Prelude to Rebellion

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Es wird mal wieder Zeit für etwas Retrospektive. Blicken wir zurück in die für mich persönlich aufregendste Zeit als Star-Wars-Fan: Die Ära der Prequels. Als „The Phantom Menace“ in die Kinos kam, änderte dieser Film nicht nur die Wahrnehmung des und das Verhältnis vieler Fans zum Franchise, auch die Star-Wars-Medienlandschaft verwandelte sich nachhaltig. Das Erweiterte Universum (inzwischen Legends) hatte sich bislang entweder auf Geschichten konzentriert, die nach Episode VI, zwischen den Episoden IV bis VI oder sehr, sehr lange vor ihnen spielen – etwa die Comicreihe „Tales of the Jedi“, deren Handlung 5000 bis 4000 Jahre vor den Filmen stattfindet. Die unmittelbare Vergangenheit der weit, weit entfernten Galaxis – der Untergang der Jedi, die Klonkriege und der Auftstieg des Imperiums, wurden für die Autoren des EU zur Tabuzone erklärt, da George Lucas in den 90ern ja bereits an den Prequels werkelte. Das änderte sich, als Episode I in greifbare Nähe rückte: 1998, nur wenige Monate vor dem Kinostart, startete der Comic-Verlag Dark Horse, seit 1991 Inhaber der Star-Wars-Lizenz, eine neue Serie mit dem schlichten Titel „Star Wars“, die diese neue Ära, die die Prequels erschlossen, erforschen sollte. Besagte Serie erhielt später den Namen „Star Wars Republic“ und sollte einige der besten Star-Wars-Comics überhaupt beinhalten. In diesem Beitrag möchte ich allerdings einen Blick auf den ersten Handlungsbogen, „Prelude to Rebellion“ werfen. Mit „Prelude to Rebellion“ verbinde ich auch ein großes Ausmaß an Nostalgie, da dieser Handlungsbogen auch einer der ersten der damals vom Dino-Verlag herausgegebenen deutschen Star-Wars-Heftserie war, die für mich einen essentiellen Einstiegspunkt ins EU darstellt.

In „Prelude to Rebellion“ greifen sich Autor Jan Strnad und Zeichner Anthony Winn ein Mitglied des neu etablierten Hohen Rates der Jedi, Ki-Adi-Mundi, heraus und erzählen ein Abenteuer, das relativ kurz vor Episode I stattfindet. Der Großteil der Handlung spielt auf Ki-Adi-Mundis Heimatwelt Cerea, ein Planet, auf dem die herrschende Elite sehr konservativ und technikfeindlich ist, während die Jugend, angeheizt von fremden Agitatoren, den Aufstand probt. Zu den Aufständischen Jugendlichen gehört auch Mundis Tochter Sylvn sowie ihr Freund Maj-Odo-Nomor. Ki-Adi-Mundi selbst gehört zu den eher konservativen Kräften, die Technologie ablehnen, was ihn etwas zwiespältig erscheinen lässt, da er sich als Jedi-Ritter fortschrittlicher Technologie immer wieder bedienen muss. Bei einer Kundgebung kommt es zu einem Handgemenge, in dessen Verlauf Maj-Odo-Nomor versehentlich einen seiner Freunde tötet und zusammen mit Slyvn verschwindet. Ki-Adi-Mundi verfolgt die Spur seiner Tochter und stößt auf eine Verschwörung, die es zum Ziel hat, die Unruhen auf Cerea zu schüren, um dort Waffen verkaufen zu können. Einer der Hauptverantwortlichen ist Ephant Mon, ein Komplize des berüchtigten Jabba the Hutt. Auf sich allein gestellt und ohne sein Lichtschwert muss Ki-Adi-Mundi die ganze Wahrheit herausfinden, um seine Tochter retten zu können…

„Prelude to Rebellion“ ist sowohl als Tie-In zu Episode I als auch in Hinblick auf die späteren beiden Prequels interessant. Man kann wohl davon ausgehen, dass Lucasfilm die inhaltlichen Informationen noch recht spärlich herausrückte, als Jan Strnad seine Skripte schrieb, denn die Story des sechsteiligen Handlungsbogen wirkt noch etwas kontextlos. Auch visuell erkennt man relativ wenig vom Stil von Episode I wieder, Anthony Winns Raumschiffe wirken beispielsweise relativ generisch – man kann über die Prequels sagen, was man will, aber sie hatten einen ziemlich distinktiven Stil, was Raumschiffdesign angeht. Erst im Verlauf der Handlung nehmen die Bezüge zu „The Phantom Menace“ zu; so wird etwa enthüllt, dass die Handelsföderation ihre Finger in irgend einer Form mit im Spiel hat, was aber relativ konsequenzlos bleibt. Jabbas Rolle als letztendlicher Oberschurke der Geschichte kann wohl auch auf seinen kleinen Cameo-Auftritt in Episode I zurückgeführt werden.

Bei der Konzeption des Jeditums in „Prelude to Rebellion“ zeigt sich, dass man sich bei Dark Horse noch an dem orientierte, was zuvor im EU gezeigt wurde, in dem Jedi weitaus autonomer agierten, weniger elitärer und zentralisierter Orden und mehr autonomes, individuelles Rittertum. Ki-Adi-Mundi lebt auf seinem Heimatplaneten, hat diverse Töchter und fünf Ehefrauen. Das wirkt gerade im Kontext von „Attack of the Clones“ äußerst merkwürdig, aber die Ehelosigkeit der Jedi wurde erst mit diesem Film etabliert. Ki-Adi-Mundis familiäre Zustände wurden im Zuge von Episode II als große Ausnahme erklärt. Da die Cereaner ein Mann-Frau-Verhältnis von 1 zu 20 haben, ist jeder männliche Cereaner für den Fortbestand der Spezies mitverantwortlich. Dennoch wurden Ki-Adi-Mundis familiäre Verhältnisse nach „Prelude to Rebellion“, von knappen Erwähnungen abgesehen, nie wieder thematisiert.

Ansonsten ist „Prelude to Rebellion“ eine relativ kleine, regional beschränkte Geschichte, die einige durchaus interessante Fragen anreißt und die alte SW-Thematik „Technik vs. Natur“ aufgreift. Diese erste Geschichte der Prequel-Ära bleibt auch insgesamt ziemlich konsequenzlos; sie ist definitiv nicht schlecht und durchaus kurzweilig, im Vergleich zu späteren Handlungsbögen der Republic-Serie verblasst „Prelude to Rebellion“ jedoch. Tatsächlich ist der interessanteste Teil die „Beilage“. In den Heften 4 bis 6 erzählt Jan Strnad, mit Unterstützung des Zeichners John Nadeau, quasi als Zugabe noch die „Entstehungsgeschichte“ Ki-Adi-Mundis und zeigt, wie dieser als Kind von der Jedi An’ya Kuro, auch bekannt als „dunkle Frau“, für den Orden rekrutiert wird, um anschließend als junger Ritter zurückzukehren. Auch diese Geschichte mit dem Titel „Vow of Justice“ passt nicht so recht zu später etablierten Gebräuchen der Jedi, da jegliche Bindung zur alten Heimatwelt abgelehnt wird, zugleich liefert sie aber eine Jugendgeschichte für Ki-Adi-Mundi, die zumindest mit „Prelude to Rebellion“ schön harmoniert.

Fazit: „Prelude to Rebellion“ ist selbst für Leser, die sehr an der Prequel-Ära interessiert sind, kein Must-Read. Dafür handelt es sich aber um einen interessanten Übergangscomic, was die Darstellung der Jedi angeht; hier werden noch Ideen und Konzepte aus dem Prä-Prequel-EU aufgegriffen, die zeigen, wie eine von Dark-Horse-Autoren gestaltete Prequel-Ära hätte aussehen können.

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Star Wars: Konzept einer Fortsetzung


Dank der D23 ist Star Wars mal wieder in aller Munde, wenn auch nicht unbedingt positiv. Zwar sieht der Trailer zu „The Mandalorian“ wirklich nicht schlecht aus – das könnte was werden – die Promotion zu „The Rise of Skywalker“ bekleckert sich jedoch nicht unbedingt mit Ruhm. Sei es der Teaser, der zur Hälfte aus alten Szenen besteht und kaum etwas offeriert außer einem Schweizer Taschenlichtschwert oder das Poster, bei dem eine Hot-Toys-Figur statt Ian McDiamirds edler Gesichtszügen eingebunden wurde. Aber in diesem Artikel soll es weder um die positiven, noch um die negativen Aspekte der D23-Präsentationen und -Enthüllungen gehen. Stattdessen möchte ich das anhaltende Medienecho nutzen, um noch einmal, einige Monate vor dem Kinostart von Episode IX, über die Konzeption der Sequel-Trilogie sprechen.

Rückblick: Konzept der OT und PT
Werfen wir zuerst einen Blick auf die Konzepte der bereits bestehenden Trilogien. Der Handlungsbogen der OT dürfte klar sein: Rebellion gegen Imperium, der Fall einer totalitären Diktatur und, auf einer persönlichen Ebene, die Erlösung Anakin Skywalkers. Allerdings war vor allem Letzteres nie von Anfang an Teil der Konzeption. So sehr George Lucas auch behauptet, die OT sei von Anfang an so geplant gewesen, es ist inzwischen deutlich geworden, u.a. aus den ersten Drehbuchentwürfen für „The Empire Strikes Back“, in denen Anakin Skywalkers Machtgeist auftaucht, dass der Handlungsbogen um Darth Vaders Rückkehr zum Licht und die allgemeinen Verwandtschaftsverhältnisse Elemente sind, die erst nach Episode IV Teil der Handlung wurden. Mehr noch, zu Anfang war Palpatine laut des Prologs von Alan Dean Fosters Romanadaption von „A New Hope“ ein schwacher Diktator und mit Sicherheit kein Machtnutzer. Hin und wieder gibt es bei der Gesamtbetrachtung der OT die eine oder andere Diskrepanz, aber insgesamt ist sie ziemlich gut zusammengewachsen und funktioniert als die Saga, als die sie wahrgenommen wird. Dieser Aspekt des Zusammenwachens ist jedoch etwas, das man im Hinterkopf behalten sollte.

Rein konzeptionell ist die Prequel-Trilogie am dichtesten, auch wenn das Konzept nicht immer ganz gelungen umgesetzt wurde. Die Prequels schildern den Fall Anakin Skywalkers, die Vernichtung der Jedi, den Aufstieg Imperator Palpatines und die Umwandlung der Republik in das Imperium. Es war von Anfang an klar, wo es hingehen würde – was den vielgescholtenen Prequels ironischerweise den Status der am besten geplanten und konzipierten Trilogie verleiht, denn anders als bei den anderen beiden wussten die Verantwortlichen genau, wo die Reise enden würde.

Als Disney Lucasfilm 2012 erwarb, waren die Möglichkeiten, die Saga fortzusetzen, vielfältig. Das alte Erweiterte Star-Wars-Universum, inzwischen als „Legends“ gebrandmarkt, hat einige Blaupausen geliefert, die wir uns etwas näher betrachten werden, bevor wir uns mit dem Weg, der für die Sequels gewählt wurde, auseinandersetzen.

Direkte Fortsetzung: Die Thrawn-Trilogie und „Dark Empire“
In den 90ern erwarben zwei Verlage, Bantam und Dark Horse, die Star-Wars-Lizenz und machten sich daran, die Saga in Form von Romanen und Comics fortzusetzen. Das jeweils erste Werk beider Verlage, Timothy Zahns „Heir to the Empire“ (gefolgt von „Dark Force Rising“ und „The Last Command“) und „Dark Empire“ (gefolgt von „Dark Empire II“ und „Empire’s End“) können jeweils als Versuch verstanden werden, die OT sehr direkt fortzusetzen. Im Kontext der Prequels erscheint vor allem „Dark Empire“ recht merkwürdig, aber natürlich konnten weder Tom Veitch noch Timothy Zahn wissen, was George Lucas in der Zukunft anstellen würde (Stichwort: Auserwählter). Wie dem auch sei, beide Werke setzen den Konflikt relativ direkt fort. Zahn erzählt dabei die besser konstruierte und auch deutlich kreativere Geschichte. Nach ihrem Sieg auf Endor hat die Rebellen-Allianz die Macht in der Galaxis übernommen, sodass die Rollen vertauscht sind: Die Helden sind nun die dominante Partei, während die Schurken aus dem Untergrund heraus kämpfen. Nach wie vor ist es das Imperium, das Luke, Han, Leia und Co. Probleme bereitet. Dieses Mal wird die Neue Ordnung durch Großadmiral Thrawn vertreten, der eine deutlich andere Art von Widersacher ist als Vader oder Palpatine, was sich natürlich auf die Geschichte auswirkt. Zahn fährt die mystischen Aspekte von Star Wars etwas zurück. Das Vermächtnis der Jedi und der Kampf gegen die Dunkle Seite sind zwar präsent – Letztere wird vertreten durch den verrückten Jedi-Klon Joruus C’baoth – man merkt den Romanen jedoch an, dass Zahn diesen Elementen weniger Bedeutung zuweist; er rückt Star Wars etwas näher an die „echte“ Science Fiction heran und entfernt sich von der märchenhaften Space Opera. Im Kern steht hier der Konflikt zwischen Imperium und Neuer Republik, dementsprechend ist Thrawn auch militärisches Genie und nicht böser Overlord. Gerade im Kontext der Erscheinungszeit ist die Thrawn-Trilogie wirklich eine exzellente Fortsetzung der OT, der eine gelungene Balance zwischen Altem und Neuem gelingt. Im Kontext der Prequels trifft das freilich nicht mehr zu, da diese das Konzept des Außerwählten und den Konflikt zwischen Jedi und Sith in den Mittelpunkt rücken. Diese essentiellen Elemente der Episoden I bis III finden sich in der Thrawn-Trilogie nicht wieder – wie auch?

Was die grundsätzliche Handlung angeht, eignet sich „Dark Empire“ besser als Fortsetzung der aus den Episoden I bis VI bestehenden Saga: Palpatine/Darth Sidious ist durchgehend der Oberschurke, da bietet es sich an, das Konzept an ihm als „dunkler Bedrohung“ festzumachen: Die Star-Wars-Saga als Kampf der Skywalker-Dynastie gegen Palpatine. Im Detail wusste Tom Veitch natürlich genauso wenig wie Timothy Zahn, was George Lucas mit den Prequels machen würde, weshalb vieles, was in „Dark Empire“ geschieht, im Kontext der Prequels reichlich merkwürdig oder schlicht unpassend wirkt. Zwar werden die Sith in den Fortsetzungen „Dark Empire II“ und „Empire’s End“ tatsächlich erwähnt, schließlich war Darth Vader von Anfang an laut Episode-IV-Drehbuch und -Romanadaption „Dunkler Lord der Sith“, aber was das bedeutete, wusste im Zeitraum von 1977 bis Mitte der 90er niemand. Bekanntermaßen wollte Zahn die Spezies, die für Vader und später auch Thrawn als Attentäter arbeitet, zu den Sith machen und Vaders Titel so erklären, bis Lucasfilm ihm das ausredete, sodass aus besagter Spezies schließlich die Noghri wurden.

Wo die Thrawn-Trilogie jedoch etwas geerdeter ist und sich eher auf die Sci-Fi-Aspekte konzentriert, geht Veitch den entgegengesetzten Weg: Bei ihm ist Palpatine mächtiger denn je, sein Geist kann von Körper zu Körper hüpfen, er kann gewaltige Machtstürme entfesseln und im Grunde ganze Flotten im Alleingang in Schutt und Asche legen. Die Dominanz der Neuen Republik wird von Veitch ebenfalls wieder rückgängig gemacht – insgesamt betont er in „Dark Empire“ deutlich stärker die Pulp-Elemente, die Dank Lucas‘ Vorliebe für „Flash Gordon“ natürlich schon immer Teil der Saga waren.

Ein neuer Konflikt: Die „New Jedi Order“
Eine weitere konzeptionelle Möglichkeit für die Sequel-Trilogie wäre gewesen, ein völlig neues Kapitel aufzuschlagen. Das Imperium, die Sith und die Dunkle Seite der Macht sind besiegt, der Auserwählte hat seinen Job erfüllt, die Bedrohung kommt dieses Mal aus einer völlig anderen Richtung. Die Idee außergalaktischer Invasoren tauchte immer mal wieder im Erweiterten Universum auf; in den alten Marvel-Comics gab es die Nagai, in „Truce at Bakura“ die Ssi-ruuk und 1999 zeigten im Rahmen der Romanreihe „New Jedi Order“ natürlich die Yuuzhan Vong ihre nicht gerade ansehnlichen Gesichter. Diese neue Spezies, die die bekannte Galaxis in einen neuen, blutigen Krieg stürzt, ist enorm umstritten, nicht zuletzt, da ihre Mitglieder in der Macht nicht zu existieren scheinen, aber unabhängig davon sind sie ein Paradebeispiel für ein „neues Kapitel“: Es gibt keine Verbindung zwischen den Vong und dem Imperium, den Sith oder irgend einem anderen bekannten Widersacher. Ich denke nicht, dass sich die Vong wirklich für die Sequels angeboten hätten, dazu sind sie im Fandom zu umstritten und hätten auf den Mainstream wahrscheinlich zu un-star-warsig gewirkt, aber die „New Jedi Order“ wäre als sehr grobe Vorlage interessant gewesen. So hätte Disney bzw. Lucasfilm erklären können, dass sich die Episoden I bis VI mit dem Konflikt Jedi gegen Sith auseinandersetzen, und die Episoden VII bis IX (oder sogar XII?) mit dem Krieg zwischen der Neuen Republik und welchem völlig neuen Gegner man auch immer wählt.

The Next Generation: „Legacy“
Das Konzept der Comicserie „Legacy“ lässt sich mit einem Satz kurz und prägnant erläutern: Selber Konflikt, anderes Personal. Knapp 140 Jahre nach der OT stehen die Jedi (mal wieder) kurz vor der Auslöschung und (mal wieder) herrschen die Sith über das Imperium bzw. die Galaxis. Nur ist der Protagonist nicht mehr der aufrechte Bauernjunge, der sich zum strahlenden (wenn auch schwarz gewandeten) Ritter entwickelt, sondern ein Junkie, der am liebsten in Ruhe gelassen werden will – dummerweise trägt Cade den Familiennamen Skywalker und ist ein Nachfahre besagten Ritters. Etwas ähnliches hätte sich für die Sequels durchaus angeboten, besonders wenn Mark Hamill, Harrison Ford und Carrie Fisher nicht gewillt gewesen wären, noch einmal in ihre Rollen zu schlüpfen. „Legacy“ zeichnet sich dadurch aus, dass der Grundplot derselbe ist wie in der OT, aber von völlig anderen, zum Teil deutlich graueren und komplexeren Charakteren durchgespielt wird, was natürlich zu einer völlig anderen Handlungsentwicklung führt.

Das Nicht-Konzept der Sequels
Das größte Problem der Sequel-Trilogie ist, dass es eben kein die Filmreihe umspannendes erzählerisches Konzept gibt. Lucasfilm unter Kathleen Kennedy wollte sich alle Möglichkeiten offen halten und den individuellen Filmemachern so viel Freiraum geben wie möglich – grundsätzlich ein löblicher Ansatz, aber nicht, wenn er das „Große Ganze“ beschädigt. Aus diesem Grund entwickelte man nur ein Konzept für Episode VII, und das auch nicht auf einer inhaltlichen Ebene. Ich denke, man fragte sich in der Chefetage des Mäusekonzerns nie „Welche Geschichte wollen wir erzählen?“, sondern „Wie arbeiten wir gegen den schlechten Ruf der Prequels?“. Das macht aus Episode VII einen zutiefst reaktionären Film im eigentlichen Wortsinn, denn er ist in vielerlei Hinsicht ein genauer Gegenentwurf zu den Prequels. Bei all der berechtigten Kritik, mit der die Episoden I bis III bedacht werden, findet sich auch oft die in meinen Augen unberechtigte Kritik, dass sie eben nicht wie die OT sind. Genau dem versuchte Disney entgegenzuwirken. Was fanden die Fans an den Prequels schlecht? Zu viel CGI, zu wenig wie die OT, zu viel Politik etc. Also heuerte man mit J. J. Abrams einen bekennenden Episode IV-Fan und konzentriert sich auf diese Aspekte. Konzeptionell dagegen sitzt Episode VII quasi zwischen den Stühlen. Keine der oben geschilderten Möglichkeiten wird gewählt. In „The Force Awakens“ wird nicht derselbe Konflikt (Jedi gegen Sith, Rebellion bzw. Neue Republik gegen Imperium, alle gegen Palpatine) fortgesetzt, es ist aber auch nicht wirklich ein neuer Konflikt. Stattdessen gibt es Ersatzfraktionen, Widerstand, Erste Ordnung und Ritter von Ren, die formal ihren Gegenstücken, Rebellion, Imperium und Sith, nicht entsprechen, aber genau dieselben Story-Beats bedienen. In der Essenz wird nicht derselbe Konflikt weiter ausgetragen, wie es in der Thrawn-Trilogie oder in „Dark Empire“ der Fall ist, und es wird auch kein wirklich neuer Kampf gekämpft, stattdessen wird derselbe Konflikt noch einmal von Ersatzparteien ausgefochten. Das führt dazu, dass sie die Sequels wie ein merkwürdiger Epilog zum Rest der Saga anfühlen, nicht wirklich Teil davon, aber auch nicht losgelöst.

Eines muss man Lucasfilm/Disney allerdings lassen: Zumindest für Episode VII ist das Konzept „Anti-Prequel“ aufgegangen, denn „The Force Awakens“ hatte exakt die Wirkung, die man wollte. Star Wars als Marke wurde revitalisiert, Casual-Fans, die dem Franchise nach den Prequels den Rücken kehrten, fanden wieder in die weit, weit entfernte Galaxis und allgemein gab es viel Kritikerlob und natürlich spielte der Film schlicht und einfach verdammt viel Kohle ein.

Spätestens mit Episode VIII zeigt sich allerdings, dass der Mangel an Konzept eine schlechte Idee war. J. J. Abrams und Episode-VII-Mitautor Lawrence Kasdan arbeiteten in „The Force Awakens” mit Abrams’ berühmt-berüchtigter Mystery-Box-Methode und warfen viele Fragen auf. Vielleicht lieferten sie intern die Antworten mit, vielleicht auch nicht. Jedenfalls bekam Rian Johnson für Episode VIII freie Hand, mit bekanntem Ergebnis. Wenn Abrams und Kasdan Antworten lieferten, ignorierte er sie, und wenn nicht gab er sie nicht in ihrem Sinn. Ich möchte nun wirklich nicht noch einmal die Last-Jedi-Diskussion aufwärmen, doch selbst Befürworter dieses Films müssen zugeben, dass  eine ziemliche Diskrepanz zwischen „The Force Awakens“ und „The Last Jedi“ existiert und dass Letzterer gegen Ersteren arbeitet. Auf gewisse Weise ist „The Last Jedi“ das „Anti-Force-Awakens“, ähnlich wie Episode VII das „Anti-Prequel“ war – und somit wieder ein zutiefst reaktionärer Film. Wo „The Force Awakens“ zwanghaft alle Erwartungen erfüllt, versucht „The Last Jedi“ genauso zwanghaft, alle Erwartungen zu unterwandern. Das ist das Konzept des Films – und abermals ist es kein erzählerisches Konzept.

Schon jetzt sind die Sequels die unebenste der drei Trilogien. Ja, George Lucas hatte auch nicht wirklich ein von Anfang an durchgeplantes Konzept bei der OT, was von Verteidigern der Sequels immer wieder gerne angeführt wird, aber der OT wurde erlaubt, organisch zu wachsen. Zwar gab Lucas den Regiestock für Episode V und VI an Irvin Kershner respektive Richard Marquand weiter, aber er war dennoch derjenige, der die Fahrtrichtung vorgab und dafür sorgte, dass kein Film gegen den anderen arbeitet.

Meine Begeisterung für Episode IX hält sich bislang ziemlich in Grenzen, ich bin eher fachlich daran interessiert, wie diese Trilogie nun zu Ende geführt wird. Obwohl „The Last Jedi“ bei Kritikern gut ankam und auch finanziell keine Wünsche offen ließ, spaltete dieser Film das Fandom wie kein anderer vor ihm und führte von Gegnern wie Befürwortern zu Extremreaktionen. Mit „The Rise of Skywalker“ scheint Disney nun zu versuchen, diese Spaltung zu überwinden und rückwirkend ein Gesamtkonzept wie das oben bei „Dark Empire“ geschilderte zu etablieren, in dem Palpatine als verbindender Faktor zwischen der PT, der OT und der ST eingesetzt wird – der Teaser, der zu Anfang Einstellungen aus allen bisherigen Filmen zeigt, verdeutlicht dieses Ansinnen. Da mag Kathleen Kennedy noch so sehr bezeugen, dass die Rückkehr des Imperators immer für Episode IX geplant war, das nehme ich ihr nicht ab.

Ironischerweise lässt sich nun doch ein vereinendes Konzept für die Sequels festlegen: Jeder Film der ST reagiert auf die Vorgänger-Episode und versucht, sich als entsprechende Antithese zu inszenieren. Natürlich kann eine Trilogie, in der jeder Film als Antithese zum Vorhergegangenen fungiert, niemals einen einheitlichen Eindruck hinterlassen.

Aktuell: The Rise of Skywalker


Aus Zeitgründen habe ich mich von der „Aktuell-Kategorie“ meines Blogs schon vor einiger Zeit verabschiedet (es dürfte vielleicht aufgefallen sein, dass meine Post-Frequenz im letzten Jahr deutlich abgenommen hat, was vor allem daran lag, dass ich mit dem Sammeln von Überstunden beschäftigt war). Aber hin und wieder will man doch zumindest mal semi-aktuell sein – und was eignet sich da besser als der Teaser zur nächsten Star-Wars-Episode.

Gemessen an dem, was da dieses Jahr auf uns zukommt – nichts weniger als das Finale der Skywalker-Saga – lässt zumindest mich das erstaunlich kalt. Übersättigung, Nachwirkungen der Episode VIII-Problematik bzw. der damit zusammenhängenden Debatte – vermutlich eine Mischung aus all diesen Elementen. Der Teaser selbst ist da leider keine große Hilfe, denn insgesamt ist er relativ unspektakulär. Er beginnt (mal wieder) auf einem Wüstenplanteten – ob Jakku, Tatooine oder ein neuer ist nicht klar – und mit einer Rey, die sich einem Tie-Fighter gegenübersieht. Es wurde ja schon lange spekuliert, in wie fern Disney bzw. J.J. Abrams angesichts der vielen negativen Fan-Reaktionen auf „Die letzten Jedi“ Rian Johnsons Entscheidungen rückgängig machen würde. Die erste findet sich bereits: Rey hat offenbar Anakins altes Lichtschwert repariert. Die folgende akrobatische Einlage erinnert eher an die Prequels als an den zumindest diesbezüglich etwas konservativeren Einsatz der Macht in den Sequels.

Nach dieser recht langen, wenn auch kaum aussagekräftigen Sequenz folgen kürzere Eindrücke: Anflug auf einen neuen Planeten, Kylo Ren und seine Truppen in der Schlacht, eine unbekannte, aber recht haarige Person schweißt Kylos Helm wieder zusammen, kurze Eindrücke von Finn und Poe sowie BB8 und einem neuen Droiden und Lando Calrissian im Cockpit des Falken – alles untermalt von einer Trailermusik-Version von Leias Thema. Es folgt ein kurzer Action-Eindruck auf dem unidentifizierten Wüstenplaneten, wobei sich unsere Helden auf einem Fahrzeug befinden, das stark an Jabbas Gefährte aus Episode VI erinnert, eine Einstellung der Siegesmedallien aus Episode IV, Rey, die Leia umarmt und schließlich eine Gruppenaufnahme mit Rey, Finn, Poe, Chewie, C-3PO, BB8 und dem neuen Droiden, die vielleicht auf Endor anzusiedeln ist. Die nächste Einstellung zeigt jedenfalls etwas, das verdammt nach einem Trümmerstück des Todessterns aussieht. Der Planet selbst mit seiner zerklüfteten Küstenlandschaft wirkt zwar nicht wie Endor, aber selbst ein Waldmond muss ja nicht ausschließlich aus Wald bestehen.

Der beste Moment des Teasers folgt kurz vor der Titeleinblendung als Antwort auf Lukes Kommentar aus dem Off „No one’s ever really gone“ (eigentlich eine Dialogzeiel aus Episode VIII): Es erklingt das vertraute Lachen von Darth Sidious. Dann erfahren wir endlich den Titel von Episode IX: „The Rise of Skywalker“.

Gesamteindruck: Der Teaser sagt selbst für einen Teaser verdammt wenig darüber aus, worum es eigentlich geht und besteht primär aus Nostalgie-Beats, die auf Episode VI verweisen. Das Highlight ist zweifelsohne die angedeutete und inzwischen auch von J.J. Abrams bestätigte Rückkehr Palpatines. In welcher Form das geschehen wird bleibt natürlich unklar. Kehrt der Dunkle Lord der Sith tatsächlich von den Toten zurück, eventuell so, wie er es in der Comicserie „Dark Empire“ tat? Dort besetzte sein Geist Klonkörper seiner selbst. Kehrt er „nur“ als Dunkle-Seite-Version eines Machtgeistes zurück? Oder vielleicht sogar nur in Form von Aufzeichnungen oder Flashbacks?

Ursprünglich wurde in der neuen Disney-Kontinuität der Eindruck erweckt, dass es den Sith nicht mehr möglich sei, nach ihrem Tod als Geister wiederzukommen, so wie es in den Legends der Fall war. Nutzer der Dunklen Seite konnten zwar nicht zu „echten“ Machtgeistern werden, wie es den Jedi möglich war, aber sie konnten ihre Essenz an Gegenstände oder Orte binden oder per Essenztransfer in einen neuen Körper schlüpfen – einer ganzen Reihe von Dunklen Lords gelang es so, auch noch lange nach ihrem Tod ziemlichen Schaden anzurichten, von Marka Ragnos über Naga Sadow, Freedon Nadd, Darth Andeddu und Exar Kun bis hin zu, wie bereits erwähnt, Palpatine selbst. George Lucas gefiel diese Idee allerdings nicht. In den Mortis-Folgen der dritten Clone-Wars-Staffel waren ursprüngliche Gastauftritte der Sith-Lords Revan und Bane geplant, doch Lucas legte letztendlich sein Veto ein mit der Begründung, den Sith sei es nicht möglich, als Geister zurückzukehren. Selbst der Gastauftritt des von Mark Hamill gesprochenen Darth Bane, dem Yoda auf Moraband (formerly known as Korriban) in der sechsten Staffel der Serie begegnet, ist nur eine Illusion der Machtpriesterinnen und kein tatsächlicher Geist.

Mit der von Charles Soule verfassten Kanon-Darth-Vader-Comicserie, die kurz nach Episode III spielt, scheint diese Regel aber schon wieder ad acta gelegt zu sein, denn dort tauchte der Sith Lord Momin auf, dessen Essenz in seinem Helm weiterexistierte, ganz ähnlich wie es bei diversen Legends-Sith-Lords der Fall war; man denke etwa an Karness Muur, der ähnlich wie Momin von anderen durch ein Artefakt Besitz ergreifen konnte. Lange Rede, kurzer Sinn: Ich halte es durchaus für möglich, dass Palpatine tatsächlich auf diese Weise zurückkehrt. Zweifelsohne wäre es eine, aber nicht die eleganteste Lösung für das Schurken-Problem von Episode IX. Denn, seien wir mal ehrlich, Kylo Ren funktioniert als Big Bad einer Trilogie genauso wenig wie General Hux. Hux kann nach Episode VIII ohnehin niemand ernst nehmen, während Kylo sowohl in Episode VII als auch in Episode VIII jeweils eine verheerende Niederlage hinnehmen musste. Im Vergleich dazu blieb Vader bis Episode VI im Grunde unbesiegt, die beiden Lichtschwertduelle, die er absolvierte, gewann er – und dabei war er nicht mal der Oberschurke.

Also bleiben letztendlich nur ein paar wenige Möglichkeiten: J.J. Abrams und sein Mit-Drehbuchautor Chris Terrio können versuchen, Kylo tatsächlich zum Oberschurken zu machen, sie können Snoke zurückbringen (was in meinen Augen aber ebenso wenig funktionieren würde), sie können einen neuen Big Bad aus dem Hut zaubern oder man nimmt eben einen, der sich bereits bewährt hat, wie Darth Sidious. Der cleverste Weg wäre wohl, Sidious als Präsenz zurückzubringen, ohne ihn tatsächlich wiederzubeleben. Dazu müsste er nicht einmal als Geist auftauchen, stattdessen könnte es sich um einen lange vorbereiteten Plan handeln, während Palpatine in Form von Aufzeichnungen und Flashbacks als treibende Kraft wirkt. Schon lange kursieren im Internet Gerüchte, Matt Smith würde einen jungen Palpatine spielen. Immerhin gehen die Saw-Filme seit John Kramers Tod im dritten Teil seit einiger Zeit auf diese Weise vor. Zugegeben, nicht das beste Beispiel, aber dennoch. Diese Idee gab es in Chuck Wendigs Aftermath-Trilogie und anderen, in diesem Zeitraum spielenden Medien zwar bereits (Stichwort: „Operation Cinder“) , aber darauf könnte man tatsächlich aufbauen.

Ein weiteres Mal zeigt sich hier nun das fundamentale Problem der Sequel-Trilogie: Der Mangel an Planung und Gesamtkonzept und die Unentschlossenheit bei der Konzeption von Episode VII. Entweder hätte man die Sequels tatsächlich als Fortführung der Skywalker-Saga konzipieren müssen, oder aber etwas völlig Neues aufziehen. Darth Sidious war der überspannende Schurke der bisherigen Saga. Natürlich, das war er nicht von Anfang an, bekanntermaßen sollte der Imperator in Episode IV ein schwacher Diktator sein, der von Leuten wie Tarkin kontrolliert wurde. Erst mit Episode V und VI entwickelte wurde er zum Oberschurken und erst mit den Prequels zum alles umfassenden Überschurken, der der für den Fall der Republik und die Vernichtung der Jedi verantwortlich war, quasi dem Star-Was-Äquivalent zu Satan. Es wäre naheliegend gewesen, ihn als auch Bedrohung der Episoden VII bis IX beizubehalten, sei es als tatsächlich aktiver Schurke, als Geist oder Holocronaufzeichnung, um einen Nachfolger heranzuzüchten.

Die Alternative wäre gewesen, Episode VII als Start von etwas völlig Neuem zu inszenieren, ähnlich wie es die „New Jedi Order“ im Legends-Bereich tat. Damit will ich nicht sagen, dass Lucasfilm die Yuuzhan Vong in den Kanon hätte bringen sollen, aber eventuell ein Gegenstück, eine wie auch immer geartete neue Bedrohung, die vielleicht sogar Rebellen/Republik und Rest-Imperium dazu gezwungen hätte, sich zu verbünden. Letztendlich entschied man sich dann aber eben dafür, denselben Konflikt mit neuen Figuren noch einmal auszutragen. Snoke statt Palpatine, Kylo Ren statt Darth Vader, die Erste Ordnung statt dem Imperium und der Widerstand statt der Rebellion. So, wie sie jetzt ist, ist die Sequel-Trilogie weder richtige Fortsetzung noch der wirkliche Start eines neuen Kapitels, sondern bestenfalls ein Nachgedanke, ein Anhängsel, weder Fisch noch Fleisch.

Natürlich könnte Episode IX das rückwirkend noch revidieren, der aktuelle Teaser macht sehr deutlich, dass genau das der Ansatz von Abrams und Terrio ist. Aber selbst dann würde es aufgesetzt wirken, schließlich wurde von offizieller Seite bereits mehrfach zugegeben, dass die Sequels nicht durchgeplant wurden und dass Rian Johnson auch nicht an Abrams‘ Ideen für den Rest der Trilogie gebunden war, sondern im Grunde tun konnte, was er wollte. Ich persönlich bin ja eigentlich immer für kreative Freiheit, aber nicht zum Preis der übergeordneten Handlung.

Wie dem auch sei, ich befürchte, dass „The Rise of Skywalker“ abermals in zu großem Ausmaß die Nostalgiekarte ausspielen wird. Der Titel ist natürlich ein Kuriosum für sich, passt aber zu den Aussagen, man wolle die gesamte Skywalker-Saga aufgreifen und alles zusammenführen. Fraglich ist natürlich, was mit dem Titel gemeint ist. Tatsächlich noch lebende Skywalkers sind Kylo und Leia, aber es erscheint unwahrscheinlich, dass einer von beiden gemeint ist. Ist Rey doch eine Skywalker? Kehrt Luke zurück? Oder ist das ganze in irgendeiner Form metaphorisch zu verstehen?

Um auf einer positiven Note zu enden: Insgesamt erhoffe ich mir von Episode IX erst einmal einen gelungenen letzten John-Williams-Star-Wars-Soundtrack, einige schöne neue Auftritte von Ian McDiamird als Darth Sidious (diese können auch noch den schwächsten Film aufwerten) und endlich mal wieder ein wirklich zünftiges Lichtschwertduell, denn diesbezüglich gab es in der Disney-Ära außerhalb von „Star Wars Rebels“ wirklich sehr wenige, und auch die Rebels-Duelle waren nicht immer das Gelben vom Ei bzw. das Weiße vom Lichtschwert.

The Lost Themes

Unter Filmmusik-Fans gibt es eine Phrase, die beim normalen Kinogänger oft nur unverständiges Kopfschütteln auslöst: „Leitmotivische Kontinuität“. Natürlich fällt es doch einer ganzen Menge an Menschen auf, dass etwa bei jedem der Harry-Potter-Filme zu Beginn entweder beim Warner-Logo oder der Titeleinblendung Hedwigs Thema gespielt wird (mit Ausnahme von „Die Heiligtümer des Todes Teil 2“). Gerade bei den Harry-Potter-Filmen ist Hedwigs Thema aber auch das einzige Element, das für ein Minimum an leitmotivischer Kontinuität sorgt. Es dürfte ja bekannt sein, wie sehr es mich jedes Mal frustriert, wenn in einer Filmreihe der Komponist ausgetauscht wird und der Neuzugang im Folgenden das gesamte Material des Vorgängers über den Haufen wirft und von vorne beginnt. Aber darum soll es in diesem Artikel nicht gehen. Stattdessen geht es um Leitmotive, die in einem Score derselben Filmreihe vom selben Komponisten ad acta gelegt wurden, obwohl man sie aus handlungstechnischen Gründen hätte weiterverwenden können. Zu diesem Zweck werde ich einen Blick auf drei große Film-Franchises werfen: Star Wars, Harry Potter und Mittelerde.

Star Wars

John Williams’ inzwischen acht Star-Wars-Scores sind wahrscheinlich das leimotivisch ausgefeilteste Gesamtwerk der Filmmusik – lediglich Howard Shores Mittelerde-Scores sind ernstzunehmende Konkurrenten. Dennoch gibt es in jeder der drei Trilogien mal mehr, mal weniger bedeutende Themen, die vom einen auf den nächsten Film relativ sang- und klanglos verschwinden. Ein Beispiel ist etwa das Droiden-Thema, das ausschließlich in „Das Imperium schlägt zurück“ erklingt. Es handelt sich dabei um eine recht positive Melodie, meistens von Holzbläsern gespielt, die das Verhalten von R2D2 und C3PO untermalt. Zu hören ist es in Episode V einige Male, sodass es definitiv als Leitmotiv zu klassifizieren ist. Zum ersten Mal erklingt es in Main Title/The Ice Planet Hoth bei 6:30 und ist unter anderem auch in Arrival on Dagobah (1:00) oder Betrayal at Bespin (3:12) zu hören. Obwohl R2 und 3PO auch in allen weiteren von Williams vertonten Star-Wars-Filmen auftauchen, findet dieses spezifische Motiv nie wieder Verwendung. Zugegebenermaßen ist das allerdings ein verhältnismäßig obskures sekundäres Thema. Es gibt aber auch durchaus zentrale Leitmotive, die zwischen zwei Filmen einfach verschwinden.

Dieses Schicksal ereilte das Imperiale Motiv. Heute wird das Imperium augenblicklich mit dem Imperialen Marsch verbunden, aber das war nicht immer so. In „Eine neue Hoffnung wurde das Imperium von einem anderen Leitmotiv repräsentiert, weniger einprägsam und martialisch als der bekanntere Marsch, aber durchaus, gemessen am häufigen Vorkommen, ein zentrales Thema von Episode IV. Zum ersten Mal ist es, verhältnismäßig zurückhaltend, in Imperial Attack bei 4:54 zu hören. Weitere Einsätze finden sich in Millenium Falcon/Imperial Cruiser Pursuit (1:34), The Death Star/The Stormtroopers (2:07) oder The Trash Compactor (0:47). Ähnlich verhält es sich mit der zweiten Repräsentation des Imperiums in „Eine neue Hoffnung“, der Todessternfanfare (Imperial Attack, 6:18; Burning Homstead, 1:48). Beide Leitmotive hätten in den Folgefilmen zurückkehren und auch weiterhin das Imperium respektive den Zweiten Todesstern repräsentieren können, der Imperiale Marsch erwies sich aber letztendlich als weitaus einprägsameres und erfolgreicheres Thema. Ein anderer Komponist hat allerdings beide Motive zurückgebracht. In seinem Score für „Rogue One: A Star Wars Story” beweist Michael Giacchino mehr als einmal seine intensive Kenntnis der Williams-Scores. In When Has Become Now ist zwei Mal die Todessternfanfare in Giacchinos eigenes Imperiales Thema eingewoben (bei 0:15 und 1:49) und in Krennic’s Aspirations erklingt das Imperiale Motiv Seite an Seite mit dem Imperialen Marsch (1:37 und 3:24).

Auch in den Prequels gibt es ein zentrales Thema, das nach einem Film praktisch völlig verschwindet. In „Die dunkle Bedrohung“ ist Anakins Thema neben Duel of the Fates das zentrale Musikstück des Scores, das seine eigene Konzertsuite erhält. Besagtes Thema ist, wie könnte es anders sein, aus dem Imperialen Marsch herauskomponiert und kehrt am Ende der Suite zu ihm zurück, wenn auch sehr subtil. Man hätte nun erwarten können, dass sich Anakins unschuldiges, kindliches Thema in Episode II zu einer heroischen Fanfare entwickelt, um dann in Episode III endgültig zu Vaders Thema zu werden, doch nichts dergleichen geschieht. Anakins Thema verschwindet zwar nicht vollständig, wird aber auf kleine Cameo-Auftritte reduziert, etwa im Abspann von „Angriff der Klonkrieger“ (Confrontation with Dooku/Finale, 9:36).

In den Sequels gibt es bislang nichts derart Signifikantes, aber zumindest ein Thema glänzt ebenfalls durch Abwesenheit. Besagtes Thema hielt ich zuerst für ein Leitmotiv für Finn, David W. Collins, quasi das Star-Wars-Gegenstück zu Doug Adams, identifzierte es allerdings als sekundäres Thema für den Millenium Falken bzw. als „Falken-Action-Thema“. Besagtes Thema ist eher rhythmischer denn melodischer Natur und taucht in The Falcon (ab 0:11) und The Rathtars (2:47). In Main Title and Escape, dem Eröffnungstrack des Episode-VIII-Scores, gibt es bei 4:21 eine kurze Andeutung dieses Themas (allerdings ohne, dass der Falke in der zugehörigen Szene auftauchen würde), ansonsten gehört es aber ebenfalls zu den Star-Wars-Themen, die zwischen den Filmen verloren gehen. Natürlich besteht in diesem Fall aber noch die Chance, dass Williams es in Episode IX wieder aufgreift.

Harry Potter

Die Harry-Potter-Filme sind ein musikalisches Flickenwerk, an dem vier verschiedene Komponisten mitarbeiteten (fünf, wenn man James Newton Howard und „Phantastische Tierwesen“ mit einrechnet). John Williams, Patrick Doyle, Nicholas Hooper und Alexandre Desplat haben alle sehr unterschiedliche Stile und es gibt tatsächlich nur eine Gemeinsamkeit, die sich durch jeden dieser Scores zieht: Hedwigs Thema, natürlich komponiert von John Williams. Aber selbst bei den Filmen, die vom selben Komponisten vertont wurden, bleiben zum Teil Themen auf der Strecke. Das markanteste Beispiel dürfte „Der Gefangene von Askaban“ sein. In „Der Stein der Weisen“ schuf Williams, ähnlich wie schon bei Star Wars, eine ganze Bibliothek an Themen für alle möglichen Handlungselemente: Freundschaft, Familie, Fliegen, Hogwarts, Voldemort, die Winkelgasse etc. In „Die Kammer des Schreckens“ griff er diese Themen wieder auf und erweiterte sein Repertoire um Leitmotive für Figuren und Handlungselemente, die in diesem Film dazukommen, etwa Gilderoy Lockhart, Fawkes und die titelgebende Kammer. Dann kommt der erste Regiewechsel, Alfonso Cuarón ersetzt Chris Columbus, behält aber, anders als seine Nachfolger, John Williams als Komponist. Dennoch unterscheidet sich der Askaban-Score radikal von den Vorgängern, sowohl stilistisch als auch leitmotivisch. Hedwigs Thema bleibt erhalten und das Flug-Thema erhält einen Gastauftritt ganz am Ende, als Harry den Feuerblitz testet, aber sonst werden alle anderen Themen ad acta gelegt. Bei den Leitmotiven für Figuren, die in diesem Film nicht auftauchen, ist das nicht weiter verwunderlich, aber es gibt auch gibt ein neues Familienthema (A Window to the Past) und ein neues Hogwarts-Thema (Double Trouble); beide wären rein formal nicht nötig gewesen. Hinzu kommen eine Reihe sekundärer Motive, etwa für die vermeintliche Bedrohung durch Sirius Black, für Seidenschnabel, Wurmschwanz, für die Dementoren und den Patronus (wobei es sich bei den letzten beiden weniger um tatsächliche Themen, sondern eher um Texturen handelt). Dieser Umstand stört mich einerseits, andererseits ist aber „Der Gefangene von Askaban“ meiner bescheidenen Meinung nach der stärkste Score der Reihe und die Themen, mit denen Williams seine alten ersetzt hat, finde ich schlicht gelungener, wir haben hier also eine ähnliche Situation wie beim Imperialen Marsch.

Bei Nicholas Hooper muss man tatsächlich nicht allzu sehr auf die Themen schauen, da er nicht wirklich leitmotivisch komponiert, sondern sich stärker auf die Einzelszenen konzentriert. Bei Alexandre Desplat sieht das wieder anders aus, da seine Scores weitaus motivischer strukturiert sind. „Die Heiligtümer des Todes Teil 1“ verfügt über zwei primäre Themen, eines für das Trio und sein Erwachsenwerden (Obliviate) und eines für Voldemort und die Todesser (Snape to Malfoy Manor). Hinzu kommen diverse sekundäre Themen, etwa für die Horkruxe oder Harrys Verbündete (Desplat spricht vom „Band-of-Brothers-Thema“). Besagte sekundäre Themen werden in „Die Heiligtümer des Todes Teil 2“ auch aufgegriffen und weiterentwickelt, seltsamerweise aber nicht die beiden primären, die auf jeweils einen kleinen Gastauftritt reduziert werden. Das Voldemort/Todesser-Thema erklingt in merkwürdigem Kontext (weder Voldemort noch die Todesser sind anwesend) in The Tunnel (0:39) und das Trio-Thema ist als Fragment in Harry’s Sacrifice (1:11) zu vernehmen, dieser Einsatz wurde aber im fertigen Film nicht verwendet.

Mittelerde

Derart eklatante Fälle von thematischer Ersetzung finden sich zumindest in der Herr-der-Ringe-Trilogie nicht. Man könnte argumentieren, dass Aníron zumindest erwähnt werden sollte: Es handelt sich dabei um ein von Enya komponiertes und gesungenes Lied mit elbischem Text, das quasi als Liebesthema für Aragorn und Arwen fungiert. Oberflächlich unterscheidet es sich kaum vom „normalem“ Score, da es in diesen nahtlos eingebettet ist und zu allem Überfluss auch noch von Shore orchestriert wurde. In den beiden Folgefilmen taucht Aníron nicht mehr auf, stattdessen verwendet Shore ein anderes, wenn auch ähnlich geartetes Thema für das Paar. Da Aníron aber ohnehin nicht wirklich als Leitmotiv fungiert, fällt das kaum ins Gewicht. Darüber hinaus gibt es noch das Thema der Ringgeister, dass in „Die Gefährten“ noch recht dominant ist, in den beiden Folgefilmen aber nur jeweils einmal auftaucht und in „Die Rückkehr des Königs“ zu allem Überfluss auch noch stark verfremdet ist.

Anders verhält es sich mit der Hobbit-Trilogie. Hier gibt es eine ganze Reihe an leitmotivischen Merkwürdigkeiten und Außeneinflüssen, über die dich schon mehrfach geschrieben habe. Das Fehlen des Misty-Mountains-Themas im zweiten und dritten Hobbit-Film wurmt mich bis heute. Besagtes Thema wurde bekanntermaßen nicht von Shore selbst, sondern von der Band Plan 9 komponiert, die für jegliche diegetische Musik in den Mittelerde-Filmen verantwortlich ist. Shore adaptierte die Melodie jedoch für den Score und setzte sie ähnlich ein wie das Gefährten-Thema in der HdR-Trilogie. In „Smaugs Einöde“ und „Die Schlacht der fünf Heere“ ist es dagegen spurlos aus dem Score verschwunden. Es wird spekuliert, dass hier ein ähnlicher Fall vorliegt wie bei Aníron – angeblich wollte Shore das Thema nicht weiter verwenden, weil es nicht von ihm selbst stammt.

Doug Adams hat versucht, das Fehlen des Themas inhaltlich zu erklären; er argumentiert, dass dieses Thema, bezogen auf seinen Namen, für Thorin und Kompanie nur gilt, bis sie die Nebelberge überquert haben. Das ist in meinen Augen allerdings ziemlicher Unsinn, da es in besagtem Lied ja nicht um die Nebelberge geht, sie werden nur im ersten Vers erwähnt. Zudem taucht das Lied im Roman noch öfter auf, die Zwerge singen es noch einmal bei Beorn und ein drittes Mal kurz vor der Schlacht der fünf Heere – es hätte also theoretisch in jedem der drei Filme einen weiteren diegetischen Einsatz geben können, und ebenso hätte es als Leitmotiv weiter bestand haben können. Als Ersatz fungiert das House-of-Durin-Thema, das zum Beispiel in den Tracks My Armor Is Iron (0:53), Mithril (2:29) und Sons of Durin (direkt am Anfang) prominent auftaucht. Man verstehe mich nicht falsch, House of Durin ist ein gelungenes Thema – aber doch schwächer und weniger einprägsam als Misty Mountains.

Darüber hinaus wurden noch weitere Themen, die Shore für „Eine unerwartete Reise“ komponierte, in den anderen beiden Filmen fallen gelassen. Für die Titelfigur schrieb Shore ursprünglich drei Themen, das Beutlin/Tuk-Thema, das Abenteuer Thema und „Bilbo’s Fussy Themes“ (Bezeichnung von Doug Adams; alle drei Themen tauchen in A Very Respectable Hobbit auf). Schon in „Eine unerwartete Reise“  ersetze Jackson allerdings mehr als einmal die Bilbo-spezifischen Leitmotive durch das bereits aus den Vorgängern bekannte Auenland-Thema, und auf diese Weise wurde in den beiden Folgefilmen auch fortgefahren. Das Beutlin/Tuk-Thema taucht überhaupt nicht mehr auf und die anderen beiden Themen bekommen lediglich ein oder zwei Gastauftritte pro Film. Ähnlich verhält es sich mit dem Thema für Radagast den Braunen, das auf dem Album zum ersten Hobbit-Film noch recht prominent vertreten ist (etwa in dem nach ihm benannten Track), im fertigen Film aber nur noch in Andeutungen auftaucht und im Rest der Trilogie durch Abwesenheit glänzt.

 

Captain Phasma

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Captain Phasma ist das Sinnbild eines verschenkten Charakters. Bereits im Vorfeld von Episode VII schien es, als wolle man den weiblichen Sturmtruppen-Captain zum Boba Fett der Sequel-Trilogie machen: Die coole, etwas mysteriöse Nebenfigur, die jedermanns heimlicher Favorit ist. Man wählte mit Gwendoline Christie sogar eine äußerst rennomierte Schauspielerin, besonders in Anbetracht der Tatsache, dass man Phasmas Gesicht (mit Ausnahme eines Auges) bis heute nicht gesehen hat. Leider wussten J.J. Abrams und Lawrence Kasdan mit Phasma nicht allzu viel anzufangen. Sicher, die Chrom-Rüstung sieht cool aus, aber davon abgesehen tut Phasma in „Das Erwachen der Macht“ so gut wie nichts. Ihr einziger signifikanter Beitrag zur Handlung ist der Umstand, dass sie Han und Finn unter minimaler Bedrohung verrät, wie man die Schilde der Starkiller-Basis deaktiviert, nur um anschließend in der Müllpresse zu landen. In Episode VIII kann man in Bezug auf Phasma im Grunde nur noch von einem kurzen Gastauftritt reden, der wohl vor allem deshalb zustande gekommen ist, weil die Figur halt „noch da war“. Das ist besonders insofern schade, weil im Vorfeld von „Die letzten Jedi“ im Marketing angedeutet wurde, man hätte nun eine bessere Idee, was mit der Figur anzufangen sei. Sie erhielt einen Roman von Delilah S. Dawson, der Phasmas Vorgeschichte erzählt (und den ich bis heute nicht gelesen habe) und eine Comic-Miniserie, getextet von Kelly Thompson und gezeichnet Marco Chechetto, um die es in diesem Artikel geht.

Phasmas Charakterisierung kennt im Grunde nur zwei Extreme: In Episode VII wird sie als fanatische Anhängerin der Ersten Ordnung vorgestellt, was die von Pablo Hidalgo verfasste illustrierte Enzyklopädie noch unterstreicht. Doch das passt nicht wirklich zu Phasmas Vorgehensweise am Ende des Films. Aus diesem Grund wird sie in der Miniserie (und, so weit ich weiß, auch im Roman) primär als Überlebenskünstlerin dargestellt. Thompson und Chechetto knüpfen direkt an „Das Erwachen der Macht“ an: Phasma entkommt aus dem Müllschacht und schafft es auch, die Starkiller-Basis rechtzeitig zu verlassen. Sie kehrt allerdings nicht sofort zur Ersten Ordnung zurück, sondern jagt zusammen mit einer Tie-Pilotin und einer BB-Einheit Sol Rivas, einen Offizier der Ersten Ordnung, der als einziger von Phasmas Verrat weiß. Dabei landet das Trio auf Luprora, wo es sich mit Monstern, einheimischen Konflikten und schlechtem Wetter herumschlagen muss.

Kelly Thompson legt den Fokus des Comics sehr stark auf Phasmas Eigenschaften als Überlebenskünstlerin, die ruchlos und ohne Gnade gegen alles und jeden vorgeht, der sich ihr in den Weg stellt. Dabei versucht sie Phasma das Bad-ass-Image zurückzugeben, das im Vorfeld zu Episode VII aufgebaut, durch ihre Handlung im Film aber wieder zunichte gemacht wurde. Gleichzeitig soll die Figur dabei nicht entmystifiziert werden – wie in den Filmen ist Phasmas Gesicht nie zu sehen. Als erzählerischer Rahmen dienen Phasmas Aufzeichnungen für die Erste Ordnung, die natürlich alles andere als authentisch sind.

Wie für Medien aus der Sequel-Zeit üblich (mit Ausnahme von Claudia Grays grandiosem „Bloodline“, versteht sich) bleibt auch in diesem Comic das World-Building sehr begrenzt. Nicht, dass ich erwartet hätte, dass gerade diese Miniserie Kontexte liefert, aber es ist dennoch erwähnenswert, dass „Captain Phasma“ abermals eine erzählerisch fast völlig isolierte Angelegenheit ist, die sich ausschließlich auf ihre Prämisse konzentriert, ohne irgendwelche weiteren Kontexte zu liefern. Gerade Comics dieser Prägung wären eigentlich ganz gut dazu geeignet, die Erste Ordnung und den Status Quo ein wenig auszubauen, aber das wird wohl nach wie vor vermieden.

Insgesamt ist „Captain Phasma“ eine durchaus kurzweilige und vor allem graphisch aufwendige Angelegenheit. Marco Chechetto übernahm bereits bei einigen Kanon-Comics, etwa „Shattered Empire“, die graphische Gestaltung. Ich muss zugeben, dass sein Stil zwar durchaus opulent, mir persönlich aber auch ein wenig zu „glatt“ ist und zu sehr nach Computergrafik aussieht.

Fazit: „Captain Phasma“ ist eine insgesamt kurzweilige, visuell ansprechende, aber letztendlich ziemlich vergessenswerte Miniserie. Wer sich wirklich für die Figur interessiert kann zugreifen, alle anderen verpassen kaum etwas.

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Solo: A Star Wars Story – Soundtrack

Spoiler!
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Track Listing:

01. The Adventures of Han
02. Meet Han
03. Corellia Chase
04. Spaceport
05. Flying with Chewie
06. Train Heist
07. Marauders Arrive
08. Chicken in the Pot
09. Is This Seat Taken?
10. L3 & Millennium Falcon
11. Lando’s Closet
12. Mine Mission
13. Break Out
14. The Good Guy
15. Reminiscence Therapy
16. Into the Maw
17. Savareen Stand-Off
18. Good Thing You Were Listening
19. Testing Allegiance
20. Dice & Roll

Star-Wars- und Soundtrack-Fan fragten sich lange, wer wohl die Musik für „Solo: A Star Wars Story“ schreiben würde. Als Chris Miller und Phil Lord noch als Regisseure verpflichtet waren, kam natürlich zuerst Mark Mothersbaugh in den Sinn – mit diesem hatten die beiden bereits an „21 Jump Street“, dessen Sequel sowie an „The Lego Movie“ gearbeitete. Michael Giacchinos Name wurde ebenfalls häufig in den Mund genommen, schließlich hatte er mit „Rogue One“ bereits bewiesen, dass er auch unter kritischen Umständen in der Lage ist, einen Star-Wars-Score zu stemmen. Dann begannen die ganzen Konflikte hinter den Kulissen, die dazu führten, dass Miller und Lord das Projekt verließen, während Ron Howard übernahm. Und schließlich wurde bekannt, dass John Powell die Musik beisteuern würde, was viele Filmmusik-Fans sehr glücklich machte, immerhin stand er bei vielen auf der Wunschliste ziemlich weit oben. Tatsächlich scheinen sich Miller und Lord bereits für Powell entschieden zu haben, und Howard übernahm ihn einfach – definitiv die richtige Entscheidung.

So tritt nun ein weiteres Mal ein Komponist in die Fußstapfen des großen John Williams und führt ein Franchise unter Verwendung der Themen des Maestro fort. Dieses Mal steuerte Williams sogar selbst noch ein neues Thema bei. Interessanterweise bekam Han Solo als einziges Mitglied des zentralen Trios der OT nie ein eigenes Leitmotiv. Gewissermaßen teilt er sich eines mit Leia, das in „Das Imperium schlägt zurück“ etablierte Liebesthema, gerne auch als Han Solo and the Princess bezeichnet, aber bei diesem handelt es sich um eine eindeutige Weiterentwicklung von Leias Thema – das neue Hauptthema dieses Films gilt Han allein. Es ist tatsächlich nicht das erste Mal, das dieses Vorgehen gewählt wird. Bereits für „Superman IV: A Quest for Peace“ steuerte Williams neues leitmotivisches Material bei, und ein anderer Komponist, in diesem Fall Alexander Courage, bekannt für das ursprüngliche Star-Trek-Thema, übernahm die Ausarbeitung.

Besagtes neues Solo-Thema wird in Form einer Konzertsuite mit dem Titel The Adventures of Han vorgestellt und eröffnet das Album. Wer nun hoffte, Williams werde mit diesem Leitmotiv für den Prä-OT-Han zum Kompositionsstil der OT zurückkehren, wird wahrscheinlich erst einmal enttäuscht werden. The Adventures of Han trägt eindeutig die Handschrift des „modernen Williams“ und wäre auch in der Sequel-Trilogie nicht fehl am Platz. Tatsächlich erinnert das Thema an Poe Damerons Leitmotiv und hat auch die eine oder andere Gemeinsamkeit mit dem Marsch des Widerstands. Im Gesamtwerk des Maestro steht es sicher nicht Seite an Seite mit den Themen der klassischen Trilogie, dem Superman-Marsch oder den beiden Jurassic-Park-Identitäten – tatsächlich braucht es eine Weile, bis es wirklich ins Ohr geht – aber es ist eine gute und funktionale Identität, die sich vor allem als äußerst form- und gut adaptierbar erweist. Wie so viele Williams-Themen besteht es aus zwei Phrasen, einer eher heroischen Fanfare und einem recht frenetischen sekundären Motiv, das vor allem in den Action-Tracks zum Einsatz kommt.

Es stellt sich nun natürlich die Frage, ob das alles wirklich nötig war. Die ehrliche Antwort lautet: nein. Williams‘ Thema ist in diesem Score kein Störfaktor, im Gegenteil, aber Powell hat bereits ausgiebig bewiesen, dass er ohne Probleme in der Lage gewesen wäre, für „Solo“ ein Thema zu komponieren, dass dem von Williams geschriebenen mindestens ebenbürtig wäre. Nun denn, es ist wie es ist. Stilistisch entfernt sich Powell durchaus etwas weiter vom Maestro, als Giacchino das in „Rogue One“ getan hat. Aus Respekt, vielleicht auch aus Zeitdruck, bleibt „Rogue One“ stets sehr nah am von Williams Etablierten, was auch durchaus legitim ist, schließlich spielt dieser Film direkt in den „Sphären“ der OT, um dann direkt in Episode IV überzuleiten. Die meisten Themen, die Giacchino für „Rogue One“ schrieb, sind aus Williams-Material „herauskomponiert“. „Solo“ dagegen ist weiter entfernt, wir lernen eine Welt der Gangster und Kriminellen kennen, von der es in den bisherigen Filmen bestenfalls kleine Kostproben zu sehen gab. Bereits bei der Musik, die Powell für „X-Men: The Last Stand“ komponierte, zeigte er, dass er in der Lage ist, Williams’sche Stilmittel zu adaptieren, als er den Rhythmus bzw. die Begleitung des Superman-Marsches zur Grundlage seines X-Men-Themas machte. Ganz ähnlich geht er auch hier vor: „Solo“ ist in erster Linie ein Powell- und kein Williams-Pastiche-Score: Frenetisch, komplex orchestriert und versehen mit Powells Markenzeichen, vor allem im Percussion-Bereich. Es gibt diverse Passagen, die sehr un-Williams-haft klingen, aber immer wieder schleichen sich, auch abseits direkter Zitate, bekannte Stilmittel ein, die den geneigten Zuhörer daran erinnern, dass es sich hierbei um einen Star-Wars-Score handelt.

Beide Phrasen des Solo-Themas verwendet Powell großzügig im ganzen Score – dabei zeigt sich, wie gut Williams darin ist, ein formbares Thema zu komponieren und Powell seinerseits, es zu adaptieren und sich zu Eigen zu machen. Natürlich entwickelt sich das Thema zusammen mit dem Protagonisten. In Meet Han erklingt erklingt es eher düster und spiegelt Hans Situation zu Beginn des Films wider. Ab 0:48 ist eine äußerst gehetzte Version der B-Phrase zu hören, schließlich befindet sich Han im ersten Drittel des Films fast konstant auf der Flucht. In Corellia Chase ist es in Powells komplexe, mitreißende Actionmusik eingearbeitet. In den folgenden Tracks tritt Hans Thema zugunsten anderer Leitmotive ein wenig in den Hintergrund, um dann in einer sehr interessanten, leicht arabisch angehauchten Variation in Is This Seat Taken? wieder aufzutauchen – hier spielt Han zum ersten Mal mit Lando Sabacc. Mehrere wuchtige Variationen sind in Mine Mission zu hören, einem weiteren fantastischen Action-Stück mit interessantem durchlaufendem Marsch-Rhythmus. Ähnliche Einsätze finden sich auch in den folgenden Action-Tracks, die weiter unten noch ausführlicher besprochen werden. Besonders hervoruheben ist Dice & Roll, das Abschlussstück des Albums, das den Stil von Is This Seat Taken? aufgreift und zu einem furiosen Statement des Han-Themas überleitet.

Natürlich hat Powells Score noch weitaus mehr zu bieten als nur die gelungene Verarbeitung des Williams-Themas. Powell steuert noch eine ganze Reihe eigener Themen bei, die nicht vernachlässigt werden sollten. Ähnlich wie Han hatte auch Chewie bisher noch kein eigenes Thema, was Powell nun höchstpersönlich korrigiert. Das Leitmotiv des Wookiees ist natürlich nicht ganz so häufig zu hören wie das seine schmuggelnden Freundes; die prägnantesten Einsätze finden sich bei 0:44 Break Out und bei 2:55 in Reminiscence Therapy.

Mit dem Liebesthema von Han und Qi’ra knüpft Powell stilistisch wunderbar an Han und Leias Thema und Across the Stars an und liefert ein weiteres, herrlich altmodisches Pärchen-Motiv, das ganz ähnlich wie das von Anakin und Padmé von einer unleugbaren Tragik geprägt ist. Die ausführlichste und positivste Variation findet sich in Lando’s Closet, während andere Einsätze vor allem die Tragik betonen, etwa am Ende von Spaceport oder in The Good Guy. Darüber hinaus existieren auch Themen für L3 und Tobias Beckett, mein heimlicher Favorit unter allen neuen Themen ist allerdings das für Enfys Nest und ihre Plünderer. Ironischerweise gehört dieses Thema, besonders ausführlich zu hören in Marauders Arrive, zu den Teilen des Scores, die am wenigsten nach Williams klingen. Stattdessen erinnert es eher an die Chorpassagen aus James-Horner-Scores wie „Troja“ oder „Avatar“, was im Film aber exzellent funktioniert, perfekt zur Figur und ihrer Truppe passt und ihnen eine unglaubliche Präsenz verleiht. Im Verlauf des Scores macht Powell noch einige interessante Dinge mit diesem Thema, besonders als klar wird, dass es sich bei Enfy nicht um eine Schurkin, sondern eher eine Proto-Rebellin handelt – darum verliert es in der zweiten Hälfte von Savareen Standoff deutlich an Aggressivität und wird mit Andeutungen der Rebellenfanfare angereichert. Nachdem Han und Enfys beginnen zusammenzuarbeiten, tun das auch ihre musikalischen Identitäten – in Testing Allegiance erklingt ab 1:47 Hans Thema, gespielt von den Blechbläsern, während Rhythmus und Percussions von Enfy Thema als Begleitung fungieren.

Neben Hans Thema haben auch andere Williams-Themen ihren Platz in diesem Score. Powell verwendet sich sparsam, aber wirkungsvoll. Vor allem die Rebellenfanfare und der Main Title sind prominent vertreten – Powell knüpft dabei primär an die Verwendung dieser Themen in der Sequel-Trilogie an. Der Main Title fungiert schon lange nicht mehr als Lukes Thema (was in diesem Film ohnehin nicht möglich wäre, schließlich taucht Luke nicht auf), sondern als das Star-Wars-Thema – einige essentielle „Star-Wars-Momente“ werden von diesem Thema untermalt. Besonders prägnant ist die Verwendung in L3 & Millenium Falcon – als Han den Falken zum ersten Mal erblickt, erklingt bei 1:40 eine besonderes feierliche Variante, die bezüglich ihrer Wirkung an eine gewisse Szene aus „Star Trek: The Motion Picture“ erinnert – das Verhältnis zwischen Han und dem Falken ist ähnlich wie das zwischen Kirk und seiner Enterprise. Und wo wir gerade vom Falken sprechen – die Rebellenfanfare fungiert, ebenfalls wie in den Sequels, primär als Thema für dieses Schiff. Ohnehin war die Rebellenfanfare nie wirklich eng an die Rebellenallianz geknüpft, bereits in Episode IV repräsentierte sie nicht nur die Fraktion, sondern vor allem die Geisteshaltung dieser Fraktion, sodass „heroisch-rebellische Akte“ bereits von der Fanfare untermalt wurden, lange bevor Han und Luke technisch zur Allianz gehören.

Das „starwarsigste“ Stück des Soundtracks ist zweifellos das passend betitelte Reminiscence Therapy; in diesem Track zitiert Powell nicht nur die beiden bereits erwähnten Themen (bei 3:15 ist zum Beispiel eine äußerst flotte Variation des Main Title zu hören), sondern auch diverse andere Tracks aus der OT. Der Track wird von einem kurzen Statement des Todesstern-Motivs eröffnet (ein wenig fragwürdig – aber auch hier gilt, Williams selbst hat dieses Motiv bereits ein oder zwei Mal verwendet, ohne dass der Todesstern zu sehen war). Darüber hinaus zitiert Powell großzügig aus den Tracks Tie Fighter Attack (gerne auch als Here They Come bezeichnet) aus Episode IV und The Asteroid Field aus Episode V, beides Stücke, die eng mit Falken-Action verknüpft sind. Dabei belässt Powell es aber nicht bei purer Übernahme, sondern variiert und verändert, passt die Percussions seinem Stil an und mischt die Solo-spezifischen Themen mit ein. Into the Maw knüpft stilistisch an die furiose Action des Vorgänger-Tracks an, legt aber einen größeren Fokus auf Powells eigenes Material und Hans Thema, jedenfalls bis bei 3:48 die wohl furioseste Version des Main Title in diesem Soundtrack erklingt, inklusive eingebundener Rebellenfanfare.

Alles in allem ist Powells Score ein brillantes Werk, einem der wichtigsten und besten Filmmusikfranchises mehr als würdig, ein wenig Kritik muss aber dennoch sein – diese gilt vor allem einigen fehlenden Elementen. Ich persönlich hätte es nett gefunden, wenn Powell für Lando den Cloud-City-Marsch aus Episode V bemüht hätte – Kevin Kiner bediente sich dieses Themas für Lando in „Star Wars Rebels“, was für mich ziemlich gut funktioniert hat. Die restlichen „Fehlerscheinungen“ beziehen sich weniger auf den Score selbst als auf die Albenpräsentation, denn zwei zwar kurze, aber doch sehr wichtige Statements klassischer Star-Wars-Themen fehlen auf dem kommerziell zu erwerbenden Produkt. Da wäre zum Einen der Imperiale Marsch, der als diegetisches Stück in einem imperialen Propaganda-Video auftaucht. Die Idee ist nicht neu, bereits in „Rebels“ fungierte eine fröhliche Dur-Version des Imperialen Marsches (das Stück trägt den Titel Glory of the Empire) als textlose Hymne des Imperiums – tatsächlich könnte es sich dabei wirklich um eine Einspielung von Glory of the Empire handeln; im Film ist das recht schwer auszumachen. An dieser Stelle findet ein Schnitt statt und nach der beschönigenden Propaganda erleben wir Han als imperialen Soldaten im Gemetzel, was von einer traditionelleren, aggressiveren Version des Marsches untermalt wird und einen wirklich schönen Kontrast schafft.

Noch ärgerlicher macht mich allerdings das Fehlen von Duel of the Fates – dieses Untermalt Mauls Gastauftritt am Ende. Es scheint langsam zum Trend zu werden, dass bei den Soundtrack-Veröffentlichungen der Disney-Star-Wars-Filme die Themen der Dunklen Seite ein wenig stiefmütterlich behandelt werden. Erst der Imperiale Marsch beim Episode-VII-Album, dann das Thema des Imperators bei Episode VIII und nun schon wieder der Imperiale Marsch und Duel of the Fates bei „Solo“. Genau genommen ist Duel of the Fates eigentlich nicht Mauls Thema, sondern das Thema des finalen Konflikts bzw. Duells von Episode I, das wegen seiner Popularität in Episode II und III auf etwas fragwürdige Art und Weise weiterverwendet wurde. Aber viele Star-Wars-Fans assoziieren dieses Thema tatsächlich mit Maul und da die meisten seiner Auftritte in Episode I ohnehin vom geflüsterten Text von Duel oft he Fates begleitet wurden, kann man das schon akzeptieren. Außerdem ist es das erste Mal, dass ein Prequel-spezifisches Thema in einem Disney-Star-Wars-Film direkt zitiert wird – das gehört schon aufs Album.

Fazit: John Powell beweist ein weiteres Mal, dass er einer der besten Komponisten seiner Generation ist und liefert nicht nur einen grandiosen Star-Wars-Score, sondern auch den bislang besten Soundtrack des Jahres ab.

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Siehe auch:
Solo: A Star Wars Story – Ausführliche Rezension

Solo: A Star Wars Story – Ausführliche Rezension

Spoiler!
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Und wieder mal einer dieser Filme, bei dem die Produktion fast spannender ist als das, was man auf der Leinwand sieht. „Solo: A Star Wars Story“ schafft es, „Rogue One“ bezüglich problematischer Postproduktion spielend zu übertrumpfen. Ursprünglich sollten Phil Lord und Chris Miller, ihres Zeichens Regisseure von „The Lego Movie“, das Drehbuch von Lawrence Kasdan und seinem Sohn John umsetzen, doch es kam zu kreativen Differenzen, weshalb Kathleen Kennedy die beiden Regisseure feuerte und stattdessen Ron Howard („A Beautiful Mind“, „The Da Vinci Code“) anheuerte, um große Teile des Films neu zu drehen. Howard ist ein Regisseur, der als äußerst kompetent gilt, dem es aber gemeinhin an „Inspiration“ fehlt – er gilt als Handwerker. Ich persönlich hatte ziemlich niedrige Erwartungen an „Solo“, einerseits wegen des ganzen Dramas, andererseits aber auch, weil Han Solo nie eine Figur war, für die mein Herz besonders schlägt. Nicht, dass er mich irgendwie gestört hätte, ich hatte aber auch nie das Bedürfnis, mich in größerem Ausmaß mit ihm auseinanderzusetzen. Ich habe auch nie die alten Han-Solo-Romane von Brian Daley oder A.C. Crispin gelesen. Dementsprechend war nicht nur meine Erwartungshaltung recht gering, sondern auch mein Interesse. Umso erstaunlicher ist letztendlich, wie gut mir „Solo: A Star Wars Story“ gefallen hat – ich habe den Film tatsächlich als weitaus angenehmer und weniger frustrierend wahrgenommen als „Die letzten Jedi“. Das soll nicht bedeuten, dass Disneys zweites Spin-off frei von Problemen wäre, im Gegenteil. Dennoch hat es meine (geringen) Erwartungen übertroffen.

Handlung und Ton
Der jung Han (Alden Ehrenreich) möchte mit seiner Freundin Qi’ra (Emilia Clarke) dem kriminellen Bandentum seiner Heimatwelt entkommen, was durch einen besonderen Coup auch beinahe gelingt. Während Han noch durch die imperialen Kontrollen kommt, wird Qi’ra aufgegriffen. Han schwört, eines Tages nach Corellia zurückzukehren und sie zu befreien; vorerst schließt er sich aber dem Imperium an, um Pilot zu werden. Wegen seines unkooperativen Wesens landet aber allerdings bei den Bodentruppen und muss auf Mimban in den Schützengräben ausharren. Dort trifft er auf den Dieb Tobias Beckett (Woody Harrelson) und seine Gefährtin Val (Thandie Newton), die sich als Imperiale ausgeben und versucht, sich ihnen anzuschließen, was ihm auch gelingt, nachdem er den Wookiee Chewbacca (Joonas Suotamo) befreit hat.

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Han (Alden Ehrenreich) und Chewie (Joonas Suotamo)

Ihr erstes gemeinsames Vorhaben bringt die neue Gang nach Vandor-1, wo sie Coaxium aus einem Zug stehlen wollen. Doch die mysteriöse Enfys Nest (Erin Kellyman) und ihre Plünderer haben es auf das selbe Ziel abgesehen. Letztendlich misslingt der Überfall und kostet Val das Leben. Derweil müssen sich Han, Chewie und Beckett vor dem Gangsterboss Dryden Vos (Paul Bettany), Becketts Auftraggeber, rechtfertigen. Überraschenderweise trifft Han bei Vos seine alte Jugendliebe Qi’ra wieder, die nun für den Anführer des Verbrechersyndikats Crimson Dawn arbeitet. Schnell wird ein Ersatzplan festgelegt: Um doch noch an Coaxium kommen zu können, muss es von Kessel gestohlen werden. Doch dazu ist ein besonderes Schiff nötig: Der Millenium Falke. Dieser befindet sich im Besitz des Schmugglers Lando Calrissian (Donald Glover), der überzeugt werden kann, an der Aktion teilzunehmen. Qi’ra, Han, Lando, Chewie und Beckett begeben sich also nach Kessel, nicht wissend, welche Gefahren noch auf sie lauern…

Im Grunde grenzt es schon an ein Wunder, wie kohärent „Solo: A Star Wars Story“ bei dem ganzen Drama hinter den Kulissen letztendlich ausgefallen ist. Ob bzw. wie viele Überreste es von Lords und Millers Version im fertigen Film gibt, lässt sich nur schwer sagen. Es gibt ein paar Szenen, die gerade bezüglich des Humors etwas geerdeter bzw. Star-Wars-untypisch wirken, etwa die Unterhaltung über Landos Capes – gerade dabei könnte es sich um Überbleibsel handeln. Nach den Beschreibungen scheinen Lord und Miller „Solo“ eher in die Richtung von „Guardians of the Galaxy“ gerückt zu haben. Um ehrlich zu sein kann ich die Entscheidung von Lucasfilm hier durchaus gut nachvollziehen. Tatsächlich funktionieren Gags wie die Cape-Szene, aber mehr als aktuell vorhanden sind hätten dem Film in meinen Augen eher geschadet. Ohnehin kann gerade bei Star Wars zu viel Meta-Humor und -Kommentar durchaus schädlich sein, wie Episode VIII bewiesen hat.

Allerdings muss auch gesagt werden, dass „Solo“ in dieser Hinsicht dann wieder zu sehr in die andere Richtung ausschlägt. Dem Film haftet, wohl auch durch die extrem umfassenden Nachdrehs, eine gewisse Beliebigkeit an, zu sehr reiht sich Set-Piece an Set-Piece. Für sich gesehen ist keines davon wirklich schlecht, aber gerade den frühen, etwa der Zugüberfall, mangelt es ein wenig an Spannung. Positiv hervorheben möchte ich allerdings das Duell zwischen Qi’ra und Dryden Vos am Ende, das als quasi-Lichtschwertduell eine ziemlich gute Figur macht.

Altes Trio
Drei bereits bekannte Figuren stehen zumindest theoretisch im Zentrum dieses Films: Han Solo, Lando Calrissian und Chewbacca. Alle drei werden dabei nicht mehr von ihren jeweiligen Darstellern aus der OT gespielt, sondern von drei weitaus jüngeren Schauspielern. Joonas Suotamo als Chewie doubelte bereits für Peter Mayhew in „Das Erwachen der Macht“ und übernahm die Rolle für „Die letzten Jedi“ vollständig, da ist es nur natürlich, dass er nun auch in „Solo“ diese Rolle spielt. Ohnehin dürfte Chewie für die meisten eher unproblematisch sein. Han und Lando sind da schon ein wenig kritischer.

Dem Lob, das Donald Glover als Billy Dee Williams‘ Nachfolger (bzw. Vorgänger, wenn man es chronologisch betrachtet) zugesprochen wird, kann ich mich definitiv und rückhaltlos anschließen; Glover ist einfach grandios in der Rolle und stiehlt jede Szene, in der er auftaucht.

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Lando (Donald Glover)

Alden Ehrenreich dagegen weiß nicht sofort zu überzeugen, zumindest mir fiel es immer wieder schwer, ihn auch tatsächlich als Han Solo zu sehen. Dabei spielt er keinesfalls schlecht, aber einerseits ist die Rolle so sehr mit Harrison Ford verwachsen und andererseits kann Ehrenreich bei weitem nicht so mühelos wie Glover in die Haut seiner bereits ausgiebig etablierten Figur schlüpfen. Man gewöhnt sich aber im Verlauf des Films an ihn und er funktioniert.

Gerade was diese drei Figuren angeht, geht „Solo: A Star Wars Story“ im Grunde fast keinerlei Risiken ein. Lando und Chewie werden genauso dargestellt, wie man das erwarten würde, sie sind im Grunde dieselben wie immer. Han bekommt eine Entwicklung spendiert. Vor allem zu Beginn ist er relativ blauäugig, um im Verlauf des Films dann von seinem Teilzeitmentor Beckett und seiner Freundin Qi’ra, die ihn beide auf ihre Weise verraten, zu lernen, dass er niemandem vertrauen sollte. „Solo“ fällt es nicht ganz leicht, zwischen dem egoistischen Han, den wir zu Beginn von „Eine neue Hoffnung“ kennen lernen, und dem späteren Helden zu vermitteln. Obwohl der Film eigentlich nur Ersteren darstellen sollte, kann er es nicht lassen, Letzteren bereits vorwegzunehmen.

Darüber hinaus ist der Titelheld mitunter jedoch fast schon zweitrangig, da er von diversen anderen Aspekten des Films überschattet wird. Rein formal ist Han natürlich der Protagonist, als Zuschauer folgen wir seinem Weg und es werden auch alle wichtigen Stationen abgearbeitet (und das auch zumeist in gelungenen und überzeugenden Szenen): Das erste Treffen mit Chewie, die Begegnung mit Lando, der Kessel-Run und schließlich das berühmte Sabacc-Spiel um den Millenium Falken. Und dennoch werde ich das Gefühl nicht los, hier nicht unbedingt Han Solos Story zu sehen, sondern eine Story, in die Han Solo eher zufällig hineingeraten ist und die wir letztendlich nur aus seiner Perspektive wahrnehmen.

Neue Figuren und Konzepte
Star Wars war schon immer ein wildes Genre-Gemisch: Märchen/Fantasy/Mythos trifft Science Fiction, versehen mit ein wenig Western hier, ein wenig Samuraigeschichte dort und das alles angereichert mit etwas Kriegsfilm und ein wenig fernöstlich anmutender Spiritualität. Schon das alte Erweiterte Universum kippte die Balance der Genremischung ganz gerne, und die Spin-offs setzen diese Tradition fort. Wo „Rogue One“ vornehmlich den Kriegsfilmaspekt aufgriff und ausbaute, wildert „Solo“ im Western- und Gangster-Milieu. Wie oben beschrieben sind die Figuren, die wir bereits kennen, im Grunde dieselben geblieben – selbst Han ist heroischer, als man erwarten würde, auch wenn er Hemmungen hat, sich einer Protorebellion anzuschließen. Die eigentlich interessanten Figuren sind alle anderen, die weitaus grauer und weniger eindeutig gut und böse daherkommen. Das Imperium spielt natürlich eine Rolle, bleibt dabei aber gesichtslos – es gibt keinen zentralen imperialen Antagonisten wie Tarkin oder Krennic (von jemandem wie Vader gar nicht erst zu sprechen). Stattdessen funktioniert das Imperium hier eher wie eine Naturgewalt, etwas das da ist, an dem man nichts ändern kann und mit dem man auf die eine oder andere Art eben umgeht.

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Qi’ra (Emilia Clarke)

Gerade die neuen Figuren sind in dieser Hinsicht recht bemerkenswert, denn eigentlich ist es ihre Geschichte, in die Han und Chewie mehr oder weniger hineingezogen werden. Die beiden Kasdans bedienen sich hier der Archetypen des Western- und Gangsterfilms. Vor allem die von Emilia Clarke dargestellte Qi’ra ist eine ziemlich offensichtliche Femme Fatale, die es in dieser Form zumindest in den Star-Wars-Filmen bisher noch nicht gab. Ich hatte ein wenig Zweifel am Casting, schließlich ist Emilia Clarke nicht unbedingt für ihre gewaltige darstellerische Bandbreite bekannt, aber ich fand, dass sie in dieser Rolle erstaunlich gut funktioniert. Allgemein hat Qi’ra es mit ihrer Art geschafft, mich für sie einzunehmen. Auch Dryden Vos ist trotz seiner knapp bemessenen Leinwandzeit eine interessante Figur. Als Gangsterboss von Crimson Dawn schafft er mit seiner jovialen Art einen schönen Kontrast zu Jabba, der bisher als primärer Repräsentant des Gangstertum im Star-Wars-Universum fungierte (auch wenn es im Legends-Bereich noch viele weitere, etwa den illustren Prinz Xizor, gibt).

Was in „Solo“ tatsächlich größtenteils fehlt, ist ein wirklicher, zentraler Antagonist. Das Imperium bleibt eine unpersönliche Macht. Sowohl Dryden Vos als auch die mysteriöse Enfys Nest und ihrer Plünderer kommen zwar in Frage, doch in beiden Fällen sind sie auch zeitweilige Verbündete der Helden. Tobias Becketts Verrat und Qi’ras „Alleingang“ am Ende passen da natürlich wunderbar ins Konzept. Ich fand diese gerade für Star Wars nicht traditionelle Handlungsführung äußerst erfrischend, da es dem Film dennoch gelingt, zumindest meine Aufmerksamkeit in ausreichendem Maße zu fesseln.

Episode vs. Star Wars Story
Star Wars unter Disney und Kathleen Kennedy ist ein interessantes Untersuchungsobjekt. Nach drei finanziell äußerst erfolgreichen Filmen bekommt die Fassade nun langsam Risse; erst erwies sich „Die letzten Jedi“ als höchst umstrittener (wenn auch nach wie vor an den Kinokassen erfolgreicher) Film, während nun „Solo“ gewissermaßen abgestraft wird. Ob es wirklich an der Rezeption von Episode VIII liegt, an dem Umstand, dass gerade einmal ein halbes Jahr seit dem letzten Star-Wars-Film vergangen ist, an einem generellen Desinteresse an den Jugendjahren dieser Figur oder an einer Mischung aus allem ist schwer zu sagen. Wie ich eingangs bereits erklärte, gefällt mir „Solo“ deutlich besser als „Die letzten Jedi“ – das lässt sich gleichermaßen auf die anderen beiden Disney-Star-Wars-Filme ausdehnen – insgesamt finde ich die beiden Spin-offs gelungener als die beiden Episoden. Dabei bin ich durchaus bereit zuzugeben, dass die beiden Episoden eventuell bessere Filme sind – aber nicht bessere Star-Wars-Geschichten (um den Untertitel mal direkt aufzugreifen). Die Sequels leiden unter diesem merkwürdigen Zwang, wie die OT sein zu wollen, die Geschichte aber gleichzeitig fortschreiben zu müssen. Nun haben wir die Erste Ordnung statt dem Imperium, den Widerstand statt der Rebellion, die Ritte von Ren statt den Lords der Sith und Snoke statt dem Imperator – für mich alles ein unbefriedigendes „nicht Halbes und nichts Ganzes“. Die Spin-offs leiden nicht darunter, sondern fügen sich handlungstechnisch ganz mühelos in die Ära zwischen Episode III und IV. Diesbezüglich haben sie es einfacher, da sie sich einerseits der bekannten Ära bedienen können – das Imperium ist einfach das Imperium und funktioniert als solches – aber andererseits in ihrer Handlungsführung freier sind, weil es andere Erwartungen gibt. Ich habe immer das Gefühl, die Episoden versuchen, Star-Wars-Filme zu sein, während die Spin-offs einfach Star-Wars-Filme sind.

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Dryden Vos (Paul Bettany)

Besonders ein Faktor spielt da eine wichtige Rolle: Das World Building. Wenn ich einen Star-Wars-Filme sehe, möchte die Welt, die er mir zeigt, erforschen wollen. Egal ob es die düsteren Hinterhöfe von Mos Eisley sind, die Paläste von Naboo oder die Klonfabrik von Kamino – die OT und die PT hatten hervorragendes World Building. Die Sequels lassen das bislang vermissen – die vorgestellten Welten wirken auf eine Art und Weise pragmatisch, die dem Film schadet. Ein Kameraschwenk durch die Galaxis-Oper in Episode III und ich möchte wissen, wer die Leute sind, die diese Oper besuchen. Es ist nicht so, als hätten die Sequels nicht versucht, etwas derartiges ebenfalls zu leisten, aber weil der Kontext zum Großen Ganzen fehlt oder alles extrem zweckgebunden ist, funktioniert es einfach nicht – siehe Canto Bight. Die beiden Spin-offs dagegen knüpfen eher an die PT an, was in diesem Kontext als Kompliment gemeint ist.

Das große Ganze
Mehr als jeder andere der bisherigen Disney-Star-Wars-Filme quillt dieser über vor Querverweisen und Anspielungen zu anderen Star-Wars-Medien, sowohl aus dem aktuellen Kanon als auch aus dem alten Erweiterten Universum. Entweder hatten die beiden Kasdans beim Schreiben des Drehbuchs Wookieepedia konstant offen, oder sie haben Storygroup-Mitglied und EU- sowie Kanon-Experten Pablo Hidalgo auf das Skript losgelassen. Oft sind es nur kleine Verweise oder Anspielungen, etwa die Erwähnung von Teräs Käsi, einer Kampfkunst aus den alten Legends-Werken oder das kurze Zeigen eines Sith-Holocrons in Dryden Vos‘ Kuriositätenkammer – das funktioniert natürlich auch gleichzeitig als Foreshadowing. Auch diverse Figuren werden mit dem „größeren Star Wars“ auf interessante Weise verknüpft. So wird Beckett etwa mehrmals zugute gehalten, dass er Aurra Sing getötet hat. Diese hat einen wirklich kurzen Miniauftritt in Episode I, um dann später in den Comics des Legends-Bereichs und auch in „The Clone Wars“ noch eine größere Rolle zu spielen. Es gibt eine ganze Reihe von Fans, denen eine derartige „Anbiederung“ nicht wirklich zusagt, aber ich muss sagen, ich habe das alles sehr genossen. Vor allem fühlen sich die Anspielungen hier nicht wie ein Selbstzweck an, sie helfen dabei, die Erzählte Welt von Solo lebendig zu machen – das ist eine Welt, in der die Geschichte des Films stattfindet, nicht eine Welt, die für die Geschichte dieses Films konstruiert ist.

Die Anspielung, die man absolut nicht verpassen kann und die mehr als einen „Casual Fan“ ziemlich verwirrt hat, ist natürlich Mauls Gastauftritt am Ende, mit dem man tatsächlich absolut nichts anfangen kann, wenn man nur die Filme gesehen hat. Aus diesem Grund noch einmal der Kurzverlauf: In der dritten Staffel der Animationsserie „The Clone Wars“ beschlossen die kreativen Köpfe bei Lucasfilm, Darth Maul von den Toten zurückzuholen – wie genau Maul das gelungen ist, ist bis heute nicht wirklich aufgeklärt. Jedenfalls kehrt Maul während der Klonkriege in die Galaxis zurück, bekommt neue, mechanische Beine und versucht, sein eigenes Ding zu drehen, nur um von Darth Sidious auf schmerzhafte Weise aufgehalten zu werden. Maul überlebt allerdings auch die Klonkriege, um in der Quasi-Fortsetzung „Star Wars Rebels“ noch eine Rolle zu spielen. Ich war nie der größte Fan von Mauls Rückkehr, aber eine Tatsache kann man nicht leugnen: Zu dem Zeitpunkt, an dem „Solo“ spielt, ist Maul da und kann verwendet werden. Tatsächlich finde ich es durchaus interessant, wie „Solo“ auf diese Weise eine stärkere Wechselwirkung zwischen Filmen und Animationsbereich herstellt – bisher war das eher eine einseitige Geschichte. Nebenbei bemerkt: Es ist tatsächlich Ray Park, der abermals Maul darstellt, während ihm Sam Witwer wie in „The Clone Wars“ und „Rebels“ die Stimme leiht.

Natürlich stellt sich nun die Frage: Wie geht es weiter? Es gibt den einen oder anderen Anhaltspunkt, dass Disney darauf spekuliert hat, Fortsetzungen zu „Solo“ zu drehen, was aber aufgrund des finanziellen Misserfolgs eher unwahrscheinlich ist. Da ist es fast schon ironisch, dass es im Grunde auch keine direkte Fortsetzung zu „Solo“ braucht: Fast alle wichtigen Elemente aus Hans Vergangenheit wurden bereits abgearbeitete, lediglich die Jabba-Geschichte wird hier nur angedeutet. Tatsächlich könnte ein weiterer Spin-off-Film die Handlungsstränge um Qi’ra und Maul relativ direkt aufnehmen und müsste Han Solo nicht einmal auftauchen lassen. Sowohl ein Boba-Fett- als auch ein Obi-Wan-Film wären dafür fast schon prädestiniert, wobei es bei Letzterem einige Probleme gibt, denn in „Rebels“ haben Obi-Wan und Maul ihre finale Zusammenkunft bereits absolviert, eine finale Zusammenkunft, die für Maul tödlich ausgeht. Aber selbst unter diesem Gesichtspunkt ließe ich etwas konstruieren. Man könnte sich ein Beispiel an „Der Zorn des Khan“ nehmen – Kirk und Khan begegnen sich nie von Angesicht zu Angesicht, aber die Feindschaft funktioniert trotzdem.

Fazit: „Solo: A Star Wars Story“ ist im Grunde ein Film, den niemand wirklich gewollt oder gebraucht hat. Umso überraschender ist, wie gut er mir letztendlich gefallen hat, vor allem, da er die Stärken von „Rogue One“ aufgreift. Wahrscheinlich wird „Solo“ lange vor allem als „der gefloppte Star-Wars-Film“ in Erinnerung bleiben, aber ich persönlich finde ihn als Star-Wars-Story weitaus befriedigender als die Sequels.

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