Die 13 1/2 Leben des Käpt’n Blaubär

Die 13 12 Leben des Kaeptn Blaubaer von Walter Moers
Wer wie ich in den 90ern aufgewachsen ist, dürfte Käpt’n Blaubär nur allzu gut kennen. Nicht nur war er Teil der „Sendung mit der Maus“, er hatte im Lauf der Jahre auch diverse eigene Sendungen wie den „Käpt’n Blaubär Club“ und war sogar Star seines eigenen Animationsfilms. Ein Roman darf da natürlich nicht fehlen – allerdings distanzierte Blaubär-Erfinder Walter Moers die Version, die er in „Die 13 ½ Leben des Käpt’n Blaubär“ auftreten ließ, stark von ihrem Gegenstück aus dem Fernsehen. Beide sind blaue Bären mit einer Liebe für die See und einem gewissen Hang zum Lügen, das war es dann aber auch schon. Die allseits beliebten Nebenfiguren, die drei kleinen Bärchen und Hein Blöd, haben im Roman nicht einmal Gastauftritte und auch sonst finden sich keine inhaltlichen Verknüpfungen. Stattdessen nutzte Moers die Bekanntheit und Beliebtheit der Figur, um sein eigentliches Vorhaben umzusetzen: Den Beginn einer Romanreihe, in der nicht eine bestimmte Figur der Protagonist ist, sondern ein ganzer fiktiver Kontinent.

Wie der Name schon andeutet, handelt es sich bei „Die 13 ½ Leben des Käpt’n Blaubär“ um einen Episodenroman, jedes der „Leben“ ist im Grunde ein in sich geschlossenes Abenteuer mit eigenem Personal. Diverse Figuren aus den Episoden kehren zwar im letzten Drittel des Romans zurück, sodass schon der Eindruck eines in sich geschlossenen Werkes entsteht, aber dennoch sind die meisten „Leben“ in sich abgeschlossene Angelegenheiten. Gerade die früheren Episoden, sei es „Mein Leben als Zwergpirat“ oder „Mein Leben auf der Flucht“ erinnern noch am ehesten an die Lügengeschichten, die Käpt’n Blaubär in seinem Segment der „Sendung mit der Maus“ erzählte – relativ absurde Angelegenheiten, die in der Tradition der Nonsense-Literatur stehen. Die „Leben“ werden allerdings nach und nach vielschichtiger, Moers beginnt Ideen und Konzepte einzuführen, die, so kann man zumindest annehmen, nicht nur spezifisch für diesen Roman entwickelt wurden.

In vielerlei Hinsicht ist dieser erste Zamonien-Roman eine Art Testballon. In keinem anderen „Leben“ wird das so deutlich wie im zwölften, in dem Blaubär von seiner Zeit in Atlantis berichtet. Dieses mit Abstand umfangreichste Kapitel des Romans beinhaltet ein wirklich üppiges, ja fast schon verschwenderisches Ausmaß an World-Building, das im Roman selbst oft keine Rolle mehr spielt. Einiges davon wird erst in späteren Zamonien-Romanen wieder aufgegriffen, mit anderem hat Moers bis heute nichts angefangen. Es wirkt, als habe Moers alle möglichen Ideen, die er für Zamonien zum Zeitpunkt der Abfassung dieses Romans hatte, schon einmal in diesem Kapitel untergebracht.

Besonders interessant ist es, sich „Die 13 ½ Leben des Käpt’n Blaubär“ im Kontext der restlichen Romane zu betrachten. Viele narrative Elemente, die in späteren Zamonien-Romanen vorhanden sind, werden hier bereits verwendet, allerdings finden sich auch einige Elemente, die den Erstling des Zyklus von den Nachfolgern abheben. Dazu gehören unter anderem die realweltlichen Bezüge. Zamonien wird hier als Kontinent behandelt, auf den sich diverse Daseinsformen flüchteten, nachdem die Menschen an allen anderen Orten auf der Welt die Oberhand gewannen (weshalb die Menschen in Zamonien wiederum nicht gerne gesehen sind). In diesem Kontext wird den meisten Wesenheiten ein bestimmtes, reales Ursprungsland zugewiesen. Dieser Aspekt ist in späteren Zamonien-Romanen nicht mehr vorhanden, jegliche explizite Anspielung auf realweltliche Elemente fehlen ab „Ensel und Krete“ völlig; Zamonien ist in den anderen Romanen eine abgeschlossene Welt für sich. Interessant ist auch, welche Elemente und Figuren Moers in späteren Romanen wieder aufgreift; dazu gehören unter anderem Rumo, Volzotan Smeik, Professor Doktor Abdul Nachtigaller, einige der Daseinsformen und natürlich Hildegunst von Mythenmetz. Viele andere Daseinsformen, aber auch die Stadt Atlantis sowie Blaubär selbst spielen in späteren Zamonien-Romanen allerdings keine Rolle mehr. Zwar wird aus Zamonien nie eine völlig klassische, mittelalterlich anmutende Fantasy-Welt, aber in den späteren Romanen bewegt sich der Kontinent doch etwas mehr in diese Richtung, speziell in Romanen wie „Rumo und die Wunder im Dunkeln“ oder „Die Stadt der Träumenden Bücher“ fühlt sich Zamonien archaischer an, während moderne Bezüge und satirische Elemente subtiler verarbeitet werden.

Ein zentrales erzählerisches Element, das sich in fast jeder Zamonien-Geschichte wiederfindet und bereits in „Die 13 ½ Leben des Käpt’n Blaubär“ erfolgreich etabliert wird, ist der unzuverlässige Erzähler. Schon durch seinen in der „Sendung mit der Maus“ etablierten Ruf als Lügenbär ist der Wahrheitsgehalt dieser Autobiographie natürlich mit Vorsicht zu genießen. Doch selbst wenn man nur den Roman berücksichtigt, ist es anhand von Blaubärs Laufbahn als Lügengladiator zweifelhaft, ob jedes Wort in seiner Autobiographie geglaubt werden kann. In späteren Romanen wird Blaubär als unzuverlässiger Erzähler natürlich von Hildegunst von Mythenmetz abgelöst – tatsächlich gibt es bis heute nur zwei Zamonien-Romane, „Käpt’n Blaubär“ und „Rumo“, die nicht aus Mythenmetz‘ Feder stammen. „Rumo“ ist außerdem der einzige Zamonien-Roman mit einem wirklichen auktorialen Erzähler. Theoretisch findet sich ein solcher zwar auch in „Ensel und Krete“, „Der Schrecksenmeister“ und „Prinzessin Insomnia und der alptraumfarbene Nachtmahr“, aber bekanntermaßen handelt es sich dabei wieder um Werke von Hildegunst von Mythenmetz und Fiktion innerhalb der Fiktion.

Ein weiteres Element, das in diesem Roman seinen Anfang nimmt und sich durch alle weiteren zieht, sind die Illustrationen. Auch diese machen im Verlauf des Roman-Zyklus eine Entwicklung durch. In „Die 13 ½ Leben des Käpt’n Blaubär“ erkennt man noch viel von dem Walter Moers, der „Das kleine Arschloch“ schuf und an dessen Stil sich die Blaubär-Zeichentricksegmente orientieren. Die Illustrationen sind noch sehr cartoonhaft und gerade Figuren wie Nachtigaller oder der Stollentroll erinnern mit ihren übergroßen Nasen stark an die typischen Moers’schen Comicfiguren. In späteren Romanen werden die Illustrationen weitaus detailreicher, aufwendiger und entfernen sich immer mehr von Moers‘ ursprünglichem Zeichenstil.

Fazit: „Die 13 ½ Leben des Käpt’n Blaubär“ ist nicht nur ein amüsanter, kurzweiliger Episodenroman, sondern auch ein Versuchsballon, mit dessen Hilfe Walter Moers Zamonien konzeptionierte. Nach so vielen Jahren und so vielen weiteren Werken ist es immer wieder faszinierend, wo der Kontinent seinen Anfang nahm und welche Elemente Moers wie weiterentwickelte.

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Aktuell: The Rise of Skywalker


Aus Zeitgründen habe ich mich von der „Aktuell-Kategorie“ meines Blogs schon vor einiger Zeit verabschiedet (es dürfte vielleicht aufgefallen sein, dass meine Post-Frequenz im letzten Jahr deutlich abgenommen hat, was vor allem daran lag, dass ich mit dem Sammeln von Überstunden beschäftigt war). Aber hin und wieder will man doch zumindest mal semi-aktuell sein – und was eignet sich da besser als der Teaser zur nächsten Star-Wars-Episode.

Gemessen an dem, was da dieses Jahr auf uns zukommt – nichts weniger als das Finale der Skywalker-Saga – lässt zumindest mich das erstaunlich kalt. Übersättigung, Nachwirkungen der Episode VIII-Problematik bzw. der damit zusammenhängenden Debatte – vermutlich eine Mischung aus all diesen Elementen. Der Teaser selbst ist da leider keine große Hilfe, denn insgesamt ist er relativ unspektakulär. Er beginnt (mal wieder) auf einem Wüstenplanteten – ob Jakku, Tatooine oder ein neuer ist nicht klar – und mit einer Rey, die sich einem Tie-Fighter gegenübersieht. Es wurde ja schon lange spekuliert, in wie fern Disney bzw. J.J. Abrams angesichts der vielen negativen Fan-Reaktionen auf „Die letzten Jedi“ Rian Johnsons Entscheidungen rückgängig machen würde. Die erste findet sich bereits: Rey hat offenbar Anakins altes Lichtschwert repariert. Die folgende akrobatische Einlage erinnert eher an die Prequels als an den zumindest diesbezüglich etwas konservativeren Einsatz der Macht in den Sequels.

Nach dieser recht langen, wenn auch kaum aussagekräftigen Sequenz folgen kürzere Eindrücke: Anflug auf einen neuen Planeten, Kylo Ren und seine Truppen in der Schlacht, eine unbekannte, aber recht haarige Person schweißt Kylos Helm wieder zusammen, kurze Eindrücke von Finn und Poe sowie BB8 und einem neuen Droiden und Lando Calrissian im Cockpit des Falken – alles untermalt von einer Trailermusik-Version von Leias Thema. Es folgt ein kurzer Action-Eindruck auf dem unidentifizierten Wüstenplaneten, wobei sich unsere Helden auf einem Fahrzeug befinden, das stark an Jabbas Gefährte aus Episode VI erinnert, eine Einstellung der Siegesmedallien aus Episode IV, Rey, die Leia umarmt und schließlich eine Gruppenaufnahme mit Rey, Finn, Poe, Chewie, C-3PO, BB8 und dem neuen Droiden, die vielleicht auf Endor anzusiedeln ist. Die nächste Einstellung zeigt jedenfalls etwas, das verdammt nach einem Trümmerstück des Todessterns aussieht. Der Planet selbst mit seiner zerklüfteten Küstenlandschaft wirkt zwar nicht wie Endor, aber selbst ein Waldmond muss ja nicht ausschließlich aus Wald bestehen.

Der beste Moment des Teasers folgt kurz vor der Titeleinblendung als Antwort auf Lukes Kommentar aus dem Off „No one’s ever really gone“ (eigentlich eine Dialogzeiel aus Episode VIII): Es erklingt das vertraute Lachen von Darth Sidious. Dann erfahren wir endlich den Titel von Episode IX: „The Rise of Skywalker“.

Gesamteindruck: Der Teaser sagt selbst für einen Teaser verdammt wenig darüber aus, worum es eigentlich geht und besteht primär aus Nostalgie-Beats, die auf Episode VI verweisen. Das Highlight ist zweifelsohne die angedeutete und inzwischen auch von J.J. Abrams bestätigte Rückkehr Palpatines. In welcher Form das geschehen wird bleibt natürlich unklar. Kehrt der Dunkle Lord der Sith tatsächlich von den Toten zurück, eventuell so, wie er es in der Comicserie „Dark Empire“ tat? Dort besetzte sein Geist Klonkörper seiner selbst. Kehrt er „nur“ als Dunkle-Seite-Version eines Machtgeistes zurück? Oder vielleicht sogar nur in Form von Aufzeichnungen oder Flashbacks?

Ursprünglich wurde in der neuen Disney-Kontinuität der Eindruck erweckt, dass es den Sith nicht mehr möglich sei, nach ihrem Tod als Geister wiederzukommen, so wie es in den Legends der Fall war. Nutzer der Dunklen Seite konnten zwar nicht zu „echten“ Machtgeistern werden, wie es den Jedi möglich war, aber sie konnten ihre Essenz an Gegenstände oder Orte binden oder per Essenztransfer in einen neuen Körper schlüpfen – einer ganzen Reihe von Dunklen Lords gelang es so, auch noch lange nach ihrem Tod ziemlichen Schaden anzurichten, von Marka Ragnos über Naga Sadow, Freedon Nadd, Darth Andeddu und Exar Kun bis hin zu, wie bereits erwähnt, Palpatine selbst. George Lucas gefiel diese Idee allerdings nicht. In den Mortis-Folgen der dritten Clone-Wars-Staffel waren ursprüngliche Gastauftritte der Sith-Lords Revan und Bane geplant, doch Lucas legte letztendlich sein Veto ein mit der Begründung, den Sith sei es nicht möglich, als Geister zurückzukehren. Selbst der Gastauftritt des von Mark Hamill gesprochenen Darth Bane, dem Yoda auf Moraband (formerly known as Korriban) in der sechsten Staffel der Serie begegnet, ist nur eine Illusion der Machtpriesterinnen und kein tatsächlicher Geist.

Mit der von Charles Soule verfassten Kanon-Darth-Vader-Comicserie, die kurz nach Episode III spielt, scheint diese Regel aber schon wieder ad acta gelegt zu sein, denn dort tauchte der Sith Lord Momin auf, dessen Essenz in seinem Helm weiterexistierte, ganz ähnlich wie es bei diversen Legends-Sith-Lords der Fall war; man denke etwa an Karness Muur, der ähnlich wie Momin von anderen durch ein Artefakt Besitz ergreifen konnte. Lange Rede, kurzer Sinn: Ich halte es durchaus für möglich, dass Palpatine tatsächlich auf diese Weise zurückkehrt. Zweifelsohne wäre es eine, aber nicht die eleganteste Lösung für das Schurken-Problem von Episode IX. Denn, seien wir mal ehrlich, Kylo Ren funktioniert als Big Bad einer Trilogie genauso wenig wie General Hux. Hux kann nach Episode VIII ohnehin niemand ernst nehmen, während Kylo sowohl in Episode VII als auch in Episode VIII jeweils eine verheerende Niederlage hinnehmen musste. Im Vergleich dazu blieb Vader bis Episode VI im Grunde unbesiegt, die beiden Lichtschwertduelle, die er absolvierte, gewann er – und dabei war er nicht mal der Oberschurke.

Also bleiben letztendlich nur ein paar wenige Möglichkeiten: J.J. Abrams und sein Mit-Drehbuchautor Chris Terrio können versuchen, Kylo tatsächlich zum Oberschurken zu machen, sie können Snoke zurückbringen (was in meinen Augen aber ebenso wenig funktionieren würde), sie können einen neuen Big Bad aus dem Hut zaubern oder man nimmt eben einen, der sich bereits bewährt hat, wie Darth Sidious. Der cleverste Weg wäre wohl, Sidious als Präsenz zurückzubringen, ohne ihn tatsächlich wiederzubeleben. Dazu müsste er nicht einmal als Geist auftauchen, stattdessen könnte es sich um einen lange vorbereiteten Plan handeln, während Palpatine in Form von Aufzeichnungen und Flashbacks als treibende Kraft wirkt. Schon lange kursieren im Internet Gerüchte, Matt Smith würde einen jungen Palpatine spielen. Immerhin gehen die Saw-Filme seit John Kramers Tod im dritten Teil seit einiger Zeit auf diese Weise vor. Zugegeben, nicht das beste Beispiel, aber dennoch. Diese Idee gab es in Chuck Wendigs Aftermath-Trilogie und anderen, in diesem Zeitraum spielenden Medien zwar bereits (Stichwort: „Operation Cinder“) , aber darauf könnte man tatsächlich aufbauen.

Ein weiteres Mal zeigt sich hier nun das fundamentale Problem der Sequel-Trilogie: Der Mangel an Planung und Gesamtkonzept und die Unentschlossenheit bei der Konzeption von Episode VII. Entweder hätte man die Sequels tatsächlich als Fortführung der Skywalker-Saga konzipieren müssen, oder aber etwas völlig Neues aufziehen. Darth Sidious war der überspannende Schurke der bisherigen Saga. Natürlich, das war er nicht von Anfang an, bekanntermaßen sollte der Imperator in Episode IV ein schwacher Diktator sein, der von Leuten wie Tarkin kontrolliert wurde. Erst mit Episode V und VI entwickelte wurde er zum Oberschurken und erst mit den Prequels zum alles umfassenden Überschurken, der der für den Fall der Republik und die Vernichtung der Jedi verantwortlich war, quasi dem Star-Was-Äquivalent zu Satan. Es wäre naheliegend gewesen, ihn als auch Bedrohung der Episoden VII bis IX beizubehalten, sei es als tatsächlich aktiver Schurke, als Geist oder Holocronaufzeichnung, um einen Nachfolger heranzuzüchten.

Die Alternative wäre gewesen, Episode VII als Start von etwas völlig Neuem zu inszenieren, ähnlich wie es die „New Jedi Order“ im Legends-Bereich tat. Damit will ich nicht sagen, dass Lucasfilm die Yuuzhan Vong in den Kanon hätte bringen sollen, aber eventuell ein Gegenstück, eine wie auch immer geartete neue Bedrohung, die vielleicht sogar Rebellen/Republik und Rest-Imperium dazu gezwungen hätte, sich zu verbünden. Letztendlich entschied man sich dann aber eben dafür, denselben Konflikt mit neuen Figuren noch einmal auszutragen. Snoke statt Palpatine, Kylo Ren statt Darth Vader, die Erste Ordnung statt dem Imperium und der Widerstand statt der Rebellion. So, wie sie jetzt ist, ist die Sequel-Trilogie weder richtige Fortsetzung noch der wirkliche Start eines neuen Kapitels, sondern bestenfalls ein Nachgedanke, ein Anhängsel, weder Fisch noch Fleisch.

Natürlich könnte Episode IX das rückwirkend noch revidieren, der aktuelle Teaser macht sehr deutlich, dass genau das der Ansatz von Abrams und Terrio ist. Aber selbst dann würde es aufgesetzt wirken, schließlich wurde von offizieller Seite bereits mehrfach zugegeben, dass die Sequels nicht durchgeplant wurden und dass Rian Johnson auch nicht an Abrams‘ Ideen für den Rest der Trilogie gebunden war, sondern im Grunde tun konnte, was er wollte. Ich persönlich bin ja eigentlich immer für kreative Freiheit, aber nicht zum Preis der übergeordneten Handlung.

Wie dem auch sei, ich befürchte, dass „The Rise of Skywalker“ abermals in zu großem Ausmaß die Nostalgiekarte ausspielen wird. Der Titel ist natürlich ein Kuriosum für sich, passt aber zu den Aussagen, man wolle die gesamte Skywalker-Saga aufgreifen und alles zusammenführen. Fraglich ist natürlich, was mit dem Titel gemeint ist. Tatsächlich noch lebende Skywalkers sind Kylo und Leia, aber es erscheint unwahrscheinlich, dass einer von beiden gemeint ist. Ist Rey doch eine Skywalker? Kehrt Luke zurück? Oder ist das ganze in irgendeiner Form metaphorisch zu verstehen?

Um auf einer positiven Note zu enden: Insgesamt erhoffe ich mir von Episode IX erst einmal einen gelungenen letzten John-Williams-Star-Wars-Soundtrack, einige schöne neue Auftritte von Ian McDiamird als Darth Sidious (diese können auch noch den schwächsten Film aufwerten) und endlich mal wieder ein wirklich zünftiges Lichtschwertduell, denn diesbezüglich gab es in der Disney-Ära außerhalb von „Star Wars Rebels“ wirklich sehr wenige, und auch die Rebels-Duelle waren nicht immer das Gelben vom Ei bzw. das Weiße vom Lichtschwert.

Der Bücherdrache

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Walter Moers‘ Zamonien-Romane sind in der Fantasy-Landschaft recht einzigartig und wohl noch am ehesten mit Terry Prachetts Scheibenwelt-Romanen zu vergleichen. Gerade die ersten fünf Bücher der Serie bestachen durch wirklich herausragende Qualität und sehr abwechslungsreiche, mit vielen Metaspielereien versehene Geschichten. Dann kam jedoch mit „Das Labyrinth der träumenden Bücher“ ein halber Roman, der Moers‘ Fans bestenfalls unbefriedigt und schlimmstenfalls ziemlich wütend zurückließ – die Fortsetzung ist bis heute nicht erschienen. Man fragt sich, ob es Moers ähnlich geht wie George R. R. Martin und Patrick Rothfuss oder ob das tatsächlich Absicht ist, denn auch fast alle vorherigen Zamonien-Romane spielten mit dem Element der Fragmentierung. In „Die 13 ½ Leben des Käpt’n Blaubär“ wird nur von der ersten Hälfte seiner 27 Leben erzählt, „Ensel und Krete“ enthält lediglich eine halbe Biographie von Hildegunst von Mythenmetz, bei „Die Stadt der träumenden Bücher“ handelt es sich nur um die ersten beiden Kapitel von Mythenmetz‘ „Reiseerinnerungen eines sentimentalen Dinosauriers“ und in „Der Schrecksenmeister“ hat Moers als fiktiver Übersetzer alle Mythenmetz’schen Abschweifungen herausgekürzt. Wie dem auch sei, nach „Labyrinth“ folgte erst eine längere Pause, bis dann schließlich in vergleichsweise kurzer Abfolge „Prinzessin Insomnia und der alptraumfarbene Nachtmahr“, „Weihnachten auf der Lindwurmfeste“ und „Der Bücherdrache“ erschienen. Letzterem werde ich mich zuerst annehmen, da es vor kurzem erst erschienen ist, Besprechungen zu den restlichen werden ebenfalls nach und nach folgen.

Eventuell ist „Der Bücherdrache“ tatsächlich ein Zeichen dafür, dass es mit „Das Schloss der träumenden Bücher“, der lang angekündigten Fortsetzung zu „Labyrinth“ nichts mehr wird, denn dieser doch relativ kurze Roman könnte durchaus eine Ausgliederung besagten Werkes sein. Wie fast alle Zamonien-Romane mit Ausnahme von „Die 13 ½ Leben des Käpt’n Blaubär“ und „Rumo und die Wunder im Dunkeln“ handelt es sich auch beim „Bücherdrachen“ um ein Werk von Hildegunst von Mythenmetz, das mit einer interessanten Rahmenhandlung versehen ist. Erstmals im Rahmen dieser Reihe fungiert ein Comic als Pro- und Epilog. In der Einführung wird geschildert, wie Hildegunst in einem zuerst ziemlich wirren Traum den nach ihm benannten Buchling trifft, der ihm anschließend von seiner Begegnung mit dem Bücherdrachen Nathaviel im Ormsumpf, einem bislang unbekannten Teil der Katakomben von Buchhaim, erzählt. Lässt man die ganzen verschachtelten Rahmenhandlung weg, handelt es sich um eine sehr simple Geschichte. Hildegunst Zwei wird von einigen seiner Mit-Buchlinge überredet, den legendären Bücherdrachen aufzusuchen, um Teil des Geheimbunds der „Ormlinge“ zu werden. Das Gespräch mit Nathaviel (Moers Vorliebe für Anagramme hat nicht nachgelassen) nimmt den größten Teil des Werkes ein. Dabei erzählt das Ungetüm, wie es von einem gewöhnlichen Drachen zu einem Bücherdrachen wurde und räumt dabei gleich mit einigen Vorurteilen auf. Der Rest des Gesprächs ist von einer Auseinandersetzung mit dem Dichtertum und natürlich dem Orm geprägt, die diverse Thematiken aus „Die Stadt der träumenden Bücher“ fortsetzt.

Insgesamt ist „Der Bücherdrache“ mit Sicherheit der beste Zamonien-Roman seit „Der Schrecksenmeister“, aufgrund der geringen Länge allerdings kaum mehr als ein Appetithappen, der auf mögliche weitere Werke hindeutet. So, wie das Werk konzeptioniert ist, kehrt Hildegunst Zwei mit Sicherheit früher oder später zurück, sei es in „Das Schloss der träumenden Bücher“ als dem Abschluss der Buchhaim-Trilogie oder einem anderen Abenteuer.

Zusätzlich zur eigentlichen Geschichte enthält „Der Bücherdrache“ noch eine Leseprobe, die allerdings in eine andere Richtung deutet. Der nächste Zamonien-Roman trägt den Titel „Die Insel der 1000 Leuchttürme“ und ist zwischen „Die Stadt der träumenden Bücher“ und „Das Labyrinth der träumenden Bücher“ angesiedelt. Ähnlich wie „Weihnachten auf der Lindwurmfeste“ ist dieses Werk als Brief bzw. Briefe Hildegunst von Mythenmetz‘ an den Eydeeten Hachmed Ben Kibitzer konzipiert. Wie so häufig greift Moers dabei eine bestimmte Thematik auf und arbeitet diese durch. Dieses Mal verschlägt es Hildegunst auf die Nordmeerinsel Eydernorn, deren Leuchtturmkultur er kennen lernen möchte (ja, ja, Moers und seine Anagramme).

Fazit: „Der Bücherdrache“ ist ein gelungenes kleines Abenteuer aus Zamonien, bei dem Walter Moers zwar noch nicht ganz zur alten Größe zurückfindet, das aber doch deutlich besser gelungen ist als die Zamonien-Werke der jüngsten Vergangenheit.

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Captain Marvel

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Story:
Vers (Brie Larson) gehört dem Volk der Kree an und verfügt über enorme Kräfte, hat aber ihr Gedächtnis verloren. Sie wird von ihrem Mentor Yon-Rogg (Jude Law) trainiert, da sich die Kree im Krieg mit den formwandelnden Skrulls befinden und Vers‘ Kräfte für den Kriegserfolg wichtig sind. Im Verlauf einer Mission wird Vers von dem Skrull-Kommandanten Talos (Ben Mendelsohn) gefangen genommen, der in ihren Erinnerungen wühlt und eine Verbindung zum Planeten Erde feststellt. Vers kann jedoch entkommen und landet auf der Erde, wo sie mit Hilfe des S.H.I.E.L.D.-Agenten Nick Fury (Samuel L. Jackson) versucht, hinter das Geheimnis ihrer Herkunft zu kommen.

Kritik: Da ist er also, der erste MCU-Film mit einer weiblichen Titelfigur (natürlich gab es noch „Ant-Man and the Wasp“, aber Hope van Dyne musste sich den Titel nun einmal mit Scott Lang teilen). Wie bei ähnlich gearteten Filmen, etwa „Wonder Woman“ oder „Black Panther“, waren die Erwartungen äußerst hoch und die allgemeine Stimmung äußerst geladen. Wie üblich versuche ich, dabei nicht den Film als politische Botschaft welcher Art auch immer zu bewerten, sondern als Film an sich und als Teil seines Franchise.

Nach „Captain America: The First Avenger” ist „Captain Marvel“ erst der zweite MCU-Film, der nicht in „der Gegenwart“, sondern einer historischen Epoche spielt – mit den 90ern wurde allerdings eine gewählt, die uns deutlich näher ist als die 40er. Strukturell erinnert „Captain Marvel“ am ehesten an „Thor“ und bietet, zumindest aus Publikumssicht, eine invertierte Heldenreise. Normalerweise beginnt der Held in einer (verhältnismäßig) alltäglichen Welt, um dann in eine tatsächliche oder metaphorische Abenteuerwelt zu gelangen. Thor und Vers/Carol Danvers dagegen beginnen in phantastischen, extravaganten Welten, und werden nicht von Menschen zu Helden, sondern von Göttern (oder außerirdischen Soldaten) zu Menschen (und dann zu Helden). Und wie bei „Thor“ finden sich im zweiten Akt eine ganze Menge „Fish out of Water“-Elemente, die für den Großteil der Komik verantwortlich sind.

Insgesamt ist „Captain Marvel“ in Ordnung – was gerade für einen Film, auf dem derartige Erwartungen lagen, wohl für viele nicht genug sein dürfte. Der gelungenste Aspekt ist zweifellos die Chemie zwischen Brie Larson und Samuel L. Jackson bzw. das Buddy-Movie-Element des zweiten Aktes – es ist einfach verdammt unterhaltsam, den beiden bei ihren Ermittlungen zuzusehen. Der Rest des Films ist im Großen und Ganzen funktional – relativ wenig sticht positiv oder negativ heraus. Anna Boden und Ryan Fleck sind als Regisseure ziemlich anonym, gerade im Vergleich zu MCU-Regisseuren, die es geschafft haben, den Filmen einen distinktiven Stempel aufzudrücken – man denke an Taika Waititi oder James Gunn.

Das vielleicht größte Problem des Films ist allerdings die Titelfigur. Hier wiederholt sich, was bereits bei „Black Panther“ ein Manko war: Captain Marvel ist als Figur leider nicht besonders interessant oder einnehmend, die Figuren um sie herum, sei es Nick Fury, Yon-Rogg oder selbst der Skrull Talos, sind deutlich interessanter. Der heimlich Star des Films ist natürlich ohnehin die Katze Goose. Am Ende des Films fühlt man sich sogar fast ein wenig an Supermans finalen Auftritt in „Justice League“ erinnert, als Captain Marvel alle Widersacher dann doch deutlich zu leicht und spielend abserviert. Zusätzlich problematisch ist der Umstand, dass Carol Danvers im Grunde auch keine Entwicklung durchmacht. Nur ihre Loyalität verändert sich, das hat aber keine Auswirkungen auf ihren Charakter, sie ist am Ende des Films dieselbe Figur wie am Anfang, was einem Origin-Film nicht gut zu Gesicht steht.

Zur Vorlagentreue des Films kann ich leider nicht allzu viel sagen, da ich mit der Carol-Danvers-Version von Captain Marvel nicht wirklich vertraut bin, ich besitze lediglich einige Geschichten, in denen sie vorkommt, aber keinen ihrer Solo-Titel. Eine Änderung ist mir allerdings tatsächlich sauer aufgestoßen. Carol Danvers ist nicht die erste Captain Marvel, vor ihr gab es bereits Mar-Vell, einen Kree-Krieger, den ich als Figur sehr schätze und der in der exzellenten Graphic Novel „The Death of Captain Marvel“ das zeitliche segnete – nicht im heroischen Kampf gegen einen Superschurken, wohlgemerkt, sondern im auszehrenden Kampf gegen den Krebs. Ohne allzu viel zu spoilern: Mar-Vell taucht in stark veränderter Form in „Captain Marvel“ auf, das Potential, das der Figur inne wohnt, wird aber nicht nur nicht ausgeschöpft, sondern geradezu ignoriert.

Zum Schluss noch ein paar Worte zur Musik: Mit Pinar Toprak übernahm hier zum ersten Mal eine Frau nicht nur die Titelrolle, sondern auch den Taktstock in einem MCU-Film und liefert einen Score, der sich vor den anderen MCU-Vertretern nicht verstecken muss. Topraks Musik ist durchaus in der Tonalität des MCU verwurzelt, die Verwendung von Elektronik und Synthesizern an der Seite des Orchesters passt gut zur Ära des Films und erinnert sowohl an „Thor: Ragnarök“ als auch ein wenig an Don Davis‘ Matrix-Scores. Das Thema für die Titelfigur ist gelungen, allerdings ist die Abmischung im Film nicht allzu gut, weshalb der Score leider relativ oft untergeht.

Fazit: „Captain Marvel“ ist insgesamt in Ordnung, aber abseits des Umstandes, dass es sich hierbei um den ersten MCU-Film mit einer Frau als alleiniger Titelfigur handelt, weit von der Signifikanz entfernt, die ihm im Positiven wie Negativen beigemessen wird. Der Film ist unterhaltsam und kurzweilig, bewegt sich aber bestenfalls im Mittelfeld des MCU.

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The Death of Superman

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Story: Eigentlich könnte alles gut: Superman (Jerry O’Connell) ist Mitglied der Justice League, Beschützer von Metropolis und schafft es auch endlich, sich seiner Freundin Lois (Rebecca Romijn) zu öffnen. Trotz Hemmungen schafft er es, ihr zu gestehen, dass er Superman ist. Unglücklicherweise kommt just in diesem Moment das Monster Doomsday auf die Erde und schaltet einen nach dem anderen die komplette Justice League aus. Nur der Mann aus Stahl kann die übermächtige Kreatur stoppen…

Kritik: „The Death of Superman“ war das Comicereignis der frühen 90er, mit dem DC gegen rückläufige Verkaufszahlen vorgehen wollte. Darüber hinaus gilt es als Paradebeispiel des gestorbenen und wieder zurückgekehrten Helden; diese Handlungsentwicklung wurde in den folgenden Jahren und Jahrzehnten in derart inflationärem Ausmaß angewendet, dass es inzwischen kaum noch einen Superhelden bei DC oder Marvel gibt, der nicht schon einmal gestorben und wiederauferstanden ist. Dennoch gilt „The Death of Superman“ als essentieller Teil des Superman-Kanons, obwohl ich gestehen muss, dass ich nur Teile dieses doch recht umfangreichen Handlungsbogens gelesen habe. Auch adaptiert wurde er schon mehrfach; zum ersten Mal, zumindest teilweise, im Rahmen der Serien „Justice League“ und „Justice League Unlimited“, die in verschiedenen Episoden Elemente wie die Kreatur Doomsday oder auch Supermans (vermeintlichen) Tod und sein Begräbnis übernahmen, diesen jedoch einen neuen Kontext gaben.

Als Warner 2007 die Reihe „DC Universe Animated Original Movies“ startete, war mit „Superman: Doomsday“ eine Adaption von „The Death of Superman” der erste Eintrag in dieser Filmreihe – es handelt sich dabei allerdings um eine sehr kondensierte Umsetzung, die keinen besonders guten Ruf genießt und ziemlich vergessenswert ist. Auch für „Batman v Superman: Dawn of Justice“ wurden Elemente aus „The Death of Superman” aufgegriffen (vornehmlich der Tod Supermans durch Doomsday), aber ein weiteres Mal in völlig anderem Kontext.

Die im Juli 2018 erschienene zweite direkte Adaption der Story, dieses Mal mit dem Originalnamen, gehört ebenfalls zu den „DC Universe Animated Original Movies“ und, mehr noch, zu den Filmen dieses Labels, die miteinander verknüpft sind und aufeinander aufbauen. Dieses „DC Animated Movie Universe“ ist in gewissem Sinne der Nachfolger des grandiosen und unerreichbaren DCAU und basiert größtenteils auf den New-52-Comics. Mit „The Judas Contract“ wurde allerdings bereits einmal eine weitaus ältere Geschichte für diese Kontinuität adaptiert, und mit „The Death of Superman“ verhält es sich ähnlich. Ich muss zugeben, ich bin nicht der größte Fan des „DC Animated Movie Universe“, der Animationsstil sagt mir nicht allzu sehr, viele der New-52-Geschichten lassen eher zu wünschen übrig und ganz allgemein können es diese Filme einfach nicht mit dem DCAU aufnehmen.

Allerdings muss ich zugeben: „The Death of Superman“ ist schon ziemlich gelungen und zeigte vor allem, wie sehr „Batman v Superman“ bei der Umsetzung dieses Stoffes doch versagt hat. Trotz der ziemlich geringen Laufzeit schafft der Film es, die Figuren und ihren Platz in der Geschichte passend zu etablieren. „The Death of Superman“ zeichnet sich weder durch eine besonders komplexe Handlung, noch durch Innovation aus, funktioniert aber. Man könnte diesen Film als „ökonomisch“ im positiven Sinne bezeichnen: Er steckt sich ein Ziel und erreicht dieses schnörkellos und auf direktem Weg – nicht mehr, aber auch nicht weniger. Das gilt besonders für die emotionale Ebene. Dabei profitiert „The Death of Superman“ durchaus davon, dass die Figuren bereits etabliert wurden, zugleich sind die anderen Filme des „DC Animated Movie Universe“ aber tatsächlich nicht essentiell, denn alles, was man wissen muss, wird durch Dialoge und Figureninteraktion knapp, aber eben nicht zu knapp, etabliert. Trotz des Umstandes, dass man weiß, wie die Geschichte letztendlich ausgeht, funktioniert der letztendlich Tod Supermans eben doch auf emotionaler Ebene. Anders als bei „Batman v Superman“ spürt man das Gewicht der Entscheidungen und was alles auf dem Spiel steht, wenn Doomsday nicht aufgehalten wird.

Natürlich hängt die Effektivität von „The Death of Superman“ auch mit den Sprechern zusammen, Jerry O’Connell und Rebecca Romijn machen einen sehr guten Job und vermitteln die Emotionen ihrer Figuren glaubhaft. Auch Rosario Dawson als Wonder Woman fand ich sehr gelungen. Mit Jason O’Mara als Batman und Rainn Wilson als Lex Luthor habe ich dagegen eher Probleme – nicht, dass sie per se schlecht wären, aber Kevin Conroy und Clancy Brown haben die Messlatte im DCAU nun einmal derart hochgelegt, dass nur wenige sich daran messen können.

Fazit: „The Death of Superman“ ist eine überraschend gelungene Umsetzung der gleichnamigen Story, geradlinig, aber emotional. die noch einmal zeigt, auf welch eklatante Art und Weise „Batman v Superman“ versagt hat.

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Titans Staffel 1

Spoiler!
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Es wird langsam unübersichtlich, denn die Anzahl der verschiedenen, parallel laufenden DC-Kontinuitäten wächst immer weiter. Die beiden primären Vertreter sind das „Arrowverse“, die miteinander verknüpften Fernsehserien des Senders „The CW“ (darunter „Arrow“, „The Flash“ und „Supergirl“) und natürlich das durch „Aquaman“ mehr oder weniger wiederbelebte DC Extended Universe. Davon losgelöst sind die Serien „Gotham“ und „Krypton“, die Prequel-Geschichten zu Batman und Superman erzählen, aber weder dem DCEU noch dem „Arrowverse“ zugehörig sind. Warners hauseigener Streamingdienst „DC Universe“ macht munter weiter. Die erste Eigenproduktion trägt den Titel „Titans“ und basiert (eher lose) auf den „Teen Titans“ und den diversen Ablegercomicserien wie „New Teen Titans“, „The Titans“ etc. Auf den ersten Blick wirkt „Titans“ ein wenig, als versuche Warner damit, ein Gegenstück zu den Marvel-Netflix-Serien zu kreieren. Ob das wirklich so ist lässt sich natürlich nur schwer sagen, in jedem Fall ist „Titans“ aber ein ziemlich merkwürdiges Konglomerat, das einige der selben Eigenheiten und Schwächen aufweist wie die frühen DCEU-Filme – primär „Batman v Superman“.

Handlung

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Robin/Dick Grayson (Brenton Thwaites)

Robin alias Dick Grayson (Brenton Thwaites) hat genug davon, Batmans Handlanger zu sein und macht sich in Detroit Selbstständig. Mehr oder weniger zufällig läuft ihm die 16-jährige Rachel Roth (Teagan Croft) über den Weg, deren Mutter ermordet wurde und der merkwürdige Gestalten hinterherjagen. Nicht weniger merkwürdig ist Kory Anders (Anna Diop), die völlig ohne Erinnerung zu sich kommt und feststellen muss, dass sie über auf Hitze basierende Superkräfte verfügt. Ihr einziger Anker ist Rachel – ohne dass sie wüsste, weshalb. Es kommt, wie es kommen muss: Robin, Rachel, Kory und ein grünhaariger Gestaltwandler namens Garfield Logan (Ryan Potter) schließen sich zusammen, um hinter das Mysterium zu kommen und natürlich Rachel vor Bedrohungen zu beschützen. Dabei stoßen auf diverse andere Superhelden, etwa die Doom Patrol, das Duo Hawk (Alan Ritchson) und Dove (Alan Ritchson), Jason Todd (Curran Walters), Dicks Nachfolger als Robin, und das ehemalige Wonder Girl Donna Troy (Conor Leslie).

Die (Teen) Titans – ein kurzer Abriss
Die Teen Titans existieren bereits seit dem Jahr 1964 (erster Auftritt in The Brave and the Bold #54) und bildeten eine Art Junior-Justice-League. Das ursprüngliche Team setzte sich aus den drei Sidekicks Robin (Dick Grayson), Kid Flash (Wally West) und Aqualad (Garth) zusammen, bald darauf kamen Wonder Girl (Donna Troy) und Speedy (Roy Harper) hinzu. In gewisser Weise kann man die Entwicklung der Titans sehr gut mit Marvels X-Men vergleichen: In beiden Fällen handelt es sich um Teams, die sich in ihrer ersten Inkarnation aus Teenagern zusammensetzten und anfangs nur bedingt erfolgreich waren. Erst in den 70ern und 80ern gewannen sie enorm an Popularität, als sich bestimmte Kreativteams ihrer annahmen (bei den X-Men Chris Claremont und John Byrne, bei den Titans Marv Wolfman und George Pérez). Und sowohl bei den X-Men als auch bei den Titans gelten die Storys besagter Kreativteams als die die im Grunde definitive Version, auf die sich alle nachkommenden Geschichten und Adaptionen immer wieder beziehen. Das gilt ganz besonders für „The Judas Contract“, quasi das Titans-Gegenstück zur „Dark Phoenix Saga“. Wolfman und Pérez machten aus Dick Grayson Nightwing und schufen die Figuren Starfire, Cyborg, Raven und Deathstroke, ohne die die Titans heute kaum mehr denkbar sind.

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Rachel Roth/Raven (Teagan Croft)

In den 90ern und 2000ern machten die Titans einige Wandlungen durch und wurden immer wieder neu aufgelegt. Ironischerweise lernte ich das Team in einer Inkarnation kennen, zu der keines der ursprünglichen Teammitglieder gehört. Auch die Teen Titans fielen dem Trend der 90er-Neudefinitionen zum Opfer, für seine Teen-Titans-Serie schuf Autor und Zeichner Dan Jurgens vier brandneue Figuren, denen er den verjüngten Justice-League-Helden The Atom an die Seite stellte. Im Verlauf der Serie spielten die diversen Titans-Inkarnationen dann aber trotzdem noch eine überaus wichtige Rolle. Weitere nennenswerte Titans-Serien sind „Titans“ von Devin Grayson und „Teen Titans“ von Geoff Johns – vor allem Erstere gilt als eine der besten Darstellungen des Teams.

Die Animationsserie „Teen Titans“ darf natürlich nicht übergangen werden. Auch wenn sie gut zehn Jahre danach lief (von 2003 bis 2006) finden sich auch hier wieder Parallelen zu den X-Men, denn in beiden Fällen sorgten die Zeichentrickserien dafür, dass das jeweilige Team einem größeren Publikum bekannt wurde. Ich persönlich habe immer gewisse Probleme mit der Teen-Titans-Serie, sie ist mir ein wenig zu knallig und überdreht und die Interpretation des Auftragskillers Deathstroke (Slade Wilson) als Meisterverbrecher „Slade“ sagt mir nicht wirklich zu, aber insgesamt ist es definitiv keine schlechte Serie, vor allem wenn die Bezüge zu Wolfman und Pérez in den späteren Staffeln größer werden.

Thema verfehlt
In den vielen Jahrzehnten, die die Titans nun schon existieren, hat sich ein Thema in so gut wie jeder Inkarnation immer deutlich abgezeichnet: Familie. Die ursprünglichen Titanen waren ein Zusammenschluss junger Helden, die etwas Abstand von ihren Mentoren suchten und dabei andere junge Helden anzogen. Spätere Teams setzten sich oft aus einigen ursprünglichen, inzwischen erwachsenen Titans mit Mentorfunktion und einer Gruppe an neuen Junghelden zusammen.

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Kory Anders/Starfire (Anna Diop)

Die Serienentwickler Akiva Goldsman, Geoff Johns und Greg Berlanti nehmen dagegen Figuren und einige Plotelemente und schaffen daraus keine Superhelden-Teamserie, in dem die Dynamik oder das Verhältnis der Mitglieder im Vordergrund steht, sondern eine Mystery-Serie mit snyderesquen Superheldenelementen. Eines der Hauptanliegen von „Titans“ scheint es, dem Publikum zu zeigen, wie kaputt die Superhelden sind. Nicht, dass das nicht ein Thema wäre, das man grundsätzlich verarbeiten könnte (auch wenn „Watchmen“ das nun einmal bereits sehr ausführlich und gelungen getan hat), es hat nur nichts mit den Titans zu tun. Das wirklich traurige ist, dass die Titans in dieser ersten Staffel nicht einmal auftauchen. Die einzelnen Mitglieder der klassischen Formation der Animationsserie (minus Cyborg) tauchen zwar alle als Hauptfiguren auf, agieren aber nie wirklich als Team. Wenn man ohne Vorkenntnisse an diese Serie herangeht, fragt man sich, wieso sie überhaupt „Titans“ heißt.

Die Lösung wäre eigentlich relativ simpel, wollte man sich der Thematik wirklich annehmen: Johns, Goldsman und Berlanti hätten das Ganze als Outsiders-Serie aufziehen müssen. Die Outsiders, ursprünglich von Batman in den 80ern ins Leben gerufen, später in diversen Inkarnationen von Nightwing/Dick Grayson und Red Hood/Jason Todd (in seinem Fall nennt sich das Team „Outlaws“) angeführt, sind thematisch weit weniger gebunden und eignen sich weitaus besser, um grimmige Geschichten mit kaputten Helden zu erzählen. Zu allem Überfluss gibt es viele Helden, die zum einen oder anderen Zeitpunkt sowohl Mitglied der Titans als auch der Outsiders waren, diesbezüglich könnte es also durchaus Überschneidungen geben.

Handlungsaufbau und Figuren
„Titans“ greift einen zentralen Handlungsstrang der Wolfman/Pérez-Ära auf. Deren Serie „New Teen Titans“ begann mit dem Auftauchen Ravens, die im Kampf gegen ihren Dämonenvater Trigon Hilfe sucht und so die Neuformierung der Titans veranlasst. Die Serie basiert in sehr, sehr groben Zügen auf diesem Handlungsbogen, zieht ihn aber, wie bereits erwähnt, eher als Mystery-Serie mit Superheldenelementen auf. Strukturell scheint man sich dabei durchaus ein wenig an der Netflix-Serie „Daredevil“ orientiert zu haben. In dieser wurde die eigentliche Haupthandlung zugunsten ausführlicher, charakterbildender Einschübe und Flashback-Episoden angehalten – „Titans“ macht gerne dasselbe. Der Unterschied ist, dass bei „Daredevil“ letztendlich alles zusammenkam und eine stringente Geschichte erzählt wurde (zumindest in den Staffeln 1 und 3). „Titans“ dagegen mäandert ziemlich. Ironischerweise gehören die Episoden, die abschweifen, etwa die beiden, die sich mit Hawk und Dove beschäftigen, oder die Doom-Patrol-Episode, zu den besten der Serie. Gerade die Doom Patrol, die in Kürze in dieser Besetzung ihre eigene Serie bekommt, war sehr vorlagengetreu umgesetzt (zumindest, soweit ich das sagen kann, da ich nur eine Handvoll Comics mit ihr gelesen habe) und Hawk und Dove waren zumindest interessant.

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Garfield Logan/Beast Boy (Ryan Potter)

Die Charakterisierung und Darstellung der eigentlichen Titans ist dagegen bei so ziemlich allen leicht bis ziemlich daneben. Beginnen wir bei Robin, der als Posterboy und Protagonist der Serie fungiert, was an sich schon ein Problem ist, da diese Serie nun einmal „Titans“ und nicht „Robin mit Anhang“ heißt. Der eigentliche Plot dreht sich um Raven/Rachel Roth, dient aber im Grunde nur als Aufhänger dazu, Robin in diverse Situationen zu bringen. In so ziemlich jeder der elf Folgen drängt sich Robin immer wieder in den Vordergrund, was dafür sorgt, dass so gut wie keine Teamdynamik entsteht. Und dann wäre da natürlich die eigentliche Charakterisierung von Batmans Ex-Sidekick. Wo die Serie letztendlich mit ihm hinmöchte, ist klar: Robin soll sich endgültig von Batman emanzipieren und zu Nightwing werden (wer sehen möchte, wie so etwas richtig gemacht wird, ziehe die Episode „Old Wound“ aus „Batman: The Animated Series“ zu Rate). Gleichzeitig wird er hier aber als ultrabrutaler vorgehender Vigilant gezeigt, was einfach nicht so recht zusammenpassen will. Es wird etabliert, dass Robin, wenn er das Kostüm trägt, immer in einen regelrechten Gewaltrausch verfällt. Der Teil von Robins Charakterentwicklung, der aus den Comics stammt, beißt sich mit den Elementen, die von den Autoren für die Serie hinzugefügt wurden. Insgesamt passt diese Robin-Interpretation besser zu Jason Todd, der, nebenbei bemerkt, in „Titans“ Gastauftritte hat, im Grunde aber relativ überflüssig ist, weil nun zwei psychopathische Robins durch die Gegend rennen, der eine hinterfragt sich ein wenig, der andere überhaupt nicht. Das wirft natürlich die Frage auf, mit was für einem Batman wir es in dieser Kontinuität zu tun haben – mit seiner Menschenkenntnis kann es ja nicht allzu weit her sein.

Die anderen Figuren sind aufgrund des Robin-Fokus sehr unterentwickelt und funktionieren primär über ihre Beziehung zu Robin. Dementsprechend ist Beast Boy quasi überflüssig; er stößt als letzter dazu und hat im Grunde keine Beziehung zu Robin, weshalb er ein bloßes Anhängsel bleibt. Raven/Rachel hat das meiste Potential und hätte eine gute Hauptfigur abgeben können, hätte man sie in den Fokus gerückt. So, wie es ist, fungiert sie aber primär als Plotkatalysator, was einfach zu wenig ist, wenn sie zumindest theoretisch Zentrum der Handlung ist. Mit der klassischen Comic-Inkarnation hat sie verhältnismäßig wenig zu tun, am ehesten erinnert sie an die relativ junge Raven aus Geoff Johns‘ und Judd Winicks „Teen Titans“ bzw. „Titans“.

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Hank Hall/Hawk (Alan Ritchson) und Dawn Granger/Dove (Minka Kelly)

Und dann hätten wir da natürlich noch Starfire, deren visuelle Umsetzung bereits im Vorfeld zu massiven Kontroversen führte. Und um das mal vorneweg klarzustellen: Mir (und ich denke den meisten anderen Fans auch) geht es nicht darum, dass Starfire von einer afroamerikanischen Schauspielerin dargestellt wird – tatsächlich denke ich, dass Anna Diop keine schlechte Besetzung ist. Es geht darum, dass die Figur in dieser Serie weder optisch noch charakterlich etwas mit der Comicfigur zu tun hat. Starfire ist ein Alien, das sich nie als Mensch tarnen konnte oder wollte. Darüber hinaus frage ich mich ernsthaft, weshalb sie in der Serie wie eine Vegas-Prostituierte herumläuft, denn einen handlungsrelevanten Grund dafür gibt es nicht. Ja, die Comicversion zieht sich auch gerne sehr freizügig an, aber in den Comics ist das tatsächlich mit ihrer Herkunft und der Natur ihrer Kräfte begründet. Ihr Look in der Serie dagegen ist einfach nur bizarr.

Umsetzung
„Titans“ ist die erste speziell für Warners DC-Streamingdienst produzierte Serie und nimmt somit eine Vorreiterrolle ein. In diesem Kontext fragt man sich, was sich die Verantwortlichen eigentlich gedacht haben. Selten findet man eine derart unebene Serie wie „Titans“. Da gibt es hin wieder wirklich gelungene Szenen, gerade im Action-Bereich, und dann sieht die Serie wieder aus wie ein Fan-Film. Das CGI ist zu Beginn ziemlich schlecht und wird im Verlauf der Staffel noch schlechter, so dass es wirkt, als wäre während der Produktion das Geld ausgegangen. Das trifft auch auf das allgemeine Niveau der Produktion zu: Manche Kostüme sind wirklich gut gelungen, andere dagegen sind einfach nur peinlich – besonders erwähnenswert ist der Batsuit in Episode 11. Noch gravierender sind die vielen Fehler und Merkwürdigkeiten, die sich einschleichen. In einer Szene verstecken sich die Figuren in einem Motel, in der nächsten sind sie plötzlich in einer Trainingshalle, um ihre Kräfte auszutesten, ohne dass das angemessen kontextualisiert würde. Es gibt eine ganze Reihe von ähnlichen Beispielen, oft greifen Szenen einfach nicht ineinander.

Gerade für Fans der Comics gibt es auch viele Anspielungen und Verweise, denn „Titans“ bemüht sich, mit geringen Mitteln ein relativ umfassendes DC-Universum zu etablieren. Der gesamte Batman-Kosmos wird immer wieder angerissen, die Doom Patrol, Hawk und Dove und Wondergirl haben Gastauftritte und Wonder Woman und Superman werden immerhin erwähnt. Dummerweise verheddert sich die Serie immer wieder in diesen Anspielungen und Verweisen, sodass sie letztendlich hohl bleiben und auch uns Comic-Fans keine Freude bereiten. Easter Eggs können eine gute Handlung bereichern, wenn sie sinnvoll eingebaut werden, aber sie können eine gute Handlung nicht ersetzen.

Man muss es „Titans“ allerdings lassen, dass es der Staffel dennoch trotz aller Widrigkeiten gelingt, einen gewissen Spannungsbogen zu erzeugen, der zumindest mich dazu veranlasst hat, alle elf Folgen in relativ kurzer Zeit anzuschauen. Nach jedem Lichtblick hofft man, dass es aufwärts geht, nur um dann immer wieder enttäuscht zu werden. Der Höhe- bzw. Tiefpunkt ist dann die finale Episode, die abermals einiges an Potential hat, dieses aber gekonnt in den Boden rammt. Tatsächlich sollte besagte Folge eigentlich die vorletzt sein, während die nun in die zweite Staffel verschobene zwölfte das eigentliche Staffelfinale hätte darstellen sollen. Nun endet die erste Staffel von „Titans“ mit einem ziemlich abrupten Cliffhanger, der dafür sorgt, dass sie sich wie eine Anhäufung verschiedener kürzer Geschichten, aber nicht wie eine narrative Einheit anfühlt.

Fazit: Es war ja schon abzusehen, aber „Titans“ ist ein ziemlicher Griff ins Klo, der auf Teufel komm raus versucht, aus den Titans etwas zu machen, was sie einfach nicht sind. Das immer wieder aufblitzende Potential und die eine oder andere gute Idee sorgen dazu für ziemlich große Frustration. Umso mehr verwundert mich der extrem hohe Rotten-Tomatoes-Wert und die vielen positiven Rezensionen, die man allenthalben liest.

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Mythos – The Greek Myths Retold


Ich habe schon fast mein ganzes Leben ein Faible für griechische Mythologie. Schuld daran ist ganz eindeutig Disney: Als Kind der 90er haben mich die Zeichentrickfilme der Renaissance-Ära unheimlich geprägt. Nach „Der Glöckner von Notre-Dame“, den ich damals noch nicht ganz so sehr zu schätzen wusste wie heute (mit sieben Jahren versteht man genozidale Absichten und für Disney-Verhältnisse sehr realistische Schurken einfach noch nicht so gut), wurde für 1997 ein Film namens „Hercules“ angekündigt. Zumindest das Disney-Marketing war auch damals schon relativ dominant, sodass man durchaus das eine oder andere mitbekam – aber natürlich war man von den heutigen Möglichkeiten weit entfernt. Was macht man also als Elternteil, wenn der Nachwuchs Fragen zum kommenden Disney-Film stellt, die man nicht beantworten kann? Man leiht aus der Bibliothek ein Kinderbuch über griechische Mythologie aus. Damit begann eine Faszination, die bis heute andauert.

Die griechische Mythologie hat natürlich eine enorme popkulturelle Standfestigkeit und wird in der einen oder anderen Form wieder direkt oder indirekt aufgegriffen, sei es bei „Harry Potter“, in Spielen wie „Age of Mythology“ oder in Filmen wie „Kampf der Titanen“ oder „Troja“. Stephen Fry, seines Zeichens Comedian, Schauspieler und rundum bewundernswertes Individuum, scheint ein ähnliches Verhältnis zur griechischen Mythologie zu haben wie ich, jedenfalls geht das aus diversen Interviews hervor. Seiner Liebe zu diesem Sujet verlieh er bereits mehrfach Ausdruck, allerdings nirgendwo so deutlich wie in seinem 2017 erschienenen Werk „Mythos – The Greek Myths Retold“.

Hin und wieder stößt man auf Bücher, von denen man meinen könnte, sie seien genau für einen selbst geschrieben wurden. „Mythos“ ist so eines. Es handelt sich dabei um eine Neuerzählung der griechischen Sagen, und zwar genauso, wie man das von Stephen Fry erwarten würde: Sprachlich gewandt, jovial, stets mit einem Augenzwinkern und so unheimlich britisch. Um dieses Werk voll auskosten zu können, habe ich mich direkt für die englische Hörbuchfassung erschienen und kann diese nur wärmstens empfehlen. Natürlich liest Stephen Fry selbst – und wer seine Lesung der Harry-Potter-Romane kennt, kann sich vorstellen, was „Mythos“ für ein grandioses und kurzweiliges Hörerlebnis ist. Das Audible-Hörbuch dauert gut 15 Stunden, verfügt aber über keinerlei Längen und ist ebenso kurzweilig wie amüsant. In den letzten Jahren hat sich Fry, nicht zuletzt dank der bereits erwähnten Harry-Potter-Hörbücher, zu einem meiner absoluten Lieblingsleser gemausert.

Selbst wer nur über marginale Kenntnisse der griechischen Mythologie verfügt, dürfte in „Mythos“ einiges vermissen, primär die allseits beliebten Heldensagen, die die Taten von Recken wie Herakles, Theseus oder Perseus beschreiben, und auch der Trojanische Krieg ist nirgends zu finden. Das liegt daran, dass „Mythos“ nur der erste von drei Bänden ist. Der zweite Band, „Heroes – Mortals and Monsters, Quests and Adventures“, ist bereits als englisches Buch und Hörbuch erschienen, Band 3, der sich mit dem Trojanischen Krieg auseinandersetzt, ist gerade in Arbeit. Bei „Mythos“ handelt es sich primär und Neuerzählungen von Hesiods „Theogonie“ und Ovids „Metamorphosen“. Ersteree berichtet von der Entstehung der Welt, der Kriege der Olympischen Götter gegen die Titanen und der Machtergreifung durch Zeus und seine Geschwister. Die „Metamorphosen“ erzählen von Göttern, die sich selbst, einander oder Sterbliche verwandeln. Bekannt Geschichten sind beispielsweise der Musikerwettstreit zwischen Pan und Apollo, die Erzählung von Arachne, der ersten Spinne, König Midas und seine Gier nach Gold und natürlich Zeus und seine diversen Frauengeschichten (bzw. im Fall von Ganymed eine Männergeschichte). All das erzählt Fry in angenehmem, niemals aufdringlichem Plauderton, angereichert mit Seitenhieben und ironischen Spitzen.

Fazit: Wer seine griechische Mythologie hochgestochen und episch mag, wird mit „Mythos“ wahrscheinlich nicht zufrieden sein. Wer dagegen mit einer moderneren, umgänglicheren und sehr britischen Interpretation des klassischen Stoffes keine Probleme hat, den erwartet ein wahrhafter Lese- oder, besser noch, Hörgenuss, bei dem auch immer wieder kommentiert und kontextualisiert wird. „Mythos“ ist zwar definitiv ein erzählendes und kein wissenschaftliches Werk, aber man kann dennoch hin und wieder etwas lernen.