen Literaturwissenschaftler Gérard Genette geprägt – wer wie ich Germanistik oder ein anderes Fach mit literaturwissenschaftlichem Bestandteil studiert hat, dürfte mit ihm nur allzu vertraut sein. Kurz und knapp bezeichnet „Diegese“ alles, was Teil der Erzählten Welt eines Werkes ist, im modernen Jargon spricht man von „in-Universe“. Diesem Grundsatz folgend gibt es in Filmen erst einmal zwei Arten von Musik: diegetische und non- oder extradiegetische. Erstere ist Musik, die Teil der erzählten Welt eines Films ist und somit von den Figuren wahrgenommen wird: Wenn im Film ein Radio läuft, jemand Gitarre spielt, eine Oper oder ein Konzert besucht, dann handelt es sich um diegetische Musik. Musik, die keinen Ursprung in der Erzählten Welt des Films hat und ausschließlich vom Zuschauer wahrgenommen werden kann, ist es extradiegetische Musik. Film-Scores sind somit fast ausschließlich extradiegetisch. Meistens lässt sich Filmmusik relativ klar der einen oder anderen Kategorie zuordnen, es gibt allerdings auch Mischformen und manche Regisseure und Komponisten spielen gerne mit der Diegese.

Ein Sonderfall sind zum Beispiel Lieder in Musicals. Es gibt Filmmusicals, bei denen die Songs tatsächlich vollständig Teil der Erzählten Welt sind: Wenn die Blues Brothers einen Auftritt absolvieren, ist das Lied, das sie singen, diegetischer Natur. Bei den meisten Musicals ist der Fall aber weniger eindeutig, da die Figuren zwar sichtbar singen, die Musik selbst aber keine ersichtliche Quelle hat oder sogar schlicht unlogisch ist: Woher sollte in „Der Prinz von Ägypten“ in der Antike ein Sinfonie-Orchester kommen, das die Musik zu den Liedern der Figuren spielt? Natürlich ist das eine Frage, die sich niemand stellt, der mit dem Musical als Genre vertraut ist. Dennoch finde ich diese Frage im Kontext der Diegese interessant. Am besten fährt man wohl mit dem Begriff „halbdiegetisch“, weil es keine abschließende Antwort gibt – Musicals (und natürlich auch Opernverfilmungen) sind schlicht ein Sonderfall, an den man andere Maßstäbe anlegen sollte. Es existieren jedoch einige interessante Spielarten. In „Chicago“ sind alle Lieder beispielsweise als Bühnennummern inszeniert, die sich deutlich von der eigentlichen Erzählten Welt des Filmes unterscheiden und somit als Imaginationen einer Figur gekennzeichnet werden.

Auch abseits von Musicals finden sich interessante Mischformen von diegetischer und extradiegetischer Musik. Beliebt sind zum Beispiel Lieder oder Stücke, die einmal diegetisch auftauchen und fortan als extradiegetisches Leitmotiv gebraucht werden, etwa Davy Jones‘ Orgelspiel in „Pirates of the Caribbean: Dead Man’s Chest“, Hoist the Colours im Sequel oder Misty Mountains in „Der Hobbit: Eine unerwartete Reise“. Noch trickreicher kann ein Musikstück sein, das seine Natur wechselt, während es gespielt wird. Das passiert relativ oft, wenn etwa ein Lied als diegetisches Stück beginnt, dann aber ein Szenenwechsel stattfindet, während es noch läuft und es somit automatisch extradiegetisch ist. In seltenen Fällen passiert das auch mit einem Score-Stück.

Mein liebstes Beispiel ist eine Szene aus „From Hell“, in der Jack the Ripper ein blutiges Steak isst und sich dann auf seinen nächtlichen Einsatz vorbereitet. Dazu spielt ein Grammophon ein unheimliches, diegetisches Musikstück, das im Verlauf der Szene extradiegetisch wird – Chor und Orchester kommen hinzu, während sich der Ripper in einer Montage einkleidet. Am Ende kehrt das Stück zu seinen diegetischen Wurzeln zurück – dies ist allerdings nur im Film selbst der Fall, die auf dem Soundtrack-Album veröffentliche Version dieses Stücks mit dem Namen The Compass and the Ruler ist eine Alternativversion.

Filme oder Serien mit Meta-Elementen spielen natürlich gerne mit der Diegese. Bislang ist es zwar noch nicht vorgekommen, aber ich könnte mir gut vorstellen, dass Deadpool in einem zukünftigen Film einen Kommentar zu seinem Thema ablässt oder sich der extradiegetischen Musik bewusst ist. In „Justice League Unlimited“ gibt es eine kurze Szene, die in diese Richtung geht: Green Arrow stürzt sich in die Schlacht und singt dabei sein Thema, das zeitgleich gespielt wird.

Techniken
Generell ist in der Filmmusik die Rede von drei Techniken, wobei diese vor allem im deutschsprachigen Diskurs klar unterschieden werden, während es im englischsprachigen Raum die klare Einteilung nicht gibt – durchaus zurecht, denn die Übergänge sind oftmals fließend und zudem lassen sich Scores und Score-Stücke nur selten einer Kategorie zuteilen.

Als erstes hätte wir Underscoring: Die Musik spiegelt direkt wieder, was auf der Leinwand geschieht und agiert auf aktive Handlungen. In der Extremform spricht man von „Mickey-Mousing“, angelehnt an frühe Cartoons, in denen Musik und Bild völlig synchron sind bzw. die Musik die Soundeffekte ergänzt: Streicher imitieren den Wind, eine schleichende Figur wird durch Percussion dargestellt etc. Das Schulbuchbeispiel zum Mickey-Mousing ist „Skeleton Dance“, ein Disney-Cartoon aus dem Jahr 1929, der sehr anschaulich zeigt, wie Mickey-Mousing funktioniert und wie Bild und Musik eine Einheit bilden. Eine interessante Umkehrung stammt ebenfalls von Disney: In „Phantasia“ wurde zu bereits existierenden Musikstücken animiert, sodass Bild und Musik ebenfalls sehr stark aufeinander abgestimmt sind.

Insgesamt werden Underscoring und Mickey-Mousing vor allem im Kontext von Comedy oder Action verwendet. Ein sehr schönes Beispiel für ziemlich genaues Underscoring, das einerseits nicht in Mickey-Mousing ausartet, aber dennoch sehr genau auf das Leinwandgeschehen eingeht, findet sich in der großen Action-Szene in „Harry Potter und der Orden des Phönix“. Man achte darauf, wie Nicholas Hooper die Zauberduelle, das Eintreffen der Ordensmitglieder und das wilde Chaos der Schlacht durch frenetische Streicherfiguren darstellt. Wer ansonsten nach guten Beispiel sucht, macht mit John Williams selten etwas falsch.

Die sog. Mood-Technik (dieser Begriff ist im englischen Diskurs unbekannt) beschäftigt sich mit allem, was nicht direkt auf der Leinwand zu sehen ist: Sie etabliert Atmosphäre oder versucht musikalisch darzustellen, was im Inneren der Figuren vorgeht. Ein sehr schönes Beispiel für die Verwendung dieser Technik findet sich etwa in „Gladiator“: Die stark an Richard Wagner angelehnte Musik verdeutlicht die Pracht und Erhabenheit Roms. Gerade zur Etablierung eines Handlungsortes wird die Mood-Technik nur allzu gerne verwendet, gerne unter Zuhilfenahme typischer Elemente: ein Akkordeon für Paris, ein religiöser Choral für eine Kirche, eine Sithar für Indien etc. Es finden sich sogar Scores, die sich fast ausschließlich auf die Mood-Technik verlassen – man spricht dabei von einem „Ambient Score“. Die amerikanische Version von „Verblendung“ ist hierfür ein Beispiel, die Musik interagiert so gut wie überhaupt nicht mit dem Geschehen auf der Leinwand (unter anderem auch, weil sie nicht spezifisch für die Szenen geschrieben wurde, in denen sie eingesetzt wird) – ihr einzige Aufgabe ist es, für Atmosphäre zu sorgen.

Schließlich und endlich hätten wir noch die Leitmotivtechnik, die bekanntermaßen auf Richard Wagner zurückgeht (der zwar nicht als erster auf die Idee kam, aber diese Idee als erster in gewaltigem Umfang nutzte): Figuren, Orte, Gegenstände, Nationen oder andere Handlungselemente werden durch eine musikalische Phrase bzw. Melodie repräsentiert. Dieses Thema wird abhängig von Situation und Handlungsverlauf entsprechend variiert. Entwickelt oder mit anderen Themen kombiniert. Gerade an Leitmotiven zeigt sich, dass die strikte Trennung in drei Techniken bei der Analyse von Filmmusik mitunter sogar eher hinderlich denn hilfreich sein kann, denn es gibt nur allzu oft Überschneidungen: Die Variation eines Themas kann genauso dazu dienen, Emotionen darzustellen, Atmosphäre zu erzeugen oder das Geschehen auf der Leinwand darzustellen.

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Watchmen: Von Alan Moore über Zack Snyder bis zu HBO

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„Watchmen“, verfasst von Alan Moore und gezeichnet von Dave Gibbons, gilt als einer der besten Comics überhaupt. Nicht nur wird „Watchmen“, als einer der Gründe für das Erwachsenwerden des Comics bzw. der Etablierung der Graphic Novel angesehen, das Werk ist auch der einzige Comic auf der Liste der 100 besten Romane seit 1923 des Time-Magazine, wo seine Qualitäten wie folgt beschrieben werden: „Told with ruthless psychological realism, in fugal, overlapping plotlines and gorgeous, cinematic panels rich with repeating motifs, Watchmen is a heart-pounding, heartbreaking read and a watershed in the evolution of a young medium.“ (Quelle: http://entertainment.time.com/2005/10/16/all-time-100-novels/slide/watchmen-1986-by-alan-moore-dave-gibbons/)

In der Tat verfügt „Watchmen“ nicht nur über die oben aufgezählten Qualitäten und sorgte für die Evolution des Mediums, Moore nutzte „Watchmen“ auch gleichzeitig, um, neben vielen anderen Themen wie Macht, Religion, Moral, Psychologie und Politik, die Entwicklung des amerikanischen Comics zu kommentieren. Vor allem steht, was angesichts der Thematik des Werkes kaum verwundert, die Geschichte des Superheldencomics dabei im Fokus. Dies zeigt sich anhand von subtilen Verweisen, Handlungssträngen, der Figurenkonstruktion, aber auch des grundsätzlichen Plots und des Handlungsverlaufs. Insgesamt gehört „Watchmen“ zu den Werken, die genau zum richtigen Zeitpunkt erschienen und die Zeit ihres Erscheinens genau widerspiegeln. Das ist auch einer der Gründe, weshalb die Graphic Novel so ein revolutionäres, bleibendes Werk wurde, während Zack Snyders Verfilmung weit weniger erfolgreich war und kaum Auswirkungen hatte.

„Watchmen“ als Spiegel der Comicgeschichte
Eine der grundlegenden Prämissen des Werkes ist, zu zeigen, wie es wäre, wenn Superhelden tatsächlich in einer realistischen Welt existieren, wie sich ihre Gegenwart auswirken würde und welche Menschen sich dazu entschließen würden, Kostüme überzustreifen, um gegen das Verbrechen zu kämpfen.  Dies steht im Gegensatz zu den Superheldenuniversen von DC oder Marvel, in denen die Anwesenheit von Superhelden die Menschheitsgeschichte nicht wirklich verändert. Natürlich gibt es Ausnahmen, aber die Universen der beiden Comicgiganten funktionieren nach dem Status-Quo-Prinzip, im Kleinen wie im Großen: Bane kann Batmans Rückgrat brechen, der Dunkle Ritter kann temporär sterben oder aus anderen Gründen kurzfristig ersetzt werden, irgendwann wird Bruce Wayne wieder das Fledermauskostüm überstreifen. Ähnlich verhält es sich mit dem globalen Status Quo: Egal wie viele Alien-Invasionen oder interdimensionale Angriffe vorkommen, diese Ereignisse haben nie den Einfluss, den sie tatsächlich haben müssten; trotz all dem entwickelt sich auch die Welt, wie sie das DC- und Marvel-Universum zeigen, parallel zu unserer, da der Leser erwartet, auch seinen Alltag wiederzufinden.

Moore hätte mehrere Herangehensweisen wählen können, entschied sich aber schließlich dazu, dass die Handlung, bzw. die Hintergründe der Figuren die Geschichte der amerikanischen Superhelden wiederspiegeln sollten. Diese Hintergründe werden entweder im Rahmen zahlreicher Rückblicke oder in Form von Zusatztexten am Ende der Einzelhefte erzählt. Bei diesen handelt es sich um fiktive Sachtexte aus der erzählten Welt von „Watchmen“, etwa um Kapitel der Autobiographie von Hollis Mason, der als Nite Owl zur ersten Generation der Superhelden gehört und, gerade weil der Leser durch seine Autobiographie sehr viel über ihn, sein Leben und seine Ansichten erfährt, einer der Hauptrepräsentanten besagter erster Generation ist. In seiner Autobiographie erwähnt Hollis Mason einige spezifische Inspirationen – frühe Pulp-Figuren bzw. Superheldenvorläufer wie Doc Savage und The Shadow, aber vor allem Superman. Superman löste also nicht nur die Flut an Comichelden in unserer Welt aus, sondern inspirierte auch die kostümierten Verbrechensbekämpfer in der Welt von „Watchmen“.  Darüber hinaus ist es wahrscheinlich kein Zufall, dass Hollis Mason seine Superheldenidentität 1939 annimmt, genau das Jahr, in dem Batman seinen ersten Auftritt absolvierte – zwischen beiden Figuren gibt es einige starke Parallelen, nicht zuletzt die Benennung nach einem nachtaktiven Tier. Tatsächlich basieren viele der Figuren von „Watchmen“ lose auf Charakteren, die DC von einem anderen Verlag, Charlton Comics, erworben hatte und die Moore ursprünglich für „Watchmen“ verwenden wollte, bevor DC dies verhinderte. Allerdings finden sich in den Watchmen-Figuren viele Elemente und Stereotype aller möglicher Superhelden.

Die in Rückblicken geschilderte Bildung des Superheldenteams „Minutemen“ in den 40ern, bei dem alle bedeutenden Helden mitwirken, spiegelt nicht zufällig die Justice Society of America wider. Nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs verschwinden die Minutemen allerdings in der Versenkung, sowohl in der Realität (nicht zuletzt Dank Frederic Wertham und „Seduction of the Innocent“) als auch in der Welt von „Watchmen“ sind die 50er somit eine superheldenfreie Dekade.

Dr. Manhattans Entstehung 1959, die eine Rückkehr der kostümierten Vigilanten begünstigt, fällt ziemlich genau mit der Superheldenrenaissance Anfang der 60er zusammen. Die versuchte und gescheiterte Bildung der „Crime Busters“ mit einer neuen Heldengeneration erinnert dann wieder an die Formierung der Justice League oder der Avengers; wie bei Ersterer finden sich auch bei den Crime Busters Helden wieder, die ein Vermächtnis fortsetzen (Green Lantern und Flash bei der Justice League, Nite Owl und Silk Spectre bei den Crime Busters); und wie bei Letzteren gibt es eine Figur, die bereits während des goldenen Zeitalters aktiv war (der Comedian und Captain America). Diese Parallelen sind allesamt auf den ersten Blick nicht allzu offensichtlich und dazu ziemlich subtil, aber unzweifelhaft vorhanden. Der Unterschied zwischen „Watchmen“ und den entsprechenden zeitgenössischen Comics ist, dass die Superhelden in Watchmen durchweg vom Scheitern und ihren Komplexen gezeichnet sind. Sie sind als Figuren vielschichtiger und lassen sich, anders als die Helden und Schurken von DC und Marvel, weniger eindeutig als gut oder böse klassifizieren.

Beide Superheldenteams werden von Moore nicht gerade zimperlich behandelt, die Minutemen sind im Grunde nur eine Fassade und zerbrechen letztendlich u.a. daran, dass der Comedian versucht, Silk Spectre zu vergewaltigen. Die Bildung der Crime Busters gelingt gar nicht erst, die zweite Generation der Superhelden findet nie zu einem Team zusammen. Der Keene-Act, der die Superhelden schließlich verbietet, kann getrost als weitere Anspielung auf den Comic Code gesehen werden, auch wenn er über 20 Jahre später umgesetzt wird. Dieses Element wurde immer wieder aufgegriffen, am deutlichsten in Pixars „The Incredibles“, in welchem ein ähnlicher Regierungserlass dem Superheldentum ein Ende setzt.

Das Auftauchen „realer“ Superhelden in der Welt von „Watchmen“ hat dann wiederum auch Auswirkungen auf die Comicgeschichte besagter Welt. In der Graphic Novel existiert eine Binnenhandlung; immer wieder taucht im Verlauf ein Junge auf, der einen Piratencomic namens „Tales of the Black Freighter“ liest, dessen Handlung die Handlung von „Watchmen“ widerspiegelt und kommentiert. Primär betrifft dies vor allem Ozymandias/Adrian Veidt und dessen Handlungen, allerdings nutzt Moore die Hintergründe dieses Piratencomics auch, um die amerikanische Comicgeschichte zu kommentieren. In der Realität sind Superheldencomics das dominante Genre, in einer Welt, in der Superhelden allerdings wirklich existieren, ist dies anders, da sie nicht mehr zum Eskapismus taugen.

Statt der Superhelden dominieren in „Watchmen“ Piraten den Comicmarkt. In der fünften Ausgabe von „Watchmen“ findet sich ein Artikel über die Hintergründe der fiktiven Serie und der alternativen Comicgeschichte. Da Superhelden nicht gefragt sind, wird E.C., Heimat solcher Serien wie „Tales from the Crypt“ in den 1950er Jahren zum dominanten Herausgeber. Auch auf Werthams „Sedution of the Innocent“ wird angespielt. Statt des neuen Flash und der Justice League startet DC eine Comic-Renaissance mit einer eigenen Piratenserie, besagten „Tales of the Black Freighter“.

„Watchmen“ ist letztendlich eine umfassende Auseinandersetzung mit der Superheldenthematik auf allen Ebenen. Die oben erläuterten Verweise fungieren nicht nur als clevere Ausschmückung der erzählten Welt des Comics, sondern funktionieren zugleich als Kommentar zur Comicgeschichte der USA. Durch das Scheitern seiner Figuren dekonstruiert Moore die idealisierten Vorstellungen und die mitunter vorhandene heile-Welt-Wahrnehmung des Goldenen und Silbernen Zeitalters und zeigt gleichzeitig, wie sich eine alternative Comicgeschichte der USA ohne die Superhelden als dominantes Genre hätte entwickeln können. Dennoch verurteilt Moore weder die Geschichte des Mediums, noch das Superheldengenre, sondern verweist letztendlich in dessen Zukunft. Mit dem, was auf „Watchmen“ folgte, war er dann allerdings alles andere als zufrieden. Anstatt tiefgründiger und besser konstruierte Geschichten zu schreiben, beschränkten sich viele Comicschaffende in den späten 80ern und frühen 90ern darauf, lediglich oberflächliche Elemente von Moores und Gibbons‘ Meisterwerk zu übernehmen: Ebenso grimmige wie gnadenlose Antihelden wurden modern, die zwar einiges mit dem Comedian und Rorschach gemein haben, aber selten auch nur ansatzweise derart gut konstruierte Charaktere sind. Die grimmige Brutalität wurde zum Selbstzweck und ihrer Aussage beraubt.

Zack Snyders Filmadaption

Bereits in den 80ern wurde eine Filmadaption von „Watchmen“ in Erwägung gezogen, es sollte dann aber doch bis zum Jahr 2009 dauern, bis Moores Meisterwerk eine Filmadaption erhielt. Diverse Drehbücher, u.a. von Sam Hamm (Autor von Tim Burtons „Batman“) oder Terry Gilliam wurden verworfen, Gilliam selbst sollte Regie führen, erklärte aber schließlich, die Graphic Novel sei nicht verfilmbar. Nachdem er „300“ zum Erfolg gemacht hatte, trat Warner Bros. Mitte der 2000er an Zack Snyder heran, der darauf bestand, sowohl das 80er-Jahre-Setting als auch den Härtegrad der Vorlage beizubehalten.

Die größte Stärke und zugleich die größte Schwäche von Snyders Film ist die Vorlagentreue. Mit einigen wenigen Ausnahmen hält sich der Film fast sklavisch an die Graphic Novel, wie bei „Sin City“ wurden die Panels zum Teil als Storyboard verwendet. Man merkt Snyders große Liebe zur Vorlage und seinen Willen, ihr gerecht zu werden, deutlich an. Diese Nähe zur Vorlage ist zugleich die größte Stärke und auch die größte Schwäche des Films. Man verstehe mich hier nicht falsch: Ich mag die Filmadaption von „Watchmen“, in meinen Augen ist sie Snyders mit Abstand bester Film. Der gute Mann versteht es als Regisseur durchaus, eindrückliche, bleibende und kreative Bilder zu erzeugen. Erzählerische Substanz dagegen ist etwas, das nicht gerade zu seinen Stärken gehört – aber gerade weil „Watchmen“ sich so eng an die Vorlage hält, ist besagte Substanz natürlich gegeben, auch wenn der Film trotzdem einige Probleme bei der Umsetzung der Geschichte hat. Zugleich raubt Snyder der Adaption so aber die Möglichkeit, ein ähnlich markantes Werk wie die Graphic Novel zu werden. Bei der Vorlage handelt es sich um Dekonstruktion und Kommentar zum Superheldengenre – durch die Vorlagentreue bleibt der Film aber letztendlich auf demselben Level wie die Vorlage und ignoriert die letzten zwanzig Jahre Comic- und Filmgeschichte. Was 1986 neu und revolutionär war, ist 2009 nun einmal nicht mehr wirklich bahnbrechend, zumindest für Comicfans. Ein paar Verweise an die weitere Entwicklung des Superheldengenres im Film finden sich bei Snyder schon, aber es bleibt zumeist bei subtilen Anspielungen. Die Kostüme der Figuren etwa folgen den aktuellen Trends und Snyder kann es auch nicht lassen, auf die Bat-Nippel in Joel Schumachers Filmen anzuspielen, in dem er Ozymandias ebenfalls Nippel verpasst. Aber das sind, wie gesagt, subtile Anspielungen.

Andererseits versuchte Snyder ja mit seinen anderen DC-Filmen, primär „Man of Steel“ und „Batman v Superman: Dawn of Justice“ das Superheldengenre auf eigene Faust zu dekonstruieren – mit, gelinde gesagt, ernüchterndem Ergebnis. Insofern ist die Filmversion von „Watchmen“ wahrscheinlich der best-mögliche Ausgang.

Gegenwart und Zukunft
Obwohl Snyders „Watchmen“ nur mäßig erfolgreich war, brachte der Film Moores Meisterwerk neue Popularität und sorgte dafür, dass DC Comics, gegen Moores ausdrücklichen Willen, neue Watchmen-Publikationen herausbrachte. Vor allem zu erwähnen ist hier „Before Watchmen“, eine Reihe von Miniserien, die die Hintergrundgeschichte der diversen Figuren des Originals aufgreifen. Einerseits sind diese Miniserien relativ unnötig bis überflüssig, andererseits ist aber durchaus einiges an Talent beteiligt, etwa Darwyn Cooke, J.G. Jones, Brian Azzarello oder Lee Bermejo, die zumindest einige dieser Miniserien äußerst lesenswert machen, allen voran „Before Watchmen: Minutemen“ und „Before Watchmen: Rorschach“. Das erwies sich allerdings erst als der Anfang, denn im Rahmen des DC-Rebirth-Events wurden die Figuren und Welt von „Watchmen“ auch offiziell ins DC-Universum eingeführt, spezifisch in der zwölfteiligen Serie „Doomsday Clock“, die ich allerdings noch nicht gelesen habe.

Allgemein interessanter dürfte allerdings der Umstand sein, dass HBO nun eine „Watchmen“-Serie plant. Allem Anschein nach versucht HBO mit dieser Serie genau das zu bewerkstelligen, was Zack Snyder mit seiner Verfilmung versäumte. Weder soll es sich bei dieser Serie um eine Neuerzählung der Geschichte der Graphic Novel handeln, noch um eine tatsächliche Fortsetzung; stattdessen soll die Serie primär in der Welt von „Watchmen“ spielen und dabei ihre eigene Geschichte erzählen. Dieses Konzept bietet sich natürlich optimal für eine weitergehende Auseinandersetzung mit dem Superheldengenre quer durch alle Medien an. Gerade der Superheldenfilm hat sich in den zehn Jahren seit Snyders Adaption gewandelt: 2009 war noch nicht absehbar, welche Auswirkungen „The Dark Knight“ auf das Genre haben und wie erfolgreich das MCU, dessen Anfänge im Jahr 2008 ins Kino kamen, sein würde. Eine derartige Serie könnte auch gut auf Politik und Gesellschaft der Gegenwart eingehen, wie es die Graphic Novel bereits in den 80ern tat; in dem eine alternative Welt mit anderem Geschichtsverlauf gezeigt wird, in der sich dennoch unsere eigene Welt widerspiegelt. Bleibt lediglich die Frage, ob Damon Lindelof, seines Zeichens späterer Showrunner von „Lost“ und Drehbuchautor von „Prometheus“, wirklich die richtige Person ist, um das Ganze auf den Weg zu bringen.

Siehe auch:
Die Geschichte des amerikanischen Comics Teil 6: Das moderne Zeitalter
Die Geschichte des amerikanischen Comics Teil 7: Die Graphic Novel

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Raw

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Story: Justine (Garance Marillier), auf ihrer Eltern bereits ihr Leben lang Vegetarierin, beginnt ihr Studium auf der selben Schule für Tiermedizin wie ihre Schwester Alexia (Ella Rumpf). Besagte Schule verfügt über einige eher ungewöhnliche Riten, um die Neuzugänge zu initiieren – darunter das Verspeisen roher Hasenleber. Nachdem Justine diese heruntergewürgt hat, beginnt sie, einen einen unheimlichen Hunger zu spüren, der nur mit einem gestillt werden kann: Menschenfleisch…

Kritik: Nachdem ich in letzter Zeit primär über die großen Franchises geschrieben habe (was u.a. auch mit einem gewissen Zeitmangel zusammenhing), wende ich mich nun mal wieder etwas geringfügig anderem zu.

Französische Horrorfilme sind von etwas anderem Kaliber als ihre amerikanischen, wie spätestens seit „Martyrs“ bekannt sein dürfte. Zugegebenermaßen tue ich mich allerdings mit der Klassifizierung von Julia Ducournau Kinodebut als „Horrorfilm“ eher schwer, auch wenn ihm gemeinhin dieses Label verpasst wird, denn tatsächlich handelt es sich dabei nicht um Kannibalen-Horror im eigentlichen Sinne, sondern um eine Coming-of-Age-Story – eine sehr eklige zwar, aber nichts desto trotz.

Die Konzeption des Plots erinnert vage an die Schauergeschichte „The White Maniac: A Doctor’s Tale“ von Mary Fortune – auch hier wird eine junge Frau durch einen bestimmten Auslöser, in diesem Fall nicht Fleischverzehr, sondern die Farbe rot – zur Kannibalin. Bei Fortune wird diese Idee allerdings in klassischer Horror-Manier verarbeitet. Als Leser erlebt man die Geschichte aus der Perspektive eines jungen Arztes, der sich zuerst in besagte junge Frau verliebt, bis sie später zum Monster wird. „Raw“ dagegen folgt stets Justine und zeigt alles aus ihrer Perspektive. Als Zuschauer wird einem dabei relativ wenige erklärt – so erfährt man nie, woher der Hunger auf Menschenfleisch kommt, nur, dass er innerhalb von Justines Familie wohl öfter vorkommt, denn Alexia gönnt sich auch ganz gerne mal einen Snack der besonderen Art.

Vielmehr ergeht sich Regisseurin Ducournau in überwältigenden Bildern, die zugleich poetisch und ekelerregend sind und eine ähnliche Faszination ausüben können wie die Bildkompositionen in der Serie „Hannibal“ – wenn auch auf andere Weise und ohne den gotischen Einschlag. Ducournau konnotiert den Kannibalismus hier mit Erwachsenwerden, mit erwachender Sexualität, schreck dabei aber auch vor tiefschwarzem Humor nicht zurück. Gerade bei der Art und Weise, wie Justines körperliche und mentale Transformation in Szene gesetzt ist, zeigt sich der Unterschied zu amerikanischen Produktionen – in einer solchen würde das niemals derart schonungslos, dabei aber unvoyeuristisch gezeigt werden. In diesem Kontext muss unbedingt Garance Marillier gelobt werden, die für diesen Film einiges über sich ergehen lassen muss, dabei aber in ihrer Rolle völlig überzeugt.

Fazit: „Raw“ ist kein klassischer Kannibalen-Horror, sondern eine ebenso sensitive wie ekelhafte Coming-of-Age-Story, die über ebenso viel Symbolismus wie Ausmaß an Körperflüssigkeit verfügt. Lohnenswert, aber nichts für schwache Mägen.

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Das DC Extended Universe – Eine Retrospektive

Das DC Extended Universe ist tot. Je nach dem, wen man fragt, hat entweder „Justice League“ es umgebracht, oder es war von Anfang an eine Totgeburt – jedenfalls wurde es in diesem Jahr auf der Comic Con in San Diego quasi begraben. Das bedeutet dabei nicht, dass gewisse Aspekte nicht fortgesetzt werden, schließlich erwarten uns mit „Aquaman“ und „Wonder Woman: 1984“ zwei Filme, die direkt an „Wonder Woman“ und „Justice League“ anschließen. Ziehen wir doch zu Vergleichsaspekten noch einmal das Marvel Cinematic Universe heran. Zumindest bislang ist die Struktur klar: Die Avengers bzw. die Avengers-Filme stehen im Zentrum, auf sie arbeiten die anderen Filme hin, die beiden Infinity-War-Teile sind die vorläufige Kulmination. Ursprünglich sollte das DCEU ähnlich funktionieren, mit der Justice League als Gegenstück zu den Avengers. Die Saat ist gelegt: Steppenwolf ist kein Schurke, der wirklich für sich allein funktioniert, er gehört zum Kosmos der New Gods und verweist auf Darkseid. Mehr noch, in der Post-Credits-Szene von „Justice League“ wird die Legion of Doom/Injustice Gang/Injustice League angeteasert. Wegen des finanziellen Misserfolgs wird daraus aber nichts: Warner kündigte an, sich von nun an auf einzelne Filme konzentrieren zu wollen, die entweder formal an die bisherigen anknüpfen (siehe „Aquaman“ und „Wonder Woman: 1984“) oder etwas völlig Selbstständiges darstellen (in diese Kategorie fällt der Joker-Film mit Joaquin Phoenix). Zusammenkünfte, Crossover oder sonstige Großereignis sind dagegen erstmal vom Tisch.

Nebenbei bemerkt: Der Name „DC Extended Universe“ war wohl nie offiziell, hat sich aber festgesetzt, wohl auch, weil Warner sich nie die Mühe gemacht hat, das in irgendeiner Form richtig zu stellen. Gegenwärtig könnte dieses Über-Filmfranchise „Worlds of DC“ heißen, was subtil auf ein Multiversum hindeutet. Oder auch nicht. Der Einfachheit werde ich aber trotzdem weiterhin vom DCEU sprechen, einfach aus Gewohnheit.

Superman Begins – Nolans Fluch
DC ist düster und grimmig, während Marvel lustig und leichtherzig ist, nicht wahr? Ehrlich gesagt kommt mir als langjährigem Comicleser beider Verlage diese Einschätzung als ziemlich inkorrekt vor. Diese Wahrnehmung entstand in den späten 2000er-Jahren und ist primär auf diverse Verfilmungen zurückzuführen, hält einer ausgiebigeren Betrachtung aber nicht stand. Der größte ursprüngliche Unterschied findet sich in den 60ern, als die Verlage zu den Giganten der amerikanischen Comicindustrie wurden, die sie heute sind, und gerade im Fall von Marvel auch die meisten Figuren entstanden. Unter Stan Lees Ägide legte Marvel bei den Superhelden den Fokus auf die Geheimidentität und die menschlichen Aspekte, statt auf die Superkräfte und das Übermenschentum – kein DC-Held musste sich in dieser Zeit wie Spider-Man mit finanziellen Problemen oder wie die X-Men mit Außenseitertum herumschlagen. Im Verlauf der jeweiligen Verlagsgeschichte finden sich sowohl bei DC als auch bei Marvel ein gerüttelt Maß an düsteren und grimmigen Geschichten. Die Wahrnehmung von DC als „düster und erwachsen“ ist vor allem auf Chris Nolans Dark-Knight-Trilogie zurückzuführen.

Schon mehrfach hat sich gezeigt, dass Warner ein Studio ist, das gerne den einfachen Weg geht, wobei diese Mentalität in Hollywood generell weit verbreitet ist: Etwas funktioniert? Dann machen wir so lange damit weiter, bis es nicht mehr funktioniert. In diesem Fall ist es die düstere, grimmige Herangehensweise. Besonders, nachdem sich sowohl „Superman Returns“ als auch „Green Lantern“ (dieser Film hätte eigentlich den Grundstein für ein DC-Filmuniversum legen sollen) als Flops erwiesen, verließ sich Warner auf das, was in den letzten Jahren funktionierte: Eine düstere, grimmige Herangehensweise und das Mitwirken von Chris Nolan und David S. Goyer.

Diese Einstellung wirkt sich enorm auf das fertige Produkt aus, was sich besonders bei „Man of Steel“ beobachten lässt. Dieser Film möchte so sehr „Batman Begins“ sein, dass es fast schon schmerzt. Das beginnt bereits bei der Flashback-Struktur, die hier aber weit weniger gut funktioniert, weil sie zum Gimmick verkommt. In Nolans fähigen Händen arbeiteten die Flashbacks mit der Gegenwartshandlung gut zusammen und ergänzten sich thematisch. Bei Zack Snyder dagegen wirkt die Struktur beliebig und eben deshalb vorhanden, weil „Batman Begins“ es vorgemacht hat. Als Zuschauer erleben wir Folgen von Clarks Entscheidungen, bevor wir die Entscheidung nachgereicht bekommen, was erzählerisch einfach sinnlos ist, weil Clarks Charakterentwicklung auf diese Weise ziellos umher mäandert. Ständig kommt die Antwort auf dramaturgisch sinnfreie Weise vor der Frage – das geht beim Prolog los, der zwar der visuell interessanteste Teil des Films ist, aufgrund des späteren Gesprächs zwischen Clark und Jor-El aber völlig redundant wird. Dadurch, dass wir als Zuschauer Clark immer schon diverse Schritte voraus sind, werden wir von ihm als Protagonist gleichzeitig distanziert. Im Vergleich dazu stellte Nolan bei „Batman Begins“ die Frage in der Gegenwartshandlung und beantwortete sie mit einem Flashback – also genau umgekehrt.

Auch in anderen Aspekten versucht „Man of Steel“ der Dark-Knight-Trilogie nachzueifern, sei es in Bezug auf Musik, die Charakterisierung des Protagonisten (dazu später mehr) oder die Bildsprache. Zumindest ich werde bei „Man of Steel“ das Gefühl nicht los, dass Snyder seinen eigenen Regiestil zugunsten einer Nolan-Imitation wenigstens teilweise aufgibt. Filme wie „300“, „Watchmen“ oder „Sucker Punch“ waren von kräftigen, ausdrucksstarken Farben geprägt, während „Man of Steel“ diverse visuelle Eigenschaften Nolans bis ins Extrem weitertreibt – alles ist in einem ausgewaschenen graublau gehalten, zusätzlich zu völlig sinnlosem Einsatz der Shaky-Cam. Manche dieser Stilmittel wurden bereits bei „Batman v Superman: Dawn of Justice“ wieder zurückgefahren, die inhaltlichen Probleme verschärfen sich dagegen noch.

Vorlage v Adaption – Probleme bei der Charakterzeichnung
Eine der größten Stärken der Dark-Knight-Trilogie ist die Balance zwischen Vorlagentreue und Eigenständigkeit. Während die Nolan-Brüder und Goyer keine Hemmungen haben, Elemente zu verändern oder die Figuren passend zur Thematik des jeweiligen Films anzupassen, erkennt man doch fast immer noch den Kern der Figur. Mehr noch, es gelingt ihnen, Handlungselemente der Comics unterzubringen, ohne dass diese wie Fremdkörper wirken. Die Trilogie funktioniert sowohl als eigenständige Einheit als auch als Adaption. Die Filme des DCEU dagegen (primär „Man of Steel“ und „Batman v Superman“) haben dagegen ein weitaus schwierigeres Verhältnis zu den entsprechenden Quellen. Sie versuchen dabei etwas ähnliches zu bewerkstelligen wie die Dark-Knight-Trilogie, zäumen das Pferd aber von der falschen Seite her auf. Einerseits haben Goyer, Snyder und der am Drehbuch von „Batman v Superman“ beteiligte Chris Terrio keine Probleme damit, Figurencharakterisierung und sonstige Gegebenheiten im Vergleich zur Vorlage radikal zu verändern, aber andererseits wird die Vorlagenkenntnis dennoch fast schon vorausgesetzt. Eines der besten Beispiel ist Zods Tod am Ende von „Man of Steel“: Dieser wird als essentieller Moment in Supermans Entwicklung inszeniert, der Mann aus Stahl schreit klagend auf, als er seinem Widersacher den Hals umdreht. Man fragt sich, weshalb. Natürlich, der Superman, den man aus den Comics kennt, ist ein Held traditioneller Prägung mit Aversion gegen das Töten. Für die in „Man of Steel“ auftauchende Version der Figur wurde diese Geisteshaltung jedoch nie etabliert. Der Film verlässt sich darauf, dass der Zuschauer mit Superman vertraut genug ist, um von selbst darauf zu kommen. Aber wieso sollte bei all den radikalen Veränderungen, denen Superman in diesem Film unterworfen wurde, gerade der moralische Kompass identisch mit dem des „normalen“ Superman sein? Die Zerstörung, die er in Smallville und Metropolis anrichtet, während er gegen Zod und dessen Handlanger kämpft, scheint ihn kaum zu tangieren.

Mit Batman verhält es sich kaum besser. „Batman v Superman“ vertraut quasi darauf, dass man als Zuschauer zumindest mit Nolans Interpretation der Figur vertraut ist, sodass man eine Entwicklung zu einem extremeren Batman wahrnimmt. Snyder, Goyer und Terrio etablieren allerdings kaum, was den Batman dieses Films eigentlich ausmacht. Eher nebenbei wird angedeutet, Batman gehe nun härter gegen Kriminelle vor, aber was genau das bedeutet, wird nicht klar. Hat dieser Batman schon früher Kriminelle links und rechts in die Luft gejagt? Hat er jemals auf menschliches Leben Rücksicht genommen?

Unter dieser merkwürdigen Spaltung leidet sogar der titelgebende Konflikt des Films. Auch hier vertraut man darauf, dass Batman und Superman als ideologische Gegensätze wahrgenommen werden. Weil aber Snyder Superman konstant fast genauso interpretiert wie Batman, kommen beide letztendlich nur als arrogante Egomanen rüber. Einer der zentralen thematischen Konflikte, die bereits in „Man of Steel“ etablierten wurden, ist der Gegensatz zwischen Altruismus und Objektivismus. Ist Superman wegen seiner Kräfte verpflichtet, Menschen zu helfen? Gemäß dem von Ayn Rand (bekannte für Romane wie „Atlas Shrugged“ oder „The Founainhead“ sowie den anhaltenden Einfluss auf konservative und libertäre Strömungen, speziell in den USA) geprägtem Objektivismus ist er das nicht; dieser Philosophie zufolge ist niemand moralisch dazu verpflichtet, irgendjemandem zu helfen, da das höchste moralische Ziel das eigene Wohlergehen ist – Rand erhebt den Egoismus zur Tugend. Nun ist es nicht zwingend neu, dass Rand’sche Einflüsse ihren Weg in einen Konflikt zwischen Batman und Superman finden. Schon Batman in Frank Millers „The Dark Knight Returns“ zeigte, dass er durchaus vom Objektivismus geprägt ist. Superman ist hier allerdings sehr eindeutig als moralischer Gegenentwurf konzipiert. In „Batman v Superman“ sind sich beide Helden dagegen schlicht zu ähnlich, als dass der Konflikt zwischen ihnen tatsächlich funktionieren würde. Letztendlich geht es nicht um philosophische Gegensätze, auch nicht darum, was richtig oder falsch ist, es geht nur um die Egos der beiden Titelhelden. Batman fühlt sich durch Supermans Übermacht bedroht, während sich Superman letztendlich nur um einige wenige Menschen (Lois, seine Mutter) schert – man fragt sich, weshalb er überhaupt hin und wieder andere Menschen rettet. Am Ende werden die aufgeworfenen Fragen ohnehin nicht gelöst, noch nicht einmal bearbeitet; nachdem Batman herausfindet, dass seine und Supermans Mutter denselben Namen haben, sind sie plötzlich die besten Freunde. Gerade bei Superman führt der Einfluss von Ayn Rands Werken zu einer merkwürdigen Persönlichkeitsspaltung: Einerseits wird Superman überdeutlich als Jesus-Metapher inszeniert und soll von seinem Vermächtnis aus den Comics und vorherigen Adaptionen profitieren, in denen er der Inbegriff des Altruismus ist, andererseits ist seine Weltsicht vom Objektivismus geprägt.

Korrekturversuche
Die verbliebenen drei Filme des DCEU können im Großen und Ganzen als Reaktion auf die Rezeption von „Batman v Superman“ betrachtete werden. Von einer kleinen Gruppe lautstarker Fans, die der Meinung sind, genau so müsse ein DC-Film sein, einmal abgesehen, war die Reaktion bekanntermaßen äußerst negativ. „Batman v Superman“ ist, was im Fandom gerne mit Phrasen wie „grim dark“ oder, um den TV-Tropes-Jargon zu bemühne, „darkness induced audience apathy“ beschrieben wird. Als Korrekturversuch funktioniert „Wonder Woman“ noch am besten, da die von Gal Gadot dargestellte Amazone das Element des Films war, das mit Abstand am Besten aufgenommen wurde – mit „Wonder Woman“ hat Warner dem Publikum nicht nur mehr von dem gegeben, was es wollte, das Studio ließ Patty Jenkins auch verhältnismäßig freie Hand und ermöglichte es sogar, den Film vom DCEU losgelöst zu genießen. Mehr noch, „Wonder Woman“ gelingt es, einen eigenen Ton zu etablieren, der vom Zynismus der Snyder-Filme weit entfernt ist, sich aber nicht der MCU-Formel bedient und trotz allem gerade noch so im selben Universum spielen kann wie „Batman v Superman“. All das lässt sich über „Suicide Squad“ leider nicht sagen.

David Ayers „Suicide Squad“ ist ein wunderschönes Beispiel für den panischen Versuch eines Studios, einen Film zu retten; hier wurden genau die Fehler begangen, die „Wonder Woman“ später erfreulicherweise vermeiden konnte. Mit „Suicide Squad“ versuchte das Studio, ein DC-Gegenstück zu Marvels „Guardians of the Galaxy“ zu schaffen, was sich schon allein an der Art und Weise zeigt, wie populäre Songs im Film untergebracht wurden. Doch wo die Musikplatzierung in „Guardians“ wirklich Teil der Narrative, wirkt sie in „Suicide Squad“ bestenfalls plakativ und amateurhaft. Viel schwerer wiegt jedoch der Umstand, dass das Schurken-Team, gerade im Vergleich zu Batman und Superman, wie sie in Snyders Filmen präsentiert werden, zahnlos und zu gutmütig daherkommt – eben eher wie die Guardians denn eine tatsächlich aus Superschurken bestehende Gruppe. Hinzu kommen eine völlig banale Schurkin, eine fürchterliche narrative Struktur und Voilá, fertig ist der Totalausfall.

Mit „Justice League“ hat Warner dann endgültig das ins Kino gebracht, was alle befürchteten: Einen Abklatsch von „The Avengers“. Die Hintergründe um Zack Snyders Ausstieg nach dem Trauerfall in der Familie, Joss Whedons Übernahme und das Verlangen der Snyder-Fans nach einem ursprünglichen Cut, der vielleicht oder auch nicht existiert, je nach dem, wen man fragt, sollte ja nur allzu bekannt sein. Auch von Snyders ursprünglichen Plänen für die Liga schwirren durch’s Internet, denen zufolge die Mitglieder der Justice League alle psychisch und mental völlig kaputt sein sollten – man könnte fast meinen, Snyder hätte noch einmal „Watchmen“ drehen wollen. Wie dem auch sei, die fertige Version von „Justice League“ ist in erster Linie belanglos, eine mindere Version der Avengers, bedingt durch den panischen Versuch der Kurskorrektur Warners. Man merkt, dass das Studio gerade bei Batman und Superman versucht, die traditionelle Charakterisierung aus den Comics umzusetzen, aber wenn man das einerseits nur mithilfe von Nachdrehs tut und es andererseits gravierende Löcher zwischen diesem und den vorhergegangenen Filmen gibt, funktioniert das einfach nicht.

Quo Vadis, DCEU?

Wie bereits am Anfang erwähnt scheint Warner vom Konzept „Shared Universe“ wieder abzuweichen. Formal setzen „Wonder Woman: 1984“ und „Aquaman“ das DCEU fort, werden sich aber auf den jeweiligen Titelhelden konzentrieren und das größere DC-Universum außen vorlassen, zumindest nach dem, was man so hört. „Shazam“, dessen Trailer ebenfalls auf der San-Diego-Comic-Con vorgestellt wurde, scheint interessanterweise ebenfalls im DCEU zu spielen, obwohl das tonal noch weniger passt als „Justice League“ und die Grenze zur Selbstparodie überschreitet.

Solo: A Star Wars Story – Ausführliche Rezension

Spoiler!
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Und wieder mal einer dieser Filme, bei dem die Produktion fast spannender ist als das, was man auf der Leinwand sieht. „Solo: A Star Wars Story“ schafft es, „Rogue One“ bezüglich problematischer Postproduktion spielend zu übertrumpfen. Ursprünglich sollten Phil Lord und Chris Miller, ihres Zeichens Regisseure von „The Lego Movie“, das Drehbuch von Lawrence Kasdan und seinem Sohn John umsetzen, doch es kam zu kreativen Differenzen, weshalb Kathleen Kennedy die beiden Regisseure feuerte und stattdessen Ron Howard („A Beautiful Mind“, „The Da Vinci Code“) anheuerte, um große Teile des Films neu zu drehen. Howard ist ein Regisseur, der als äußerst kompetent gilt, dem es aber gemeinhin an „Inspiration“ fehlt – er gilt als Handwerker. Ich persönlich hatte ziemlich niedrige Erwartungen an „Solo“, einerseits wegen des ganzen Dramas, andererseits aber auch, weil Han Solo nie eine Figur war, für die mein Herz besonders schlägt. Nicht, dass er mich irgendwie gestört hätte, ich hatte aber auch nie das Bedürfnis, mich in größerem Ausmaß mit ihm auseinanderzusetzen. Ich habe auch nie die alten Han-Solo-Romane von Brian Daley oder A.C. Crispin gelesen. Dementsprechend war nicht nur meine Erwartungshaltung recht gering, sondern auch mein Interesse. Umso erstaunlicher ist letztendlich, wie gut mir „Solo: A Star Wars Story“ gefallen hat – ich habe den Film tatsächlich als weitaus angenehmer und weniger frustrierend wahrgenommen als „Die letzten Jedi“. Das soll nicht bedeuten, dass Disneys zweites Spin-off frei von Problemen wäre, im Gegenteil. Dennoch hat es meine (geringen) Erwartungen übertroffen.

Handlung und Ton
Der jung Han (Alden Ehrenreich) möchte mit seiner Freundin Qi’ra (Emilia Clarke) dem kriminellen Bandentum seiner Heimatwelt entkommen, was durch einen besonderen Coup auch beinahe gelingt. Während Han noch durch die imperialen Kontrollen kommt, wird Qi’ra aufgegriffen. Han schwört, eines Tages nach Corellia zurückzukehren und sie zu befreien; vorerst schließt er sich aber dem Imperium an, um Pilot zu werden. Wegen seines unkooperativen Wesens landet aber allerdings bei den Bodentruppen und muss auf Mimban in den Schützengräben ausharren. Dort trifft er auf den Dieb Tobias Beckett (Woody Harrelson) und seine Gefährtin Val (Thandie Newton), die sich als Imperiale ausgeben und versucht, sich ihnen anzuschließen, was ihm auch gelingt, nachdem er den Wookiee Chewbacca (Joonas Suotamo) befreit hat.

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Han (Alden Ehrenreich) und Chewie (Joonas Suotamo)

Ihr erstes gemeinsames Vorhaben bringt die neue Gang nach Vandor-1, wo sie Coaxium aus einem Zug stehlen wollen. Doch die mysteriöse Enfys Nest (Erin Kellyman) und ihre Plünderer haben es auf das selbe Ziel abgesehen. Letztendlich misslingt der Überfall und kostet Val das Leben. Derweil müssen sich Han, Chewie und Beckett vor dem Gangsterboss Dryden Vos (Paul Bettany), Becketts Auftraggeber, rechtfertigen. Überraschenderweise trifft Han bei Vos seine alte Jugendliebe Qi’ra wieder, die nun für den Anführer des Verbrechersyndikats Crimson Dawn arbeitet. Schnell wird ein Ersatzplan festgelegt: Um doch noch an Coaxium kommen zu können, muss es von Kessel gestohlen werden. Doch dazu ist ein besonderes Schiff nötig: Der Millenium Falke. Dieser befindet sich im Besitz des Schmugglers Lando Calrissian (Donald Glover), der überzeugt werden kann, an der Aktion teilzunehmen. Qi’ra, Han, Lando, Chewie und Beckett begeben sich also nach Kessel, nicht wissend, welche Gefahren noch auf sie lauern…

Im Grunde grenzt es schon an ein Wunder, wie kohärent „Solo: A Star Wars Story“ bei dem ganzen Drama hinter den Kulissen letztendlich ausgefallen ist. Ob bzw. wie viele Überreste es von Lords und Millers Version im fertigen Film gibt, lässt sich nur schwer sagen. Es gibt ein paar Szenen, die gerade bezüglich des Humors etwas geerdeter bzw. Star-Wars-untypisch wirken, etwa die Unterhaltung über Landos Capes – gerade dabei könnte es sich um Überbleibsel handeln. Nach den Beschreibungen scheinen Lord und Miller „Solo“ eher in die Richtung von „Guardians of the Galaxy“ gerückt zu haben. Um ehrlich zu sein kann ich die Entscheidung von Lucasfilm hier durchaus gut nachvollziehen. Tatsächlich funktionieren Gags wie die Cape-Szene, aber mehr als aktuell vorhanden sind hätten dem Film in meinen Augen eher geschadet. Ohnehin kann gerade bei Star Wars zu viel Meta-Humor und -Kommentar durchaus schädlich sein, wie Episode VIII bewiesen hat.

Allerdings muss auch gesagt werden, dass „Solo“ in dieser Hinsicht dann wieder zu sehr in die andere Richtung ausschlägt. Dem Film haftet, wohl auch durch die extrem umfassenden Nachdrehs, eine gewisse Beliebigkeit an, zu sehr reiht sich Set-Piece an Set-Piece. Für sich gesehen ist keines davon wirklich schlecht, aber gerade den frühen, etwa der Zugüberfall, mangelt es ein wenig an Spannung. Positiv hervorheben möchte ich allerdings das Duell zwischen Qi’ra und Dryden Vos am Ende, das als quasi-Lichtschwertduell eine ziemlich gute Figur macht.

Altes Trio
Drei bereits bekannte Figuren stehen zumindest theoretisch im Zentrum dieses Films: Han Solo, Lando Calrissian und Chewbacca. Alle drei werden dabei nicht mehr von ihren jeweiligen Darstellern aus der OT gespielt, sondern von drei weitaus jüngeren Schauspielern. Joonas Suotamo als Chewie doubelte bereits für Peter Mayhew in „Das Erwachen der Macht“ und übernahm die Rolle für „Die letzten Jedi“ vollständig, da ist es nur natürlich, dass er nun auch in „Solo“ diese Rolle spielt. Ohnehin dürfte Chewie für die meisten eher unproblematisch sein. Han und Lando sind da schon ein wenig kritischer.

Dem Lob, das Donald Glover als Billy Dee Williams‘ Nachfolger (bzw. Vorgänger, wenn man es chronologisch betrachtet) zugesprochen wird, kann ich mich definitiv und rückhaltlos anschließen; Glover ist einfach grandios in der Rolle und stiehlt jede Szene, in der er auftaucht.

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Lando (Donald Glover)

Alden Ehrenreich dagegen weiß nicht sofort zu überzeugen, zumindest mir fiel es immer wieder schwer, ihn auch tatsächlich als Han Solo zu sehen. Dabei spielt er keinesfalls schlecht, aber einerseits ist die Rolle so sehr mit Harrison Ford verwachsen und andererseits kann Ehrenreich bei weitem nicht so mühelos wie Glover in die Haut seiner bereits ausgiebig etablierten Figur schlüpfen. Man gewöhnt sich aber im Verlauf des Films an ihn und er funktioniert.

Gerade was diese drei Figuren angeht, geht „Solo: A Star Wars Story“ im Grunde fast keinerlei Risiken ein. Lando und Chewie werden genauso dargestellt, wie man das erwarten würde, sie sind im Grunde dieselben wie immer. Han bekommt eine Entwicklung spendiert. Vor allem zu Beginn ist er relativ blauäugig, um im Verlauf des Films dann von seinem Teilzeitmentor Beckett und seiner Freundin Qi’ra, die ihn beide auf ihre Weise verraten, zu lernen, dass er niemandem vertrauen sollte. „Solo“ fällt es nicht ganz leicht, zwischen dem egoistischen Han, den wir zu Beginn von „Eine neue Hoffnung“ kennen lernen, und dem späteren Helden zu vermitteln. Obwohl der Film eigentlich nur Ersteren darstellen sollte, kann er es nicht lassen, Letzteren bereits vorwegzunehmen.

Darüber hinaus ist der Titelheld mitunter jedoch fast schon zweitrangig, da er von diversen anderen Aspekten des Films überschattet wird. Rein formal ist Han natürlich der Protagonist, als Zuschauer folgen wir seinem Weg und es werden auch alle wichtigen Stationen abgearbeitet (und das auch zumeist in gelungenen und überzeugenden Szenen): Das erste Treffen mit Chewie, die Begegnung mit Lando, der Kessel-Run und schließlich das berühmte Sabacc-Spiel um den Millenium Falken. Und dennoch werde ich das Gefühl nicht los, hier nicht unbedingt Han Solos Story zu sehen, sondern eine Story, in die Han Solo eher zufällig hineingeraten ist und die wir letztendlich nur aus seiner Perspektive wahrnehmen.

Neue Figuren und Konzepte
Star Wars war schon immer ein wildes Genre-Gemisch: Märchen/Fantasy/Mythos trifft Science Fiction, versehen mit ein wenig Western hier, ein wenig Samuraigeschichte dort und das alles angereichert mit etwas Kriegsfilm und ein wenig fernöstlich anmutender Spiritualität. Schon das alte Erweiterte Universum kippte die Balance der Genremischung ganz gerne, und die Spin-offs setzen diese Tradition fort. Wo „Rogue One“ vornehmlich den Kriegsfilmaspekt aufgriff und ausbaute, wildert „Solo“ im Western- und Gangster-Milieu. Wie oben beschrieben sind die Figuren, die wir bereits kennen, im Grunde dieselben geblieben – selbst Han ist heroischer, als man erwarten würde, auch wenn er Hemmungen hat, sich einer Protorebellion anzuschließen. Die eigentlich interessanten Figuren sind alle anderen, die weitaus grauer und weniger eindeutig gut und böse daherkommen. Das Imperium spielt natürlich eine Rolle, bleibt dabei aber gesichtslos – es gibt keinen zentralen imperialen Antagonisten wie Tarkin oder Krennic (von jemandem wie Vader gar nicht erst zu sprechen). Stattdessen funktioniert das Imperium hier eher wie eine Naturgewalt, etwas das da ist, an dem man nichts ändern kann und mit dem man auf die eine oder andere Art eben umgeht.

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Qi’ra (Emilia Clarke)

Gerade die neuen Figuren sind in dieser Hinsicht recht bemerkenswert, denn eigentlich ist es ihre Geschichte, in die Han und Chewie mehr oder weniger hineingezogen werden. Die beiden Kasdans bedienen sich hier der Archetypen des Western- und Gangsterfilms. Vor allem die von Emilia Clarke dargestellte Qi’ra ist eine ziemlich offensichtliche Femme Fatale, die es in dieser Form zumindest in den Star-Wars-Filmen bisher noch nicht gab. Ich hatte ein wenig Zweifel am Casting, schließlich ist Emilia Clarke nicht unbedingt für ihre gewaltige darstellerische Bandbreite bekannt, aber ich fand, dass sie in dieser Rolle erstaunlich gut funktioniert. Allgemein hat Qi’ra es mit ihrer Art geschafft, mich für sie einzunehmen. Auch Dryden Vos ist trotz seiner knapp bemessenen Leinwandzeit eine interessante Figur. Als Gangsterboss von Crimson Dawn schafft er mit seiner jovialen Art einen schönen Kontrast zu Jabba, der bisher als primärer Repräsentant des Gangstertum im Star-Wars-Universum fungierte (auch wenn es im Legends-Bereich noch viele weitere, etwa den illustren Prinz Xizor, gibt).

Was in „Solo“ tatsächlich größtenteils fehlt, ist ein wirklicher, zentraler Antagonist. Das Imperium bleibt eine unpersönliche Macht. Sowohl Dryden Vos als auch die mysteriöse Enfys Nest und ihrer Plünderer kommen zwar in Frage, doch in beiden Fällen sind sie auch zeitweilige Verbündete der Helden. Tobias Becketts Verrat und Qi’ras „Alleingang“ am Ende passen da natürlich wunderbar ins Konzept. Ich fand diese gerade für Star Wars nicht traditionelle Handlungsführung äußerst erfrischend, da es dem Film dennoch gelingt, zumindest meine Aufmerksamkeit in ausreichendem Maße zu fesseln.

Episode vs. Star Wars Story
Star Wars unter Disney und Kathleen Kennedy ist ein interessantes Untersuchungsobjekt. Nach drei finanziell äußerst erfolgreichen Filmen bekommt die Fassade nun langsam Risse; erst erwies sich „Die letzten Jedi“ als höchst umstrittener (wenn auch nach wie vor an den Kinokassen erfolgreicher) Film, während nun „Solo“ gewissermaßen abgestraft wird. Ob es wirklich an der Rezeption von Episode VIII liegt, an dem Umstand, dass gerade einmal ein halbes Jahr seit dem letzten Star-Wars-Film vergangen ist, an einem generellen Desinteresse an den Jugendjahren dieser Figur oder an einer Mischung aus allem ist schwer zu sagen. Wie ich eingangs bereits erklärte, gefällt mir „Solo“ deutlich besser als „Die letzten Jedi“ – das lässt sich gleichermaßen auf die anderen beiden Disney-Star-Wars-Filme ausdehnen – insgesamt finde ich die beiden Spin-offs gelungener als die beiden Episoden. Dabei bin ich durchaus bereit zuzugeben, dass die beiden Episoden eventuell bessere Filme sind – aber nicht bessere Star-Wars-Geschichten (um den Untertitel mal direkt aufzugreifen). Die Sequels leiden unter diesem merkwürdigen Zwang, wie die OT sein zu wollen, die Geschichte aber gleichzeitig fortschreiben zu müssen. Nun haben wir die Erste Ordnung statt dem Imperium, den Widerstand statt der Rebellion, die Ritte von Ren statt den Lords der Sith und Snoke statt dem Imperator – für mich alles ein unbefriedigendes „nicht Halbes und nichts Ganzes“. Die Spin-offs leiden nicht darunter, sondern fügen sich handlungstechnisch ganz mühelos in die Ära zwischen Episode III und IV. Diesbezüglich haben sie es einfacher, da sie sich einerseits der bekannten Ära bedienen können – das Imperium ist einfach das Imperium und funktioniert als solches – aber andererseits in ihrer Handlungsführung freier sind, weil es andere Erwartungen gibt. Ich habe immer das Gefühl, die Episoden versuchen, Star-Wars-Filme zu sein, während die Spin-offs einfach Star-Wars-Filme sind.

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Dryden Vos (Paul Bettany)

Besonders ein Faktor spielt da eine wichtige Rolle: Das World Building. Wenn ich einen Star-Wars-Filme sehe, möchte die Welt, die er mir zeigt, erforschen wollen. Egal ob es die düsteren Hinterhöfe von Mos Eisley sind, die Paläste von Naboo oder die Klonfabrik von Kamino – die OT und die PT hatten hervorragendes World Building. Die Sequels lassen das bislang vermissen – die vorgestellten Welten wirken auf eine Art und Weise pragmatisch, die dem Film schadet. Ein Kameraschwenk durch die Galaxis-Oper in Episode III und ich möchte wissen, wer die Leute sind, die diese Oper besuchen. Es ist nicht so, als hätten die Sequels nicht versucht, etwas derartiges ebenfalls zu leisten, aber weil der Kontext zum Großen Ganzen fehlt oder alles extrem zweckgebunden ist, funktioniert es einfach nicht – siehe Canto Bight. Die beiden Spin-offs dagegen knüpfen eher an die PT an, was in diesem Kontext als Kompliment gemeint ist.

Das große Ganze
Mehr als jeder andere der bisherigen Disney-Star-Wars-Filme quillt dieser über vor Querverweisen und Anspielungen zu anderen Star-Wars-Medien, sowohl aus dem aktuellen Kanon als auch aus dem alten Erweiterten Universum. Entweder hatten die beiden Kasdans beim Schreiben des Drehbuchs Wookieepedia konstant offen, oder sie haben Storygroup-Mitglied und EU- sowie Kanon-Experten Pablo Hidalgo auf das Skript losgelassen. Oft sind es nur kleine Verweise oder Anspielungen, etwa die Erwähnung von Teräs Käsi, einer Kampfkunst aus den alten Legends-Werken oder das kurze Zeigen eines Sith-Holocrons in Dryden Vos‘ Kuriositätenkammer – das funktioniert natürlich auch gleichzeitig als Foreshadowing. Auch diverse Figuren werden mit dem „größeren Star Wars“ auf interessante Weise verknüpft. So wird Beckett etwa mehrmals zugute gehalten, dass er Aurra Sing getötet hat. Diese hat einen wirklich kurzen Miniauftritt in Episode I, um dann später in den Comics des Legends-Bereichs und auch in „The Clone Wars“ noch eine größere Rolle zu spielen. Es gibt eine ganze Reihe von Fans, denen eine derartige „Anbiederung“ nicht wirklich zusagt, aber ich muss sagen, ich habe das alles sehr genossen. Vor allem fühlen sich die Anspielungen hier nicht wie ein Selbstzweck an, sie helfen dabei, die Erzählte Welt von Solo lebendig zu machen – das ist eine Welt, in der die Geschichte des Films stattfindet, nicht eine Welt, die für die Geschichte dieses Films konstruiert ist.

Die Anspielung, die man absolut nicht verpassen kann und die mehr als einen „Casual Fan“ ziemlich verwirrt hat, ist natürlich Mauls Gastauftritt am Ende, mit dem man tatsächlich absolut nichts anfangen kann, wenn man nur die Filme gesehen hat. Aus diesem Grund noch einmal der Kurzverlauf: In der dritten Staffel der Animationsserie „The Clone Wars“ beschlossen die kreativen Köpfe bei Lucasfilm, Darth Maul von den Toten zurückzuholen – wie genau Maul das gelungen ist, ist bis heute nicht wirklich aufgeklärt. Jedenfalls kehrt Maul während der Klonkriege in die Galaxis zurück, bekommt neue, mechanische Beine und versucht, sein eigenes Ding zu drehen, nur um von Darth Sidious auf schmerzhafte Weise aufgehalten zu werden. Maul überlebt allerdings auch die Klonkriege, um in der Quasi-Fortsetzung „Star Wars Rebels“ noch eine Rolle zu spielen. Ich war nie der größte Fan von Mauls Rückkehr, aber eine Tatsache kann man nicht leugnen: Zu dem Zeitpunkt, an dem „Solo“ spielt, ist Maul da und kann verwendet werden. Tatsächlich finde ich es durchaus interessant, wie „Solo“ auf diese Weise eine stärkere Wechselwirkung zwischen Filmen und Animationsbereich herstellt – bisher war das eher eine einseitige Geschichte. Nebenbei bemerkt: Es ist tatsächlich Ray Park, der abermals Maul darstellt, während ihm Sam Witwer wie in „The Clone Wars“ und „Rebels“ die Stimme leiht.

Natürlich stellt sich nun die Frage: Wie geht es weiter? Es gibt den einen oder anderen Anhaltspunkt, dass Disney darauf spekuliert hat, Fortsetzungen zu „Solo“ zu drehen, was aber aufgrund des finanziellen Misserfolgs eher unwahrscheinlich ist. Da ist es fast schon ironisch, dass es im Grunde auch keine direkte Fortsetzung zu „Solo“ braucht: Fast alle wichtigen Elemente aus Hans Vergangenheit wurden bereits abgearbeitete, lediglich die Jabba-Geschichte wird hier nur angedeutet. Tatsächlich könnte ein weiterer Spin-off-Film die Handlungsstränge um Qi’ra und Maul relativ direkt aufnehmen und müsste Han Solo nicht einmal auftauchen lassen. Sowohl ein Boba-Fett- als auch ein Obi-Wan-Film wären dafür fast schon prädestiniert, wobei es bei Letzterem einige Probleme gibt, denn in „Rebels“ haben Obi-Wan und Maul ihre finale Zusammenkunft bereits absolviert, eine finale Zusammenkunft, die für Maul tödlich ausgeht. Aber selbst unter diesem Gesichtspunkt ließe ich etwas konstruieren. Man könnte sich ein Beispiel an „Der Zorn des Khan“ nehmen – Kirk und Khan begegnen sich nie von Angesicht zu Angesicht, aber die Feindschaft funktioniert trotzdem.

Fazit: „Solo: A Star Wars Story“ ist im Grunde ein Film, den niemand wirklich gewollt oder gebraucht hat. Umso überraschender ist, wie gut er mir letztendlich gefallen hat, vor allem, da er die Stärken von „Rogue One“ aufgreift. Wahrscheinlich wird „Solo“ lange vor allem als „der gefloppte Star-Wars-Film“ in Erinnerung bleiben, aber ich persönlich finde ihn als Star-Wars-Story weitaus befriedigender als die Sequels.

Trailer

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Avengers: Infinity War – Ausführliche Rezension

Spoiler nach dem ersten Absatz!
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Zehn Jahre, 18 Filme und unzählige Mid- und Post-Credits-Szenen haben uns an diesen Ort geführt: „Avengers: Infinity War“ baute eine gewaltigen Hype auf und ist gerade dabei, diverse Rekorde zu brechen – und natürlich drängt sich ein ausführlicher Blick auf dieses Event geradezu auf. Die Vorgehensweise ist die übliche: Zuerst präsentiere ich meine spoilerfreie Meinung kurz und knapp, danach nehme ich keine Rücksicht mehr. Insgesamt hat mir „Infinity War“ ziemlich gut gefallen. Ist es der beste Film des MCU? Diese Frage zu beantworten fällt mir bislang noch schwer. Auf jeden Fall unterscheidet sich der dritte Avengers-Streifen deutlich von seinen vielen Vorgängern, was ich als äußerst positiv empfinde. Natürlich ist auch „Infinity War“ nicht ohne Schwächen, doch gerade die strukturellen Mängel, die einige Kritiker ankreiden, stören mich da weniger, denn dieser Film fühlt sich weniger wie die beiden vorhergegangenen Avengers-Filme und mehr wie ein Event-Comic an – insofern wäre „Marvel Cinematic Universe: Infinity War“ vielleicht sogar ein passenderer, wenn auch nicht so griffiger Titel gewesen.

Handlung
Thanos (Josh Brolin), der irre Titan, hat genug: Er steht aus seinem Stuhl auf, zieht seinen Handschuh über und beginnt, die Infinity-Steine persönlich einzusammeln, um im Universum kräftig aufzuräumen. Den ersten sackt er auf Xandar ein, der zweite befindet sich gerade im Besitz Lokis (Tom Hiddleston), also greift der irre Titan die überlebenden Asen an, schnappt sich den Tesserakt und fügt ihn ebenfalls seiner Sammlung hinzu. Thanos‘ nächstes Ziel ist die Erde. Allerdings gelingt es Hulk/Bruce Banner (Mark Ruffalo), Thanos zu entkommen und Doctor Strange (Benedict Cumberbatch) zu warnen. In Windeseile versammeln sich zumindest einige Verteidiger, darunter Iron Man (Robert Downey jr.), Spider-Man (Tom Holland) und Wong (Benedict Wong). Und schon taucht Thanos‘ Scherge Ebony Maw (Tom Vaughan-Lawlor) auf, um den von Strange beschützten Zeitstein einzusammeln. Es gelingt ihm auch tatsächlich, Strange gefangen zu nehmen, doch Spider-Man und Iron Man schaffen es, sich auf seinem Raumschiff zu verstecken.

Derweil finden die Guardians of the Galaxy die Überreste des asgardianischen Flüchtlingsschiffs und einen überlebenden Thor (Chris Hemsworth). Schnell beschließt man, gemeinsam gegen Thanos vorzugehen: Der Donnergott begibt sich, begleitet von Rocket (Bradley Cooper) und Groot (Vin Diesel), nach Nidavellir, um an eine neue Waffe zu kommen, mit der man den irren Titanen besiegen kann. Derweil versucht der Rest der Guardians Thanos davon abzuhalten, den Realitätsstein auf Knowhere einzusammeln – mit wenig Erfolg. Nicht nur hat Thanos den Stein bereits, er nimmt auch gleich seine Adoptivtochter Gamora (Zoe Saldana) mit.

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Verteidiger der Erde: Wong (Benedict Wong), Doctor Strange (Benedict Cumberbatch), Bruce Banner (Mark Ruffalo), Tony Stark (Robert Downey Jr.)

Auf der Erde versuchen Thanos‘ Häscher auch weiterhin, die Infinity-Steine für ihren Meister einzusammeln. Ihr Ziel ist Vision (Paul Bettany), der jedoch von Wanda (Elizabeth Olsen) und Caps (Chris Evans) Team Unterstützung erhält. Trotz diverser Rückschläge – auch Doctor Strange behält vorerst seinen Infinity Stein – kommt Thanos seinem Ziel näher, denn mit Gamora unfreiwilliger Hilfe bringt er den Seelenstein an sich. Auf seiner Heimatwelt Titan versucht er anschließend, auch noch den Zeitstein zu erringen, während seine Heerscharen erneut die Erde angreifen, um auch noch den letzten Stein einzusammeln…

Die Konklusion des MCU?
Allerspätestens seit „The Avengers“ arbeiten die Marvel Studios auf diesen Moment hin; in dem Moment, in dem Thanos in der Mid-Credits-Szene sein hübsches Lächeln zeigt, weiß der Comicfan, das selbst „The Avengers“ nur ein Vorgeschmack ist. Tatsächlich ist diese Erzählweise, dieses Hinarbeiten auf die kommenden Filme, etwas, das am MCU häufig und gerne kritisiert wird. Zugegebenermaßen haben sich die Marvel Studios diesbezüglich auch nicht immer mit Ruhm bekleckert; diverse Filme, etwa „Iron Man 2“ oder „Avengers: Age of Ultron“, vergaßen beim World Building die eigentliche Handlung. Dennoch ist das, was die Marvel Studios mit diesem Franchise geleistet haben, gerade für einen Comicfan ziemlich beeindruckend. „Infinity War“ ist nicht die tatsächliche Konklusion, schließlich endet er mit einem fiesen Cliffhanger und es folgt noch ein weiterer Avengers-Film, aber er kommt dem doch schon ziemlich nahe.

Dabei zeigen sich allerdings auch die Schwächen eines Films wie „Infinity War“ ziemlich deutlich. Joe und Anthony Russo haben in diesem Film verdammt viel zu tun und auf verdammt viele Filme, Figuren und Handlungsstränge Rücksicht zu nehmen. Das klappt nicht immer vollständig. Das beste Beispiel hierfür ist „Thor: Ragnarok“. „Infinity War“ schließt ziemlich direkt an besagten Streifen an, negiert aber quasi sofort sämtliche Errungenschaften. Nachdem Thor sein Volk mühsam gerettet hat, gerät es nun an Thanos, und dabei macht der Film nicht einmal deutlich, was nun mit den Asen geschehen ist. Zuerst sieht es so aus, als habe Thanos gnadenlos alle niedergemetzelt, später wird aber eher nebenbei erwähnt, er habe nur die Hälfte von ihnen getötet. In einem Interview erklärten die Russos darüber hinaus, Valkyrie habe einigen (wohl besagter Hälfte) bei der Flucht geholfen, was auch der Grund ist, weshalb sie, anders als Heimdall und Loki, nicht auftaucht.

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Die Guardians of the Galaxy: Star Lord (Chris Pratt), Groot (Vin Diesel), Gamora (Zoe Saldana), Mantis (Pom Klementieff), Rocket Racoon (Bradley Cooper) und Drax (Dave Bautista)

Ähnlich verhält es sich mit dem Handlungsstrang aus „Captain America: Civil War“, der immerhin von den Russos selbst gedreht wurde. Der Konflikt aus diesem Film hat zwar Auswirkungen auf „Infinity War“, diese sind im Kontext allerdings verhältnismäßig klein – man hätte nicht allzu viel umschreiben müssen, hätten die Ereignisse aus „Civil War“ nicht stattgefunden. Zumindest in diesem Film erfolgt keine wirkliche Auseinandersetzung, Cap und Tony begegnen sich nicht einmal.

Letztendlich muss man bei einem Film wie diesem aber eben auch Abstriche machen, schließlich ist es letztendlich ein Film mit einer begrenzten Laufzeit, der nicht alles ausgiebig thematisieren kann. Das MCU ist letztendlich ein Experiment, das versucht, die Erzählstruktur von Superheldencomics auf Filme zu übertragen. Und Superheldencomics sind nun einmal serieller Natur – weder ich noch irgendein anderer Comicfan würde bestreiten, dass es gewisse Gemeinsamkeiten zu Soap Operas gibt. In „Infinity War“ gehen die Marvel Studios so weit wie noch nie zuvor, die Erzählstruktur und das „Feeling“ eines Superheldencomics auf die Leinwand zu bringen.

Krieg um Steine: Die Vorlage
Ganz ähnlich wie bei „Avengers: Age of Ultron“ hat auch „Avengers: Infinity War“ mit dem gleichnamigen Comic nicht allzu viel zu tun. Bei „The Infinity War“ handelt es sich um eine 1992 erschienene Miniserie, verfasst von Thanos-Erfinder Jim Starlin. „Avengers: Infinity War“ bezieht sich allerdings in weitaus größerem Ausmaß auf „The Thanos Quest“ und „The Infinity Gauntlet“, ebenfalls verfasst von Jim Starlin. In „The Thanos Quest“ (1990) sammelt Thanos die Infinity Steine (in den Comics ist stets die Rede von „Infinity Gems“, während es im MCU „Infinity Stones“ sind), und in „The Infinity Gauntlet“ setzt er seine neu gewonnene, gottgleiche Macht ein. Natürlich sind selbst diese beiden Geschichten eher lose Inspirationen als direkte Vorlagen, schon allein, weil sie einer völlig anderen Kontinuität folgen – beispielsweise sind die X-Men und die Fantastic Four zugegen, während die Guardians of the Galaxy in ihrer aus dem MCU bekannten Form noch nicht existieren. Gamora und Drax spielen davon unabhängig durchaus wichtige Rollen, aber auch hier zeigt sich deutlich, wie sehr sich beide Figuren seit den frühen 90ern weiterentwickelt haben. Einige ikonische Momente stammen jedoch direkt aus dem Comic, etwa der Held, der durch Doctor Stranges Dach fällt, um ihn zu warnen – nur dass es nicht der Hulk ist, sondern der Silver Surfer. Auch das Fingerschnippen, mit dem die Hälfte allen Lebens im Universum ausgelöscht wird, stammt direkt aus „The Infinity Gauntlet“. Darüber hinaus ermöglicht die Kenntnis des Comics zumindest einige Vermutungen, was im Sequel noch auf uns zukommen könnte.

Helden über Helden
Gerade strukturell unterscheidet sich „Infinity War“ doch deutlich von den beiden Vorgängern. In „The Avengers“ ging es um das Zusammenfinden des Teams, während es in „Avengers: Age of Ultron“ der Ausgangspunkt war. In beiden Filmen kam das Team im dritten Akt (wieder) zusammen, um die Widersacher (Loki und die Chitauri bzw. Ultron und seine Armee) zu besiegen. In „Infinity War“ spielen die Avengers als Team dagegen kaum eine Rolle. Die ersten beiden Filme fühlten sich für einen comicaffinen Zuschauer tatsächlich wie Handlungsbögen einer Avengers-Comicserie an, während „Infinity War“, wie oben bereits erwähnt, eher wie ein Marvel-Großevent anmutet, in dem verschiedene, wenn nicht gar alle Teams und individuellen Helden zusammenkommen. So auch hier: Zwei im Grunde separate Avenger-Teams, die Guardians of the Galaxy und individuelle Helden wie Doctor Strange teilen sich in neue Kleingruppen auf – auch das ein Markenzeichen größerer Eventcomics.

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Das letzte Aufgebot: Black Panther (Chadwick Boseman), Steve Rogers (Chris Evans), Black Widow (Scarlett Johansson) und der Winter Soldier (Sebastian Stan)

Nun stellt sich natürlich die Frage, wie der Film auf die einzelnen Helden eingeht. Die Antwort lautet: „Ungleichmäßig“. Manche Helden stehen deutlich stärker im Vordergrund als andere. Captain America (bzw. in diesem Film Nomad in all but name) und Black Panther sind beispielsweise primär vorhanden, da sie keinen wirklich eigenen Handlungsbogen haben. Von den ursprünglichen Avengers stehen Thor und Iron Man am deutlichsten im Vordergrund, beide machen eine sehr klare Entwicklung durch. Vaterschaft ist ohnehin ein wichtiges Thema in diesem Film, das auf viele Aspekte Einfluss nimmt. Schon bei Tonys erstem Auftritt wird die Thematik vorgestellt und durch die Beziehung zu Peter Parker weiter ausgearbeitet, um dann im Finale einen traurigen und durchaus berührenden Höhepunkt zu erreichen.

Thors Entwicklung im Film ist wohl dennoch die interessanteste. Die Russos haben hier versucht, die unterschiedlichen Interpretationen der Figur wieder miteinander zu verknüpfen, denn der Thor des bisherigen MCU unterscheidet sich doch gewaltig von der Version aus „Ragnarok“. In „Infinity War“ wird versucht, an Thors Charakterisierung aus „Ragnarök“ anzuknüpfen, ohne die Comedy dabei zu weit zu treiben oder Tragik zu vermindern, was meistens ganz gut funktioniert. Hatte man in „Ragnarok“ mitunter das Gefühl, Thor gehe nichts wirklich nahe, wirken seine Sprüche und komödiantischen Einlagen hier eher, als versuche er, seinen Schmerz über den Verlust seiner Heimat, seines Volkes, seiner Freunde und seines Bruders dahinter zu verbergen. Der Donnergott wird vom Wunsch nach Vergeltung angetrieben und bekommt von allen Helden in diesem Film wohl den komplettesten und befriedigendsten Handlungsbogen – inklusive eines großen heroischen Auftritts im dritten Akt.

Von besonderem Interesse ist darüber hinaus Gamora, die als Thanos‘ Adoptivtochter einen besonderen Zugang zum Schurken des Films hat und das einzige Wesen ist, das er aufrichtig zu lieben scheint. Auch ihre Entwicklung im Verlauf des Films ist äußerst interessant, und umso tragischer ist ihr Ende.

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Thor (Chris Hemsworth)

In dieser Rezension über jede Figur, die in „Infinity War“ auftaucht ausführlich zu schreiben würde natürlich den Rahmen sprengen. Mit Ausnahme von Hawkeye, Ant-Man und Valkyrie ist wirklich so ziemlich jeder dabei, und die beiden erstgenannten werden aller Voraussicht nach im bislang noch unbetitelten vierten Avengers-Film eine tragende Rolle spielen. Zumindest ein Mitwirkender in einer kleinen, aber essentiellen Rolle hat mich tatsächlich überrascht, denn Red Skull darf ebenfalls mitmachen und fungiert als Wächter des Seelensteins. Gespielt wird er aber nicht mehr von Hugo Weaving, sondern von Ross Marquand, der eine ziemlich überzeugende Imitation hinlegt. Das macht durchaus neugierig, ob Red Skull noch weitere Auftritte bevorstehen.

Thanos
Es ist wohl kaum überraschend, dass mein Vater ebenfalls Comics sammelt und meine Liebe zu diesem Medium primär auf ihn zurückzuführen ist – schließlich war ich als Kind schon immer von Comics umgeben. Im Superheldenbereich hatte er aber verhältnismäßig wenig. Eines der wenigen Stücke war „Der Tod des Captain Marvel“, herausgegeben in Albenform vom Condor Verlag in den 80ern. „The Death of Captain Marvel“, so der Originaltitel, gehört zu den ersten Comics, die mit dem Label „Graphic Novel“ versehen wurden und erzählte eine für die damalige Zeit eher ungewöhnliche Geschichte: Ein Superheld, der Kree-Krieger Mar-Vell alias Captain Marvel, stirbt, und das nicht heroisch im Kampf, sondern an Krebs. Und trotz all ihrer Superkräfte sind die Marvelhelden völlig hilflos (nebenbei bemerkt, Mar-vell wird seinen MCU-Einstand im kommenden Captain-Marvel-Film feiern, gespielt von Jude Law – die Titelfigur ist allerdings die weibliche Variante). Wie dem auch sei, in besagtem Comic taucht auch Thanos auf, so lernte ich den irren Titan bereits lange vor seinem ersten Leinwandauftritt in „The Avengers“ kennen. Bereits in „The Death of Captain Marvel“ empfand ich ihn als äußerst faszinierende Figur, auch wenn sein Auftauchen in besagtem Werk kaum mehr als ein kleiner Gastauftritt ist.

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Thanos (Josh Brolin)

Thanos tauchte zum ersten Mal 1973 auf und wurde von Jim Starlin geschaffen, der in den folgenden Jahrzehnten auch die meisten Comics mit ihm verfasste und z.T auch zeichnete, darunter „The Death of Captain Marvel“, „The Infinity Gauntlet“ samt den beiden Sequels und noch viele weitere. Starlin ließ sich dabei von Jack Kirbys New Gods, speziell dem wissenssuchenden Metron inspirieren. Marvel-Redakteur Roy Thomas meinte allerdings zu ihm, wenn er sich schon bei einem der New Gods inspiriere, dann solle er doch den besten nehmen – so wurde Thanos auf gewisse Weise zu Marvels Gegenstück zum despotischen Darkseid, auch wenn er weit mehr als nur ein bloßer Abklatsch und inzwischen zu einer eigenständigen Ikone geworden ist. Gerade im MCU sind sogar einige Aspekte von Metron erhalten geblieben, denn auch der New God ist primär in einem schwebenden Stuhl anzutreffen.

Nicht zuletzt dank des vorzüglichen Spiels von Josh Brolin hat sich Thanos mit „Avengers: Infinity War“ schnell an die Spitze der Schurkenliste des MCU katapultiert. Thanos‘ genozidale Absichten stammen auch direkt aus den Comics, ebenso wie seine Ansichten zur Überbevölkerung – gewisse Parallelen zu Ra’s al Ghul lassen sich nicht leugnen. Mehr noch, Thanos hat durchaus sympathische Züge, er ist nicht unnötig grausam und lässt sogar Feinde am Leben. Was in anderen Filmen nur schlechte Drehbuchschreibe wäre, passt hier sogar ziemlich gut: Thanos hat nichts gegen die Avengers oder die Guardians persönlich, manche von ihnen mag oder respektiert er sogar (Peter Quill und Tony Stark).

Ein Aspekt seiner Comicpersönlichkeit fehlt allerdings: In der Vorlage ist Thanos in die Inkarnation des Todes, im Marvel Universum bekannt als Mistress Death, verliebt und begeht die meisten seiner Untaten, um ihre Gunst zu gewinnen. Im Vorfeld des Films gab es Spekulationen, Hela könne die Rolle von Mistress Death einnehmen, besonders, da sie und Thanos sich auch in den Comics (genauer: „The Unworthy Thor“) schon einmal nähergekommen sind. Bislang ist allerdings nichts dergleichen geschehen – das kann sich im kommenden vierten Avengers-Film aber natürlich noch ändern. Jedenfalls taten die Russos und Kevin Feige gut daran, Thanos zum Herzstück dieses Films zu machen und ihn fast wie den Protagonisten zu behandeln. Auch Thanos macht eine Entwicklung durch, wächst an seinen Aufgaben und muss Dinge opfern, um sein (in seinen Augen hehres) Ziel zu erreichen, was er dann am Ende ja auch tut.

Dieser Umstand lädt natürlich zu umfangreichen Spekulationen zum Inhalt des vierten Avengers-Film ein. Einige Details sind schon bekannt: Captain Marvel (in der Post-Credits-Szene angeteasert), Ant-Man und Hawkeye werden wichtige Rollen spielen. Und angesichts der Tatsache, dass Fortsetzungen geplant sind, kann man fast sicher dass sein, dass zumindest einige derer, die sich in Luft aufgelöst haben, wieder zurückkehren werden – darunter auf jeden Fall Doctor Strange, Black Panther und Spider-Man. Und es ist sicher auch kein Zufall, dass alle Ur-Avengers noch da sind. Ich schätze, dass sich vielleicht nicht alle, aber doch einige (allen voran Tony Stark und Steve Rogers) von ihnen opfern werden, um die von Thanos mit einem Fingerschnippen getöteten zurückzubringen. Aber auch die Rolle des verrückten Titanen selbst lädt zu Spekulation ein. Bereits in „The Infinity Gauntlet“ war es am Ende nicht Thanos, der aufgehalten wird, sondern Nebula, die den Handschuh an sich reißt. Auch in späteren Sequels von Jim Starlin fungiert Thanos öfter als widerwilliger Antiheld denn als Schurke.

Soundtrack
Alan Silvestri ist zurück. Das ist einerseits erst einmal positiv, denn so ist ein Mindestmaß an leitmotivischer Kontinuität gewährleistet. Schon in den Trailern wurde das Avengers-Thema prominent und effektiv eingesetzt, und im Film ist es nicht anders. Leider bleibt es bei diesem „kleinsten gemeinsamen Nenner“ – nicht einmal das von ihm selbst komponierte Thema für Captain America zitiert Silvestri in diesem Film. Die einzige Figur, die ein Thema für sich hat, ist Thanos. Laut Silvestri handelt es sich dabei um eine sehr bewusste Entscheidung von ihm und den Russos, da ein Score mit zu vielen Themen nur verwirren würde. Wie man anhand von Franchises mit großer leitmotivischer Palette wie Star Wars oder Mittelerde sehen kann, ist das natürlich ziemlicher Unsinn. Ich hatte ehrlich gesagt gehofft, „Infinity War“ würde ähnlich ausfallen wie Danny Elfmans „Justice League“. Natürlich kann man in einem Film wie diesem nicht jedes Thema jedes Helden ausführlich zitieren (insbesondere wenn diese wie Iron Man oder Thor gleich drei verschiedene haben), aber es gibt einige Szenen, bei denen sich die Verwendung wirklich aufgedrängt hätte. Insgesamt fühlt sich „Infinity War“ auch weitaus weniger inspiriert an als Silvestris nur kurz zuvor erschienener Score zu Spielbergs „Ready Player One“. Ich will nicht sagen, dass die Infinity-War-Musik generisch ist, denn es ist definitiv ein Silvestri-Score, gut und routiniert komponiert, und gerade im letzten Drittel mit einigen tollen Highlights versehen, aber insgesamt ist es doch ein wenig Silvestri auf Autopilot. Somit bleibt der Score der einzige Aspekt, in dem „Justice League“ die Nase vorn hat. Wenn man mir das 2016 erklärt hätte, hätte ich es sicher nicht geglaubt. Eine ausführliche Analyse findet sich hier.

Fazit
„Avengers: Infinity War“ ist eine gelungene, wenn auch sehr vorläufige Konklusion des Marvel Cinematic Universe, die viele der typischen Marvel-Schwächen mit Bravour umgeht und sich endgültig anfühlt, wie ein filmgewordener Event-Comic. Definitiv einer der besten Filme des MCU.

Trailer

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Star Wars Episode IV: Eine neue Hoffnung – Live in Concert

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Als Filmmusikfan kann man sich wirklich nicht beklagen, wenn es um das Thema Live-Aufführungen geht: Das Genre wird immer populärer, sodass auch die Anzahl an Live-to-Projection-Aufführungen stetig zunimmt. Während ich die ersten beiden Harry-Potter-Filme in der Stuttgarter Liederhaller leider verpasst habe, konnte ich mir „Star Wars Episode IV: Eine neue Hoffnung“ am 1. April aus nachvollziehbaren Gründen natürlich nicht entgehen lassen, schließlich handelt es sich dabei nicht nur um den ersten Score aus einer weit, weit entfernten Galaxis (was alleine schon Grund genug wäre), sondern auch um den Soundtrack, der die orchestrale Filmmusik im großen Stil zurückgebracht hat.

Gespielt hat dieses Mal das Orchester der Württembergischen Philharmonie Reutlingen unter Leitung von Helmut Imig, der auch schon die LtP-Aufführung von „Jurassic Park“ dirigierte, die ich Dezember 2016 besuchte. Im Gegensatz zu besagter Vorstellung gab es dieses Mal allerdings einen etwas holprigen Start: Nach einem gelungenen Main Title ging kurz etwas schief, sodass das Orchester dem Film um einige Sekunden hinterher hinkte, was besonders negativ auffällt, wenn die Folge ist, dass Darth Vaders erster Auftritt ausgerechnet mit der Rebellenfanfare untermalt wird. Zum Glück konnte das Orchester dann aber wieder aufholen, sodass ab Prinzessin Leias Gefangennahme wieder alles im Lot war. Einmal fror auch das Bild auf der Leinwand kurz ein, was aber erfreulicherweise nicht zu einer Verzögerung führte. Das ist nun bereits meine fünfte LtP-Aufführung, und ich muss ehrlich sein: Ich bin fast schon überrascht, dass so ein Schnitzer nicht schon eher passiert ist. Da ich nicht selbst im Orchester spiele, kann ich nicht aus eigener Erfahrung sprechen, aber ich stelle es mir unheimlich schwer vor, genau synchron zum Film zu spielen. Bei Score-Aufnahmen kann man einfach wiederholen, wenn etwas schief geht, aber live ist das freilich eine ganz andere Geschichte.

Ein kleines Problem hatte ich außerdem noch damit, dass, anders als bei den bisherigen LtP-Aufführungen, dieses Mal die deutsche Synchronfassung gespielt wurde. Trotz dieses Umstandes wurden die Untertitel eingeblendet, da das Orchester doch hin und wieder die Dialoge übertönt (was auch richtig so ist, schließlich besucht man eine derartige Vorstellung primär, um die Musik zu hören). Allerdings bediente man sich der normalen DVD-Untertitel, die mit der Synchronfassung nicht übereinstimmen, was bei mir immer zu geringfügiger Irritation führt. Insgesamt hätte ich ohnehin den O-Ton bevorzugt.

Glücklicherweise hat das alles die tatsächliche Performance des Orchesters kaum beeinflusst, diese war durchweg exzellent. Helmut Imig ist ein sehr energiegeladener Dirigent, der alles Mögliche aus seinem Orchester herausholt – das war bereits bei „Jurassic Park“ der Fall und hat sich bei „Eine neue Hoffnung“ erfreulicherweise wiederholt. Vor allem merkt man ihm seinen Enthusiasmus und seine Leidenschaft an: Wer würde sonst schon die Zugabe mit einem FX-Lichtschwert dirigieren? Egal ob es sich um die subtilen Nuancen von Prinzessin Leias Thema oder die Blechbläserwucht der Rebellenfanfare handelt, Imig und sein Orchester wussten vollauf zu überzeugen.

Wie jedes Mal bei einer derartigen Vorstellung lassen sich einige interessante Beobachtungen machen. Szenen, die ohne Musik auskommen, fallen weitaus deutlicher ins Gewicht, da man als Zuschauer natürlich aktiv auf das Orchester achtet – in „Eine neue Hoffnung“ gibt es durchaus einige davon. Die diegetische Musik, in diesem Fall das Stück der Cantina Band, wurde eingespielt. Darüber hinaus habe ich festgestellt, dass dieser Film nicht ganz so… ergiebig für eine LtP-Aufführung ist wie etwa ein Herr-der-Ringe-Teil, bei dem auch noch diverse Spezialinstrumente und ein gewaltiger Chor vorkommen – bekanntermaßen spielen chorale Passagen vor Episode VI keine Rolle und werden erst in den Prequels wirklich dominant. Dennoch, John Williams‘ meisterhaft komponierte Musik lohnt sich immer, ganz besonders live und gespielt von einem engagierten Orchester.

Fazit: Trotz einiger Anfangsschwierigkeiten eine gelungene Live-to Projection-Aufführung, die ich jedem Star-Wars-, Williams- oder Filmmusikfan nur ans Herz legen kann.