Doctor Strange in the Multiverse of Madness – Ausführliche Rezension

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Seit seinem Debüt in Scott Derricksons „Doctor Strange“ trat Marvels Sorcerer Supreme primär in Nebenrollen auf; während man Spider-Man zwischen 2017 und 2021 drei Filme gewährte, musste Stephen Strange auf seinen zweiten Solo-Auftritt ganze sechs Jahre warten. Zusätzlich wurde „Doctor Strange in the Multiverse of Madness“ von einer ganzen Reihe an Problemen geplagt. Natürlich hatte jeder Film der letzten zweieinhalb Jahre unter der Corona-Pandemie zu leiden, wie so häufig kam es allerdings auch hier zu „kreativen Differenzen“ zwischen Marvel bzw. Disney und Derrickson, der ursprünglich auch den zweiten Strange-Film inszenieren sollte, weshalb man kurzerhand Regie-Veteran Sam Raimi heranholte. „Doctor Strange in the Multiverse of Madness“ ist Raimis erster Kinofilm seit “Oz the Great and Powerful” (2013) und markiert natürlich seine Rückkehr zum Superheldenfilm im Allgemeinen und Marvel im Besonderen, nachdem er mit seiner Spider-Man-Trilogie (2002 bis 2007) einer der essentiellen Geburtshelfer des Superheldenfilms als Genre war. Ein zugegebenermaßen interessanter Wiedereinstiegspunkt, besonders da „Doctor Strange in the Multiverse of Madness“ unter einer Eigenheit des MCU mehr leidet als jedes andere Sequel dieses Franchise: Zwischen dem ersten und dem zweiten Film ist so viel passiert. Nicht immer, aber meistens gelingt es den Solo-Sequels eine halbwegs anständige Balance zwischen dem „großen Ganzen“ und den für den Solo-Helden spezifischen Handlungselementen zu halten, was Raimi und Drehbuchautor Michael Waldron hier aber sichtlich schwerfällt. In letzter Konsequenz ist dieser zweite Doctor-Strange-Film zwar überaus unterhaltsam und profitiert definitiv von Raimis Expertise, versucht aber mehr zu stemmen, als er tragen kann und leidet und einigen der üblichen MCU-Probleme.

Handlung
Die Hochzeit von Stephen Stranges (Benedict Cumberbatch) alter Flamme Christine Palmer (Rachel McAdams) – bei der er als Gast und nicht als Bräutigam zugegen ist – wird vom Angriff eines Tentakelmonsters unterbrochen, das es offensichtlich auf die junge America Chavez (Xochitl Gomez) abgesehen hat. Nachdem Strange und Wong (Benedict Wong) die Kreatur gemeinsam besiegt haben, stellen sie fest, dass America überhaupt nicht aus ihrem Universum stammt – tatsächlich besitzt sie die Fähigkeit, zwischen den verschiedenen Welten des Multiversums zu wechseln, kann diese aber nicht kontrollieren. Zudem scheinen interdimensionale Dämonen hinter ihr her zu sein. Um der Sache auf den Grund zu gehen, möchte sich Strange die Hilfe von Wanda Maximoff alias Scarlet Witch (Elizabeth Olsen) sichern, muss aber feststellen, dass diese hinter der ganzen Angelegenheit steckt. Unter dem Einfluss des Darkhold, eines schwarzmagischen Wälzers, und der Trauer über den Verlust ihrer durch Magie erschaffenen Zwillinge ist sie auf die Idee gekommen, in den Weiten des Multiversums nach Ersatz für die Verlorenen zu suchen – ohne Rücksicht auf Verluste. Zu diesem Zweck plant sie, sich Americas Kräfte anzueignen – was im Tod der mutliversalen Reisenden enden würde.

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Stephen Strange (Benedict Cumberbatch)

Wandas Angriff zwingt Strange und America, gemeinsam durch das Multiversum zu fliehen. Sie landen schließlich auf Erde 838 – die hiesige Variante von Strange ist bereits tot, statt seiner ist Karl Mordo (Chiwetel Ejiofor) nun Sorcerer Supreme. Mordo veranlasst, dass Strange gefangen und vor die Illuminati, den „Sicherheitsrat“ dieses Universums gebracht wird. Besagtes Gremium besteht zum Teil aus alten Bekannten in neuen Rollen, etwa Captain Marvel/Maria Rambeau (Lashana Lynch) und Captain Carter (Haley Atwell), aber auch aus Persönlichkeiten, mit denen zumindest Strange nicht vertraut ist, darunter Charles Xavier (Patrick Stewart), Black Bolt (Anson Mount) und Mister Fantastic (John Krasinski). Wanda kann sich über ihr hiesiges Gegenstück allerdings ebenfalls Zugang zu Erde 838 verschaffen, macht kurzen Prozess mit den Illuminati und setzt weiter alles daran, America und Strange, die nun Hilfe von 383-Christine-Palmer erhalten, endlich dingfest zu machen…

Raimi vs. MCU?
Eine der größten Schwächen des MCU ist die gewisse Gleichförmigkeit der Filme: Da Kevin Feige und Co. stets versuchen, ein relativ kohärentes Universum zu aufrechtzuerhalten, sind die Filmemacher oft recht eingeschränkt und zu Kompromissen zwischen ihrem individuellen Stil und dem „MCU-Stil“ gezwungen. Manch einem Regisseur gelang es ganz gut, seinen Stempel zu hinterlassen, sei es James Gunn in den beiden Guardians-Filmen oder Taika Waititi in „Thor: Ragnarok“. Sam Raimi ist ebenfalls ein Filmemacher mit einem sehr individuellen Stil, der sowohl in seinen frühen Horror-Filmen als auch in seiner Spider-Man-Trilogie immer offensichtlich ist. Und für einen MCU-Film ist „Doctor Strange in the Multiverse of Madness“ tatsächlich sehr von den Manierismen Raimis geprägt – sowohl inszenatorisch als auch inhaltlich. Im Zentrum der Handlung steht ein (zugegebenermaßen schon in „WandaVision“ etabliertes) finsteres Grimoire, das nicht von ungefähr an des Necronomicon ex Mortis erinnert, diverse dämonische Entitäten tauchen auf und Strange selbst verbringt das Finale im untoten Körper einer Variante seiner selbst, die dank diverser Geister über einige Zusatzarme verfügt – Ähnliches oder Gleichwertiges hat man auch schon in „Ash vs. Evil Dead“ gesehen. Und selbst gemessen an Raimis Spider-Man-Filmen durfte der Regisseur in seinem MCU-Debüt Schraube für Gewalt und Ekel ganz ordentlich anziehen und das PG-13-Rating ausreizen. Raimi-Fans, die mit dem MCU nicht allzu viel anfangen können, werden seinen Stil hingegen vermutlich als verwässert ansehen, denn auch Raimi musste sich mit den diversen Vorgaben des Studios herumärgern, was immer wieder deutlich wird. Erfreulicherweise gelingt es ihm dennoch, eine Form der Authentizität zumindest teilweise zu etablieren, die seine Spider-Man-Filme so einnehmend machten, die im MCU aber oftmals fehlt, da die Figuren sich genötigt fühlen, sofort einen ironischen selbstreferenziellen Kommentar abzugeben. Vor allem „Doctor Strange“ hatte das Bathos-Problem: Jeder ernstere oder emotionale Moment wurde sofort durch einen Gag entschärft und ironisiert, sodass automatisch eine gewisse Distanz entstand. Natürlich ist „Doctor Strange in the Multiverse of Madness“ weit davon entfernt, humorlos zu sein, dennoch hat man das Gefühl, dass die Protagonisten die Bedrohung deutlich ernster nehmen, als das im typischen MCU-Film der Fall ist. Um einen „echten Horrorfilm im MCU“, wie immer wieder vollmundig angekündigt wurde, handelt es sich zwar nicht, aber immerhin werden Horror-Elemente durchaus gelungen eingesetzt.

Strangers in a Strange Land
Doctor Strange im MCU bewegt sich konstant zwischen zwei Charakterisierungen: Wir haben zum einen den relativ zielgerichteten, auf seine Mission bedachten Strange, der vor allem in „Avengers: Infinity War“ und „Avengers: Endgame“ auftaucht, und zum anderen den waghalsigen Strange, der zum Teil idiotische Risiken eingeht – man denke nur an die Aktionen aus „Spider-Man: No Way Home“. Die beiden Solofilme versuchen jeweils (und nicht immer völlig gelungen) eine Balance zwischen diesen beiden Seiten von Stranges Persönlichkeit herzustellen. Ein zentrales Thema der Figur in all ihren filmischen Inkarnationen ist der Kontrollzwang: Strange versucht ständig, alles um sich herum zu kontrollieren, das beginnt bereits, als er noch als Arzt tätig ist; der Kontrollverlust über sein Leben, bedingt durch den Unfall, ist der Hauptantrieb der Figur im ersten Film. Auch in „Doctor Strange in the Multiverse of Madness“ ist der Kontrollzwang ein essentieller Faktor und, gepaart mit Stranges Arroganz, ein fatales Problem, wie sich an diversen Inkarnationen der Figur aus anderen Universen zeigt. „Unser“ Strange muss in letzter Konsequenz beweisen, dass er als einzige Variante in der Lage ist, vom Kontrollzwang abzulassen, was ihm am Ende auch gelingt, indem er America Chavez vertraut.

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America Chavez (Xochitl Gomez)

Die von der Newcomerin Xochitl Gomez dargestellte America Chavez hat gewissermaßen das entgegengesetzte Problem. Ich bin mit America Chavez in den Comics praktisch überhaupt nicht vertraut und kann deshalb auch nichts darüber sagen, ob sie vorlagengetreu umgesetzt ist oder nicht – Xochitl Gomez liefert jedenfalls eine durchaus beeindruckende Leistung ab, besonders in Anbetracht der Tatsache, dass ihr das Drehbuch nicht allzu viel mit auf den Weg gibt. Die obligatorische tragische Hintergrundgeschichte wird eher unsubtil abgehandelt, ansonsten lebt der Charakter in erster Linie vom Spiel der Darstellerin. America Chavez‘ primäres Problem ist, dass sie ihre Kräfte eben nicht kontrollieren kann und scheinbar auch nicht wirklich den Drang besitzt, es zu lernen. Stattdessen lässt sie sich einfach treiben. Gerade deshalb ergänzen sich Strange und America als Co-Protagonisten recht gut, da sich beide im Grunde vom jeweils anderen eine Scheibe abschneiden müssen, um erfolgreich zu sein. Thematisch und konzeptionell sind diesbezüglich gute Grundlagen gelegt, das Problem ist, dass es Raimi und Co. nicht unbedingt gelingt, diese auszuschöpfen, weil der Film mit so vielen anderen Dingen überfrachtet ist.

Gerade bezüglich der in „Doctor Strange“ begonnen Handlungsstränge zeigt sich dieses Manko noch stärker – das Sequel setzt sie zwar fort, meistens aber auf merkwürdige Weise. Christine etwa taucht zu Beginn auf, wo Strange ihrer Hochzeit beiwohnt, der zentrale romantische Subplot findet aber zwischen Strange und der Christine von Erde 838 statt. Ähnlich verhält es sich mit Mordo, der in der Post-Credits-Szene von „Doctor Strange“ als zukünftiger Schurke etabliert wird. Auch hier setzt sich Strange im Sequel allerdings mit dem Mordo von Erde 838 auseinander und wir erfahren im Dialog, dass Erde-616-Mordo irgendwann off-screen die Schurkenlaufbahn eingeschlagen hat und wahrscheinlich bereits besiegt wurde. Mehr und mehr wird so der Eindruck erweckt, dass noch mindestens ein weiterer Doctor-Strange-Film irgendwo auf der Strecke geblieben ist, weil Disney/Marvel eher darauf aus ist, die multiversale Agenda als Konzept voranzutreiben, statt die Figuren so weiterzuentwickeln, wie es nötig ist.

Der Wanda-Faktor
Ich erwähnte bereits die Probleme, die es hinter den Kulissen von „Doctor Strange in the Multiverse of Madness“ gab. Offenbar war die Entscheidung, Wanda Maximoff alias Scarlet Witch zur zentralen Antagonistin zu machen, eine relativ späte. Dass Wanda eine wichtige Rolle spielen würde, war bereits seit einiger Zeit klar, aber selbst die kreativen Köpfe bei Disney wussten offenbar für längere Zeit nicht, welche. Im Fandom spekulierte man derweil munter darauf los und vermutete, dass die Sere „Loki“, welche das MCU-Muliversum schließlich etablierte, eine wichtige Rolle spielen würde – immerhin verpflichtete man Loki-Serienschöpfer Michael Waldron als Drehbuchautor. Ebenso wurde vermutet, eine Variante von Strange, etwa die aus der vierten Folge der Animationsserie „What If…?“, könne als Widersacher fungieren. Beides stellte sich als falsch heraus, das Projekt mit dem größten Einfluss auf „Doctor Strange in the Multiverse of Madness“ ist „WandaVision“.

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Wanda Maximoff (Elizabeth Olsen)

Wandas gesamte Motivation beruht auf der Disney-Plus-Serie, sie setzt Himmel, Hölle und das gesamte Multiversum in Bewegung, um ihre beiden Kinder zu finden bzw. Ersatz für die Zwillinge zu bekommen. Unglücklicherweise verwerfen bzw. simplifizieren Waldron und Raimi die komplexere Charakterisierung Wandas aus „WandaVision“ und machen sie zur relativ eindeutigen Schurkin – für Zuschauer fehlt hier abermals ein Zwischenschritt, denn am Ende der Serie versucht Wanda zwar, mit dem Darkhold eine Möglichkeit zu finden, ihre Kinder zurückzubringen, zeigte davor aber Reue wegen dem, was sie in Westview getan hat. Ein weiteres Mal findet eine essentielle Charakterentwicklung offscreen statt. Wenn man Wanda schon in die Schurkenrolle drängt (was in den Comics zugegebenermaßen ziemlich häufig geschieht), wäre eine etwas nachvollziehbarere Entwicklung schon angebracht gewesen. Ich hätte es tatsächlich bevorzugt, hätte sie in diesem Film zuerst mit Strange gegen eine wie auch immer geartete, multiversale Bedrohung gekämpft, um dabei auf die Idee zu kommen, ihre Kinder auf diese Weise zurückzubekommen. Elizabeth Olsen kann man in diesem Kontext natürlich keinerlei Vorwurf machen, schon in „WandaVision“ bekam sie die Gelegenheit zu zeigen, wozu sie darstellerisch in der Lage ist, daran knüpft sie hier nahtlos an. Sehr erfreulich ist dazu, dass Raimi Wanda eher als rücksichtslose Horror-Gestalt denn als einen typischen, Sprüche-klopfenden MCU-Schurken inszeniert.

Multiverse of Madness
Über die ersten multiversalen Gehversuche des MCU hatte ich bereits in meinem Artikel zu „Spider-Man: No Way Home“ geschrieben, das soll hier nicht noch einmal wiederholt werden. Es sei allerdings gesagt, dass „Doctor Strange in the Multiverse of Madness“ kaum auf den anderen multiversalen Abenteuern aufbaut – die Handlung der erwähnten Spider-Man-Films wird beispielsweise nur in einer Szene erwähnt, was u.a. daran liegt, dass „Multiverse of Madness“ ursprünglich vor „No Way Home“ hätte erscheinen sollen und nur aufgrund interner Probleme nach hinten verschoben wurde. „Loki“ und eine mögliche Bedrohung durch Kang, den Eroberer taucht ebenso wenig auf wie Uatu oder die „Guardians of the Multiverse“ – allesamt etabliert in „What If…?“. Tatsächlich bekommen wir relativ wenig vom Multiversum zu sehen, neben kurzen Eindrücken während Stranges und Americas unkontrolliertem Fall und einer zerstörten Welt mit einem psychotischen Strange ist der Haupthandlungsort des Films, neben der bekannten Erde des MCU, Erde 838, auf der Strange und America schließlich landen. Hier wird zudem etabliert, dass es sich bei der Standard-Erde des MCU um Erde 616 handelt, was zumindest Hardcore-Marvel-Fans irritierten dürfte, da Erde 616 eigentlich die Standard-Erde der Comics ist, während das MCU ursprünglich als Erde 199999 klassifiziert wurde; das aber nur am Rande.

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Wong (Benedict Wong)

Erde 838 hingegen ist eine Neuschöpfung, die in dieser Form bislang nicht in den Comics auftauchte, aber dennoch einige bekannte Gesichter beinhaltet, primär natürlich Captain Carter und Charles Xavier. Bei beiden handelt es sich allerdings nicht um die bzw. eine Version, die wir tatsächlich bereits gesehen haben, sondern um die Varianten dieser Figuren, die auf Erde 838 heimisch sind. Im Klartext bedeutet das, dass diese Captain Carter nicht mit der aus „What If…?“ identisch ist und dieser Charles Xavier weder aus den X-Men-Filmen von Fox, noch aus der Zeichentrickserie der 90er stammt, obwohl er von Patrick Stewart gespielt und wie der Animations-Xavier inszeniert wird (gelbes Gefährt, Intro-Thema aus der Serie). Diese Figuren sind lediglich konzeptionell ähnlich. Maria Rambeau als Captain Marvel verfolgt einen ähnlichen Ansatz wie Captain Carter, Black Bolt ist einer der Inhumans und tauchte in der kurzlebigen Serie „Inhumans“ auf, die formal zum MCU gehört bzw. gehören sollte, als Kevin Feige noch nicht die Kontrolle über die Serienableger hatte. Wie in „Inhumans“ wird er auch hier von Anson Mount gespielt. Mister Fantastic alias Reed Richards ist natürlich der Anführer der Fantastic Four, der zuvor bereits von Ioan Gruffudd und Miles Teller dargestellt wurde – beide Versionen sind deutlich weniger beliebt als Patrick Stewart in der Rolle des Professor X, weshalb wir nun eine neue Variante erleben. Möglicherweise testet Marvel hier John Krasinski als Darsteller für das Standard-MCU aus. Zusammen bilden diese Figuren die Illuminati, eine Gruppe von Superhelden, die in den Comics zwar auftaucht, aber in einem völlig anderen Kontext. Da sie dort zu Erde 616 gehören, finden sich leichte Variationen bei der Zusammensetzung: Neben Black Bolt, Xavier und Mister Fantastic gehören in der ursprünglichen Zusammensetzung auch Iron Man, Namor, der Submariner und Doctor Strange persönlich zur Gruppierung, während Captain Carter, Captain Marvel und Baron Mordo fehlen.

Gerade für MCU- und natürlich Comic-Fans finden sich hier viele Anspielungen und es werden spannende Konzepte angerissen, zugleich leidet die Konzeption der Illuminati aber unter demselben Problem, das auch schon in „What If…?“ auftauchte: Gemessen an der Machtfülle dieser Figuren werden sie von Wanda ziemlich schnell abserviert, ebenso wie in „What If…?“ Handlungsstränge, die im regulären MCU einen oder sogar mehrere Filme zur Auflösung benötigen, mal eben schnell abgehandelt werden. So fragt man sich unweigerlich, ob es, vom Fan-Service abgesehen, handlungstechnisch nicht eleganter gewesen wäre, hätte sich Wanda beispielsweise mit Mordo ein ausgiebiges Zauberer-Duell geliefert. So wirken die Illuminati äußerst schwach und inkompetent, was gerade bei all jenen, die die Referenzen zuordnen können, einen schalen Geschmack hinterlassen dürfte. Zugleich bleiben die Teile des Multiversums, die tatsächlich auftauchen, für einen Film der die Worte „Multiverse of Madness“ im Titel hat, relativ konservativ und geerdet.

Soundtrack
Doctor Stranges musikalische Repräsentation war, zumindest für MCU-Verhältnisse, bislang relativ konsistent, für „Doctor Strange“ komponierte Michael Giacchino nicht nur ein sehr heroisches und einprägsames Thema für den Sorcerer Supreme, sondern gab ihm auch einen recht einzigartigen Sound, geprägt durch die Kombination von traditionellem Orchester, subtilem Einsatz elektronischer Elemente und einigen besonderen Instrumenten wie Cembalo und Sitar, die dem ganzen Score einen passend psychedelischen Anstrich verpassten. Wenn Stranges Thema nicht tatsächlich zitiert wurde, wie es in Laura Karpmans „What If…?“, Alan Silvestris „Avengers: Endgame“ und natürlich Giacchinos „Spider-Man: No Way Home“ der Fall war, wurde immerhin die oben beschrieben Instrumentierung für ihn integriert, so geschehen etwa in Mark Mothersboughs „Thor: Ragnarok“ und Alan Silvestris „Avengers: Infinty War“. Unter Scott Derrickson wäre Gacchino auch für „Doctor Strange in the Multiverse of Madness“ zurückgekehrt, doch Sam Raimi entschied sich, Danny Elfman den Taktstock in die Hand zu geben. Raimi und Elfman arbeiteten an einigen Projekten in den 90ern und frühen 2000ern zusammen, darunter etwa „Darkman“, „A Simple Plan“ und natürlich die ersten beiden Spider-Man-Filme. Über „Spider-Man 2“ zerstritten sie sich allerdings, versöhnten sich aber wieder, sodass sie an „Oz, the Great and Powerful“ erneut zusammenarbeiten konnten. Elfman selbst bekam bereits 2015 die Gelegenheit, seine Fühler ins MCU auszustrecken, indem er den Score von „Avengers: Age of Ultron“ vollendete. Sowohl stilistisch als auch konzeptionell lässt sich seine Arbeit für „Doctor Strange in the Multiverse of Madness“ sehr gut mit den Soundtracks von „Age of Ultron“ und „Justice League“ vergleichen. Elfmans neuester Streich ist ebenfalls fest in seinem Action-Sound verwurzelt, der primär durch aufwändige Orchesterarbeit und auch eine gewisse, für ihn typische Verspieltheit besticht. Bedingt durch die Horror-Elemente im Film bekommt Elfman darüber hinaus die Gelegenheit, immer mal wieder in seine Horror-Trickkiste zu greifen, sodass Passagen durchaus auch an „Sleepy Hollow“ oder „The Wolfman“ erinnern. Was sich leider nicht findet, sind Verweise auf Giacchinos distinktiv Instrumentierung – „Doctor Strange in the Multiverse of Madness“ ist, im Guten wie im Schlechten, ein Elfman-Score durch und durch.

Leitmotivisch bemüht sich Elfman um eine Balance zwischen alten und neuen Themen. Die drei primären neuen Themen gelten Doctor Strange, America Chavez und Wanda – wobei es schwierig ist, Wandas Repräsentation wirklich als „neu“ zu bezeichnen. Zum einen scheint das Thema (passenderweise) eine Verwandtschaft zu Elfmans Motiv für die Figur aus „Avengers: Age of Ultron“ zu besitzen und zum anderen erinnert es sehr stark an das Willy-Wonka-Thema aus „Charlie and the Chocolat Factory“. Elfman verwirft Giacchinos Identität für Strange allerdings nicht völlig, sondern gewährt ihr einige Gastauftritte, primär in der ersten Hälfte des Films, u.a. in On the Run, Gargantos, Strang Statue und Battle Time (dieser kräftigste Einsatz ist im Film entweder unter Soundeffekten begraben oder überhaupt nicht zu hören). In der zweiten Hälfte dominiert hingegen Elfmans deutlich weniger markantes Motiv für die Figur, was ich persönlich ein wenig problematisch finde, da es nicht wirkliche erzählerische Notwendigkeit für ein neues Strange-Thema gibt und man sich, bei allem Respekt für Elfman, zudem fühlt, als bekäme man einen minderwertigen Ersatz für ein besseres Produkt.

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Christine Palmer (Rachel McAdams)

Darüber hinaus zitiert Elfman auch durchaus Themen anderer Komponisten, in Wanda at Home erklingt das Titelthema aus „WandaVision“ von Kristen Anderson-Lopez und Robert Lopez und auch beim Auftritt der Illuminati (im gleichnamigen Track) lässt er es sich nicht nehmen, einige bekannte Melodien zu anzuspielen, primär wären das der Captain-America-Marsch von Alan Silvestri für Captain Carter (ein Fragment ist außerdem in Illuminati vs. Wanda zu hören) und das Intro des klassischen X-Men-Serie aus den 90ern für Charles Xavier. Interessanterweise entschied sich Elfman offenbar dagegen, Pinar Topraks Captain-Marvel-Fanfare miteinzubeziehen.

Insgesamt ist Elfmans Arbeit definitiv ein mehr als solider und vor allem unheimlich unterhaltsamer Score, der vor allem Fans der Action-Musik des Komponisten (zu denen ich mich zähle) ansprechen und zufriedenstellen dürfte. Hätte Elfman allerdings noch einige Verweise auf Giacchinos distinktive Instrumentierung eingebaut und sich in größerem Ausmaß des bereits etablierten Themas für den Titelhelden bedient, hätte aus diesem guten ein wirklich großartiger Soundtrack werden können. Eine ausführliche Rezension findet sich hier.

Fazit
Während „Doctor Strange in the Multiverse of Madness” definitiv kurzweilig und unterhaltsam ist und zudem durchaus von Sam Raimis individuellem Stil als Regisseur profitiert, merkt man doch, dass es hinter den Kulissen Probleme gab. Einerseits hat man sich hier zu viel aufgebürdet, der Film wirkt überladen – es sind viele interessante Aspekte dabei, die jedoch oft kaum zur Zufriedenheit erforscht werden können. Zugleich wirkt Raimi, trotz der Vorzüge, die seine Präsenz bringt, beinahe verschwendet. In einer idealen Welt hätte man ihn einfach machen lassen und ihm keine Zügel angelegt. So bleibt „Doctor Strange in the Multiverse of Madness“ im Mittelfeld des MCU – ein Film des verschwendeten Potentials.

Trailer

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Siehe auch:
Doctor Strange
Spider-Man: No Way Home – Ausführliche Rezension
Avengers: Age of Ultron – Soundtrack

Spider-Man: No Way Home – Ausführliche Rezension

Volle Spoiler für das gesamte MCU!
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Nach dem Ende der dritten Phase des MCU war ich dieses Franchise betreffend ein wenig ausgebrannt – besonders, da sich „Avengers: Endgame“ als durchaus gelungener Abschluss erwies. Verstärkt wurde das durch die Pandemie, die weitere Filme wie „Black Widow“ deutlich nach hinten schob. Zudem sorgte Corona dafür, dass sich der Fokus stärker auf die Disney-Plus-Serien verlegte, die ich auch tatsächlich alle gesehen habe. Ich fand sie durchweg entweder ziemlich gelungen oder doch zumindest kurzweilig genug, um sie bis zum Ende anzusehen, aber aus irgendeinem Grund hatte ich kein Bedürfnis, über sie schreiben. Mit „Spider-Man: No Way Home“ kommt nun allerdings der erste Phase-4-Film, der eine bereits zuvor begonnene Filmreihe fortsetzt – angesichts der Prämisse der Handlung war ich deshalb auch der Meinung, dass sich ein Kinobesuch hier lohnt. Um es kurz zu machen: „Spider-Man: No Way Home“ hat durchaus seine Probleme, die angesichts der Konzeption der Handlung eigentlich schon absehbar waren, im Großen und Ganzen ist der dritte MCU-Spider-Man aber ziemlich gelungen und auf emotionaler Ebene vielleicht sogar der stärkste der Trilogie.

Handlung
Nachdem J. Jonah Jameson (J. K. Simmons) Spider-Mans Geheimidentität enthüllt hat, haben Peter Parker (Tom Holland) und seine Freunde MJ (Zendaya) und Ned (Jacob Batalon) massive Probleme mit ihrer Privatsphäre. Peter gibt sich unter anderem auch die Schuld daran, dass seine Freunde von allen Colleges nur Ablehnungen erhalten. In seiner Verzweiflung wendet sich Peter an Doctor Strange (Benedict Cumberbatch). Dieser schlägt vor, einen Zauber zu wirken, der alle Menschen vergessen lässt, dass Peter Parker Spider-Man ist. Doch der Zauber geht schief und öffnet die Pforten des Multiversums: Plötzlich tauchen Schurken auf, die Peter zwar noch nie getroffen hat, die aber ihrerseits nur allzu versessen darauf sind, Spider-Man zu töten. Der Grüne Kobold (Willem Dafoe), Doctor Octopus (Alfred Molina), Sandman (Thomas Haden Church), die Echse (Rhys Ifans) und Electro (Jamie Foxx) haben alle eine Rechnung mit Spider-Man offen, nur nicht unbedingt mit der Version, die sie antreffen. Chaos bricht aus und Peter muss versuchen, alle Schurken einzufangen, damit Doctor Strange sie zurückschicken kann. Doch reicht das aus? Anstatt die Schurken einfach nur zurück und damit in den fast sicheren Tod zu schicken – fast alle sterben im Kampf gegen anderen Versionen von Spider-Man – entschließt sich Peter, motiviert von seiner Tante May (Marisa Tomei), ihnen zu helfen, doch auch hier kommt es zu ebenso ungeahnten wie tragischen Folgen…

Multiversity
Bei der oben erwähnten Prämisse handelt es sich natürlich um das Vorhaben, die Schurken aus den beiden bisherigen, nicht im MCU verorteten Spider-Man-Filmreihen von Sam Raimi und Marc Webb zurückzubringen und hierfür das frisch etablierte Multiversum zu verwenden. Die Möglichkeit eines solchen wurde bereits in „Doctor Strange“ und „Avengers: Endgame“ angedeutet, bevor Marvel-Mastermind Kevin Feige es mehrfach anteaserte, ohne es tatsächlich durchzuziehen. Sowohl in „Spider-Man: Far From Home“ als auch in „WandaVision“ wurde mit dem Konzept gespielt, in beiden Fällen erwies es sich aber als geschickte Täuschung: Mysterio alias Quentin Beck (Jake Gyllenhaal) behauptet zwar von sich, von einer anderen Erde des Multiversums zu stammen, erweist sich aber als Betrüger, was Spider-Man-Fans, die mit Mysterio aus den Comics vertraut sind, jedoch erwarteten. Der Auftritt des von Evan Peters gespielten Quicksilver der Fox-X-Men dagegen schien eine eindeutige Sprache zu sprechen, auch hier wurden die Zuschauer allerdings an der Nase herumgeführt, denn bei diesem Quicksilver handelt es sich um den eigentlich unbeteiligten Westview-Einwohner Ralph Bohner, der lediglich durch Wandas Chaosmagie zu Pietro Maximoff wird.

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MJ (Zendaya) und Spider-Man (Tom Holland)

Erst „Loki“ sorgte dafür, dass aus konzeptionellen Andeutungen „Realität“ wurde; die Serie führte Konzepte wie die „Time Variance Authority“ (TVA) und die „Sacred Timeline“ ein und zeigte zudem einige Alternativversionen von Loki (Tom Hiddleston), darunter Sylvie (Sophia Di Martino), Classic Loki (Richard E. Grant) und Alligator Loki. Die Animationsserie „Marvel’s What If…?“ schließlich machte sich (mal mehr, mal weniger gelungen) als erste daran, die Möglichkeit eines Multiversums zu erforschen, wählte dabei aber die bisherigen MCU-Filme als Ausgangspunkt – bei den Figuren handelte es sich stets um die MCU-Version in anderem Kontext. Im Gegensatz dazu bedient sich „Spider-Man: No Way Home“ vom MCU bislang völlig separierter Kontinuitäten. Im Vorfeld stellte sich freilich die Frage, wie sehr sich Feige, Regisseur Jon Watts und die Drehbuchautoren Chris McKenna und Erik Sommers auf die Inhalte der bisherigen Filme einlassen würden, schließlich könnten sie sich auch eines „Broad-Strokes-Ansatzes“ bedienen und alles verhältnismäßig vage halten – für diesen Ansatz entschied man sich immer wieder bei den X-Men-Filmen. Stattdessen beschlossen die Verantwortlichen jedoch, dass die Raimi- und Webb-Filme in ihren jeweiligen Universen genauso passiert sind, wie wir sie in Erinnerung haben. Mehr noch, Watts und sein Team haben es sich zum Anspruch gemacht, sowohl der Raimi- als auch der Webb-Serie einen angemessenen Abschluss zu verpassen.

Das ist nun freilich ein enormes Unterfangen, vielleicht nicht ganz auf dem Level von „Infinity War“ und „Endgame“, dem aber doch schon ziemlich nahe. Nebenbei sollte „No Way Home“ auch noch eine eigene Geschichte erzählen und die Handlung des MCU-Spider-Man sinnvoll weiterführen. Zumindest in Ansätzen könnte man von „No Way Home“ durchaus als Realfilmversion von „Spider-Man: Into the Spider-Verse“ sprechen, ironischerweise hatte es besagter Animationsfilm von Sony sowohl leichter als auch schwerer. Leichter, da ihm als Animationsfilm ganz andere Möglichkeiten zur Verfügung stehen und schwerer, da er eine ganze Reihe an neuen Figuren bzw. Versionen von Spider-Man etablieren muss, die dem Nichtcomicleser völlig unbekannt sind, von Miles Morales (Shameik Moore) über Spider-Gwen (Hailee Steinfeld) bis hin zu meinem persönlichen Favoriten, Spider-Man Noir (Nicolas Cage). „No Way Home“ hingegen kann mit der Wirkung der in den Raimi- und Webb-Filmen etablierten Schurken und Spider-Men arbeiten, was, wenn man denn alle nötigen Darsteller zusammenbekommt (das allein ist schon eine beeindruckende Leistung), schon einiges rumreißt.

Sinister Six Minus One
Eines der vielleicht größten konzeptionellen Probleme des MCU-Spider-Mans ist der Umstand, dass er auch nach drei Filmen quasi keine eigenen Schurken hat. Dies ist besonders ironisch, da Spider-Man bekanntermaßen eine der üppigsten und ikonischsten „Rogues Galleries“ aller Superhelden hat, lediglich übertroffen von Batman. Natürlich sind der Vulture (Michael Keaton) und Mysterio formale gesehen Spider-Man-Gegenspieler, in ihren MCU-Inkarnationen sind sie aber, zumindest bedingt durch ihre Entstehung und ihre Motivation, Iron-Man-Schurken. Beide tun, was sie tun und wie sie es tun, weil sie sich von Tony Starks Handlungen direkt oder indirekt hintergangen fühlen – die Auseinandersetzung mit Spider-Man ist sowohl in „Homecoming“ als auch in „Far From Home“ fast schon Zufall, es besteht kaum eine persönliche Verbindung zwischen ihnen und Peter Parker. „No Way Home“ verschlimmert dieses Problem noch, da hier kein neuer Schurke etabliert wird, sondern alte Schurken zurückkehren, die zwar alle eine persönliche Verbindung zu Spider-Man haben, aber eben nicht zu diesem Spider-Man.

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Der Grüne Kobold (Willem Dafoe)

Wie bereits mehrfach erwähnt, handelt es sich bei den fünf Schurken dieses Films um alte bekannt – ein Widersacher pro Spider-Man-Film, die beiden MCU-Einträge nicht mitgerechnet und jeder von ihnen gespielt vom ursprünglichen Schauspieler. Rhys Ifans und Thomas Haden Church sind allerdings fast durchgängig in ihrer Echsen- bzw. Sandform, sprich von ihnen sieht man nicht allzu viel. Abgesehen von diesem Umstand wurden beide ohne größere visuelle Änderungen übernommen, dasselbe trifft auch auf Doctor Octopus zu. Bei Electro und dem Grünen Kobold hingegen nahm man einige Anpassungen vor. Besonders das Design von Ersterem in „The Amazing Spider-Man 2“ kam bei Fans und Publikum nie besonders gut an, weshalb man sich wohl entschied, einfach Jamie Foxx‘ Gesicht ohne merkwürdiges lila Makeup und Effekte zu verwenden. Erklärt wird dieser Wandel mit dem Übertritt in das andere Universum. Immer, wenn Electro in „No Way Home“ seine Kräfte anwendet, bilden die Blitze um seinen Kopf zudem die Form seiner klassischen Maske – ein kleines Zugeständnis an sein Comicoutfit. Ähnlich verhält es sich mit dem Kobold. Zuerst taucht er mit Maske auf, diese wird aber bald zerstört und der Film verzichtet dann auch auf sie – stattdessen trägt der Kobold aber violette Kleidungsfetzen inklusive Kapuze, die ebenfalls eine Reminiszenz an sein Kostüm aus den Comics darstellt. Dass Willem Dafoe der richtige Darsteller ist, um das irre Grinsen des Kobolds auf die Leinwand zu bringen, ist ja ohnehin bereits seit dem ersten Spider-Man-Film klar.

Charakterlich bemühen sich Watts und Co., die Figuren so zu zeigen, wie man sie kennt, wobei Sandman und der Echse verhältnismäßig wenig Platz eingeräumt wird – bei Ersterem würde ich sogar zögern, ihn eindeutig als Schurken zu klassifizieren, da er primär nur nachhause zu seiner Tochter möchte und von der ganzen Situation in erster Linie genervt ist. Doc Ock wird ebenfalls verhältnismäßig früh „gezähmt“, da Peter ihn durch die Nanotechnologie seines Anzugs lahmlegt und später den Kontrollchip wiederherstellt, sodass er im finalen Kampf zum Verbündeten und nicht zum Gegner wird. Die beiden Hauptschurken des Films sind eindeutig Electro und der Kobold. Max Dillon erhält nicht nur ein Power-Up durch Iron Mans Arc-Reaktor, sondern verliert auch seine Neurosen und geht deutlich skrupelloser vor, er sieht in diesem neuen Universum seine Chance, seine Allmachtsphantasien zu verwirklichen. Die Pläne des Kobolds sind weniger eindeutig, er reagiert eher, als dass er agiert, in „No Way Home“ wird allerdings die gespaltene Persönlichkeit Norman Osborns noch einmal deutlich stärker betont, als das in Raimis „Spider-Man“ der Fall war. Dort war der Kobold eher Ausdruck von Norman Osborns verborgenen Wünschen, Osborn wurde nicht unbedingt als besonders guter Mensch dargestellt, der Kobold war lediglich eine völlig enthemmte Erweiterung seiner Persönlichkeit. In „No Way Home“ dagegen sind Osborn und Kobold einander völlig entgegengesetzt, Ersterer fungiert eher als Wirt für Letzteren und würde sich seines Alter Ego am liebsten entledigen. Norman wird hier als tragisch und mitleiderregend inszeniert.

Besonders interessant ist der Fokus des Films auf die Heilung und die damit implizierte Rehabilitation der Schurken, etwas, das gerade in den MCU-Filmen mit ihren häufig doch eher eindimensionalen Widersachern recht selten auftaucht. Diese Inkarnation von Spider-Man möchte allen fünf die Chance geben, ein normales Leben wiederzuerlangen, was ihm mit Abstrichen und Opfern auch gelingt, wobei sich letztendlich die Frage stellt, welche Auswirkungen das auf das Multiversum bzw. das Raimi- und Webb-Universum hat. Mit Ausnahme Sandmans wurden alle Widersacher „entnommen“, kurz bevor sie im Kampf gegen ihren Spider-Man sterben – ändert sich durch die Heilung etwas oder wird trotz aller Bemühungen einfach nur die reguläre Timeline der jeweiligen Kontinuität wiederhergestellt?

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Doctor Octopus (Alfred Molina)

Wie dem auch sei, der vielleicht beeindruckendste Aspekt an dieser Schurkenversammlung ist, dass sie im großen und ganzen relativ gut funktioniert. Jede der drei Spider-Man-Filmreihen besitzt jeweils ihren eigenen, sehr individuellen Tonfall, der sich natürlich gerade und im Besonderen auf die Schurken auswirkt. Sie alle in einem Film zusammenzubringen hätte leicht zum Desaster ausarten können, aber sowohl Watts als auch den Darstellern – hier seien besonders Molina und Dafoe hervorgehoben – gelingt es ziemlich gut, das ganze organisch zu gestalten und sogar ein wenig mit den tonalen Unterschieden zu spielen. Wenn Peter, Ned und MJ den Namen „Otto Ocatvius“ für falsch halten und sich darüber lustig machen, passt das zu Figuren des MCU ebenso wie Doc Ocks diesbezügliche Authentizität zu den Raimi-Filmen.

Strange Days Ahead
Als ob die ganzen Schurken nicht schon ausreichen würden, müssen Watts und Co. auch noch Doctor Strange unterbringen, von den regulären Nebenfiguren gar nicht erst zu sprechen. Das hat zwar durchaus zur Folge, dass „No Way Home“ mitunter recht überladen wirkt, zugleich schafft der Film es aber verhältnismäßig gut, mit der Vielzahl an Charakteren zu jonglieren und sie wirklich effektiv einzusetzen. Sowohl Marisa Tomeis Tante May als auch Zendayas MJ erleben in diesem Film ihre Sternstunde, die beiden Darstellerinnen bekommen endlich die Gelegenheit, wirklich etwas aus ihren Figuren herauszuholen und nutzen sie vollständig aus.

Auf handlungstechnischer Ebene wird man hin und wieder allerdings den Verdacht nicht los, dass Watts und seine Autoren es sich das eine oder andere Mal ein wenig zu leicht gemacht haben. Die „Mechanik“ der mutliversalen Einmischungen und gedächtnislöschenden Zaubersprüche bleibt schwammig und undurchsichtig – hat der finale Spruch auch Auswirkungen auf die anderen beiden Peters? Zudem hätte sich das ganze Fiasko um die multiversalen Schurken leicht verhindern lassen können, hätten Doctor Strange und Peter hin und wieder kurz innegehalten und eine Minute nachgedacht. Auch manche der moralischen Implikationen hätten vielleicht noch etwas überdacht werden müssen, da Peter im Grunde bereit ist, sein Universum oder sogar das Multiversum zu opfern, um fünf Schurken zu retten. Ebenso wirken manche Wendung doch recht unplausibel; Ned kann plötzlich mit einem Sling-Ring umgehen? Peters Nanotechnik übernimmt mal eben Doc Ocks Tentakel? Nun ja…

Außerdem sorgt der recht große Unterschied im Tonfall, der etwa ab der Hälfte stattfindet, für ein ziemlich unebenes Gefühl. Die Comedy-Elemente der beiden Vorgänger sind zu Anfang vorherrschend, während es gegen Ende deutlich ernster und emotionaler zugeht. Letzteres war in dieser Filmreihe dringend nötig – gerade „Homecoming“ und „Far From Home“ wirkten immer etwas inkonsequent, ein wenig wie eine „Filler-Episode“. Ein essentielles Thema vieler Spider-Man-Comics ist der „Preis des Heldentums“: Peter kämpft immer mit den Konsequenzen seiner Handlungen; wird er als Netzschwinger aktiv, leiden Peter Parkers soziale Beziehungen, konzentriert er sich hingegen auf seine bürgerliche Identität, dann besteht die Chance, dass Menschen sterben. „No Way Home“ vermittelt das deutlich besser als die Vorgänger, wenn auch etwas uneben. Zudem bekommt man manchmal das Gefühl, dass Watts seine inszenatorischen Möglichkeiten nicht ganz ausschöpft: „No Way Home“ lebt vor allem von dem, was der Film erzählt, nicht wie er es erzählt.

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Peter Parker (Tom Holland) und Doctor Strange (Benedict Cumberbatch)

Als Action-Highlight empfinde ich persönlich den Kampf zwischen Spider-Man und Strange in der Spiegel-Dimension, während das Ende vor allem durch seine emotionale Komponente überzeugt – die Stärke des Finales wird allerdings durch ein kleines Problem etwas gedämpft, das nicht einmal dem Film an sich inhärent ist. Der tatsächliche Ausgang – und ein Stück weit der gesamte Handlungsanlass – erinnern mich unangenehm an die Spider-Man-Story „One More Day“, die zurecht als eine der schlechtesten Spider-Man-Storys überhaupt gilt. Wegen der Enthüllung seiner Geheimidentität im Rahmen des Marvel-Großereignisses „Civil War“ (das als lose Vorlage für den gleichnamigen Captain-America-Film fungierte) wird Tante May angeschossen und kein Held des Marvel-Universums sieht sich imstande, sie zu retten; nicht Doctor Strange, nicht Reed Richards, niemand. Aus diesem Grund bietet der Dämon Mephisto Peter an, nicht nur Mays Leben zu retten, sondern auch das Wissen um seine Geheimidentität aus den Köpfen der gesamten Welt zu löschen. Der Preis dafür ist allerdings nicht Peters Seele, wie man vielleicht annehmen würde, sondern Peters und Mary Janes Ehe, die durch diesen satanisch-kosmischen Retcon rückwirkend ausgelöscht wird, primär weil der damalige Spider-Man-Redakteur Joe Quesada weder einen verheirateten, noch einen geschiedenen Helden haben wollte. „No Way Home“ hat in sehr groben Zügen denselben Plot, inklusive der weltweiten Gedächtnislöschung und eines tödlichen Angriffs auf Tante May, was bei mir im Kino zu äußerst unangenehmen Assoziationen führte. „One More Day“ ist mir als Story so sehr zuwider, dass ich jede Verbindung automatisch negative Gefühle hervorruft. Zugegebenermaßen arbeitet „No Way Home“ mit der Grundprämisse jedoch deutlich besser, vermeidet die Fehler des Comics und holt aus dem Plot heraus, was herauszuholen ist, nicht zuletzt deshalb, weil Peter hier, anders als im Comic, als selbstlos und nicht als egoistisch herüberkommt (wobei man darüber vielleicht nicht zu genau nachsinnieren sollte, sonst wird es schon wieder problematisch).

Interessanterweise funktioniert „No Way Home“ auch ganz gut als aktuelle Bestandsaufnahme des MCU. Nach wie vor wirkt das „Duo Infernale“ aus „Infinity War“ und „Endgame“ nach, wie sich auch in diesem Film aus den diversen Rückbezügen zeigt, aber so langsam bekommen wir zumindest eine Idee, in welche Richtung sich das MCU bewegt: „No Way Home“ und „Loki“ haben vollends klargemacht, dass das Multiversum das „neue, große Ding“ ist, auf das man sich konzentriert, was durch die Post-Credits-Szene untermauert wird, die lediglich aus einem Teaser zu „Doctor Strange and the Multiverse of Madness“ besteht. Zudem zeigt sich, dass Feige und Disney gewillt sind, jeglichen filmischen Marvel-Content endgültig unter dem Paradigma des Marvel Cinematic Universe bzw. Marvel Cinematic Multiverse zu subsumieren. Nicht nur treten Helden und Schurken der bisherigen beiden Spider-Man-Filmreihen in diesem Film auf, auch der von Tom Hardy gespielte Eddie Brock/Venom aus Sonys Versuch, ein eigenes, wie auch immer geartetes (Anti-) Heldenuniversum mit Spider-Man-Figuren zu etablieren, tauch in der Mid-Credits-Szene auf und zudem darf Charlie Cox‘ Matt Murdock/Daredevil aus den Netflix-Serien kurz vorbeischauen, nachdem sein Widersacher, der von Vincent D’Onforio gespielte Wilson Fisk, bereits als Widersacher in der Disney-Plus-Serie „Hawkeye“ fungierte. Beide sind wohl nicht unbedingt völlig identisch mit den Netflix-Versionen, aber immerhin zeigen die Marvel Studios, dass sie gewillt sind, die etablierten Darsteller für diese Figuren zu übernehmen.

Aller guten Dinge sind drei?
Die Crux bei „No Way Home” ist fraglos der Umstand, dass hier nicht nur die Charakterentwicklung von einem, sondern gleich drei Spider-Men zu einem (vorläufigen?) Ende gebracht werden soll. Während die Beteiligung der diversen Schurken von Anfang an offen von Marvel kommuniziert wurde, versuchte man, das Mitwirken von Tobey Maguire und Andrew Garfield mit mehr oder weniger großem Erfolg geheim zu halten. Ich begrüße es definitiv, dass Watts und Co. sich dazu entschieden, den beiden emiritierten Spider-Men nicht nur einen kleinen Cameo-Auftritt zu spendieren, sondern sie zu einem essentiellen Teil des dritten Aktes zu machen. Die Karrieren beider Versionen des Netzschwingers wurden nach Filmen beendet, die unter Fans keinen allzu guten Ruf haben, wobei „Spider-Man 3“ immer noch ganz gut als Trilogie-Abschluss funktioniert, während „The Amazing Spider-Man 2“ nichts als offene Enden hinterlässt. Bekanntermaßen sollte der Film als Sprungbrett für die Sinister Six dienen, aber selbst in Bezug auf Peter Parker blieb vieles offen: Am Ende sehen wir zwar, dass er wieder als Spider-Man aktiv wird, aber eine wirkliche Auseinandersetzung der Figur mit dem Tod der von Emma Stone gespielten Gwen Stacey findet nicht statt. „No Way Home“ liefert das in gewissem Sinne nach und gibt Andrew Garfields Peter die Gelegenheit, als symbolische Aufarbeitung an Gwens Stelle MJ zu retten. Man merkt Garfields Performance durchaus an, wie viel ihm die Rolle bedeutet haben muss und wie dankbar er dafür ist, nun noch einmal die Gelegenheit zu bekommen, sie zu spielen. Höchst amüsant, aber kaum weniger kathartisch ist die Diskussion, die die drei Spider-Men über ihre Werdegänge, ihre Verluste oder auch nur organische und anorganische Netzdüsen führen – wer hätte schon erwartet, einmal eine derartige Fan-Diskussion in einem Film zu erleben?

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Electro (Jamie Foxx)

Aber konzentrieren wir uns noch ein wenig auf unseren eigentlichen Helden: Tom Hollands Peter Parker macht in diesem Film nun wirklich einiges durch und bekommt zudem „seinen“ Onkel-Ben-Moment nachgereicht. Bereits seit „Captain America: Civil War“ fragen sich Fans und Zuschauer, wie es denn eigentlich um Ben Parker und seinen Tod im MCU steht. Kaum eine andere Superhelden-Origin, mit Ausnahme der Ermordung der Waynes, ist so sehr im popkulturellen Gedächtnis verankert – nach zwei relativ dicht aufeinander folgenden Versionen mieden die Autoren und Regisseure des MCU diesen essentiellen Teil von Spider-Mans Werdegang ebenso wie das Motto „Aus großer Kraft folgt große Verantwortung“. In „Captain America: Civil War“ antwortet Peter auf Tony Starks Frage, weshalb er tut, was er tut, mit einer eher vagen Andeutung, die auf Ben Parkers Existenz und Tod hinweisen könnte oder auch nicht: „Look, when you can do the things that I can, but you don’t… and then the bad things happen, they happen because of you.“ Explizit wird Ben Parker lediglich in einer Episode der Animationsserie „What If…?“ erwähnt, hier handelt es sich aber natürlich um einen alternativen Peter. In „No Way Home“ muss nun an seiner statt Tante May das zeitliche segnen, inklusive des ikonischen Satzes. Diese Entwicklung führt dazu, dass Peter sich endgültig mit den Konsequenzen seiner Handlungen auseinandersetzt, seine Verantwortung akzeptiert und dabei den moralischen Anspruch seiner Tante hochhält. Nun wird klar (auch wenn es wohl nicht von Anfang an so geplant war), dass das MCU Spider-Mans Origin tatsächlich nicht ausgelassen, sondern sie auf eine komplette Trilogie ausgedehnt hat. Am Ende von „No Way Home“ finden wir diesen Peter, der lange über ein außerordentliches Sicherheitsnetz aus Superhelden-Verbündeten verfügte, in einer wirklich Spider-Man-typischen Position wieder: Völlig pleite, in einem heruntergekommenen Appartement und allein mit seiner Verantwortung. Gerade das Ende des Films und die emotionale Tragkraft haben mir außerordentlich gut gefallen. Zudem eröffnen sich nun eine ganze Reihe an vielversprechenden Möglichkeiten, sowohl für diesen Spider-Man als auch für, sagen wir, Andrew Garfields Version oder weitere multiversale Zusammenkünfte.

Spider Symphonies
Wie schon bei den beiden vorangegangenen MCU-Spider-Man-Filmen sorgt Michael Giacchino auch dieses Mal wieder für den Score. Bereits in der Vergangenheit zeigte sich Giacchino sowohl in diesem als auch in anderen Franchises durchaus gewillt, bereits existierende Themen zu verwenden, in beiden Spider-Man-Scores bediente er sich beispielsweise des Avengers-Themas von Alan Silvestri (Brian Tylers Iron-Man-Thema hingegen verwarf er leider und ersetzte es durch eine eigene, merkwürdigerweise an John Ottmans X-Men-Thema erinnernde Komposition). In „No Way Home“ gibt es selbst im Vergleich zu bisherigen MCU-Scores eine gewaltige Masse an leitmotivischem Material, das Giacchino auf die Handlung und Figuren basierend hätte integrieren können und zum Teil auch integriert hat. Doctor Strange ist da freilich ein No-Brainer. Der Sorcerer Supreme erfuhr bislang eine erfreulich konsistente musikalische Repräsentation über die diversen Filme und Serien hinweg, sowohl in „What If…?“ (Laura Karpman) als auch in „Avengers: Endgame“ (Alan Silvestri) und „WandaVision“ (Christophe Beck) erklingt sein Thema (ironischerweise ist die Figur selbst in den beiden Letztgenannten in der entsprechenden Szene nicht zugegen) und in „Thor: Ragnarök“ und „Avengers: Infinity War“ passen Mark Mothersbaugh und Alan Silvestri immerhin ihre Instrumentierung an. Dass Giacchino Doctor Stranges Thema und die spezifische Instrumentierung großzügig in „No Way Home“ verwendet, dürfte kaum verwundern, hat er es doch ursprünglich für „Doctor Strange“ selbst komponiert.

Die beiden vorherigen Spider-Man-Filmserien haben natürlich ihre eigenen Leitmotive, die Raimi-Trilogie ist, trotz des Wechsels nach zwei Filmen von Danny Elfman zu Christopher Young, leitmotivisch und stilistisch relativ konsistent, da Young sich der Elfman-Themen weiter bediente. In der Amazing-Spider-Man-Serie gab es ebenfalls einen Wechsel, nachdem James Horner den ersten Film vertonte, übernahmen Hans Zimmer und Co. das Sequel – hier ist der Unterschied deutlich gravierender, auch wenn durchaus eine gewisse Ähnlichkeit zwischen den jeweiligen Spidey-Themen besteht, da beide an Aaron Coplands Fanfare for the Common Man angelehnt sind (und ein wenig wie eine Nachrichtenfanfare klingen). Mit einer Reihe an Figuren aus beiden Filmreihen liegt der Gedanke nahe, sich der bereits etablierten Themen zu bedienen, was Giacchino auch tut, allerdings nicht in dem Maße, in dem ich mir das gewünscht hätte. Die Schurken-Themen von Elfman für Doc Ock und den Kobold sind am prominentesten, im Gegensatz dazu habe ich kein Schurken-Material von Horner, Zimmer oder Young herausgehört. Die beiden Spider-Man-Themen von Elfman und Horner bekommen ein, zwei fragmentierte Cameo-Auftritte, allerdings nur in ruhigen, emotionalen Variationen. In der finalen Action-Szene, in der drei Spider-Men und fünf Schurken gegeneinander kämpfen, dominiert ausschließlich Giacchinos Spider-Man-Thema – eindeutig eine vertane Chance. Darüber hinaus finden sich noch zwei, drei neue Leitmotive, beispielsweise eines, das die multiversale Schurkenzusammenkunft repräsentiert, diese orientieren sich allerdings so eng am bereits bestehenden Material, dass sie kaum herausstechen. Alles in allem ist der Score von „No Way Home“ der schwächste der MCU-Spider-Man-Trilogie und vor allem im Vergleich zum wirklich gelungenen Soundtrack von „Far From Home“ mit den starken S.H.I.E.L.D.- und Mysterio-Themen eindeutig ein Rückschritt. Kurzweilig und unterhaltsam ist dieser Score dennoch. Eine ausführliche Rezension findet sich hier.

Fazit
„Spider-Man: No Way Home” hätte leicht zu einer chaotischen Katastrophe ausarten können oder in reine Nostalgie und Fan Service ausarten. Diese Elemente sind zwar sehr stark vorhanden, aber nicht als reiner Selbstzweck, stattdessen gelingt es Jon Watts und Kevin Feige, mit ihnen eine durchaus berührende und für die Entwicklung des MCU-Spider-Man bedeutende Geschichte zu erzählen, die zudem alle bisherigen Inkarnationen der Figur ausgiebig würdigt. Ein paar strukturelle Schwächen, mechanische Ungenauigkeiten und sonstige unangenehme Implikationen fallen da kaum ins Gewicht.

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Siehe auch:
Spider-Man: Homecoming
Spider-Man: Far From Home

Wonder Woman 1984

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Story: Viele Jahrzehnte sind vergangen, seitdem Diana (Gal Gadot) während des Ersten Weltkriegs zusammen mit dem Piloten Steve Trevor (Chirs Pine) in die Welt der Menschen kam – dieser überlebte den Krieg allerdings nicht. Selbst im Jahr 1984 trauert Diana Steve noch hinterher. Relativ unvorhergesehen taucht im Smithsonian in Washington, in dem Diana arbeitet, ein mysteriöser Stein auf, der Wünsche erfüllen kann, der sog. „Traumstein“. Dianas unscheinbare Kollegin Barbara Minerva (Kristen Wiig) beispielsweise wünscht sich, mehr wie Diana zu sein und wird dadurch nicht nur selbstbewusster und für Männer attraktiver, sondern gewinnt auch übermenschliche Stärke, verliert dabei aber langsam ihre positiven Eigenschaften. Diana selbst wünscht sich Steve zurück; dessen Seele nimmt dafür allerdings den Körper eines anderen Mannes in Besitz. Der zwielichtige Geschäftsmann Maxwell Lord (Pedro Pascal) wittert seine Chance auf Ruhm und Macht und wünscht sich, selbst zum Traumstein zu werden. Während Diana ihre Zeit mit Steve genießt, beginnt Lord, überall in der Welt für Chaos und Anarchie zu sorgen…

Kritik: Mit „Wonder Woman 1984“, einem weiteren Opfer der Pandemie, das nur teilweise in die Kinos kam und zeitgleich auf den diversen Streamingdiensten zu sehen war, distanziert sich Regisseurin Patty Jenkins noch einmal deutlich von Zack Snyders Version des DC-Universums – nach dem Erfolg des Erstlings hatte Jenkins wohl in größerem Ausmaß freie Hand und war u.a. auch am Skript beteiligt. Verfügte ihr erster Film mit der Amazone noch über einige „Snyderismen“, gerade im Action-Bereich, ist das Sequel ein deutlicher Rückgriff auf die Superheldenfilme früherer Tage und orientiert sich stilistisch und inhaltlich vor allem an Sam Raimis Spider-Man-Trilogie und Richard Donners „Superman“ – man könnte mitunter fast meinen, der Film spiele nicht nur im Jahr 1984, sondern versuche auch, die Geisteshaltung eines Blockbusters diese Ära zu vermitteln. Das wird besonders an Dianas erstem Auftritt als Wonder Woman deutlich, gerade im Vergleich zu einer ähnlich gearteten Szene in „Zack Snyder’s Justice League“. Wo Diana bei Snyder ultrabrutal vorgeht und die Terroristen beispielswiese so gegen die Wand wirft, dass dabei größere Blutlachen entstehen, bemüht sie sich bei Jenkins darum, niemanden zu verletzen – lediglich ein Polizeiauto wird (unnötigerweise, möchte man hinzufügen) etwa ernstafter beschädigt. Per se ist das nichts Schlechtes, sofern das Konzept gut umgesetzt wird. Leider enttäuscht „Wonder Woman 1984“ in dieser Hinsicht aber auf ganzer Linie.

Müsste ich „Wonder Woman 1984“ mit einem Wort beschreiben, wäre es „inkonsequent“: Man merkt, was Jenkins und Co. mit diesem Film aussagen wollen, sie scheitern aber daran, weil sie stets den einfachsten und unelegantesten Weg nehmen, um ihre erzählerischen Ziele zu erreichen. Zudem wirkt das Drehbuch unausgegoren, gerade in Bezug auf die Funktionsweise des Traumsteins. Die Idee dahinter ist relativ eindeutig und gleicht der berühmten Affenpfote, die, wenn ich mich recht erinnere, im Film sogar einmal erwähnt wird und Wünsche erfüllt, aber stets mit einem unangenehmen Nebeneffekt. Dieser inzwischen weithin verbreitete Begriff stammt aus der Kurzgeschichte „The Monkey’s Paw“ des englischen Autors W. W. Jacobs (veröffentlicht 1902), in welcher ein Ehepaar in den Besitz des magischen Objekts kommt und sich 200 Pfund wünscht. Dieses Geld erhalten die Eheleute auch – als Kompensation für den Tod des Sohnes. Die trauernde Mutter wünscht sich daraufhin den Sohn zurück, doch als schlurfende Geräusche zu hören sind und es klopft, befürchtet der Ehemann, dass von seinem Sohn nicht mehr viel übrig ist und schickt ihn mit dem dritten Wunsch zurück ins Grab. Soweit, so gut, in „Wonder Woman 1984“ bleiben die Effekte des Traumsteins allerdings oft schwammig. Zum Beispiel verliert Diana, in bester Superhelden-Sequel-Tradition, temporär ihre Kräfte (zumindest partiell), wobei aber nie ganz klar wird, ob das nun der Nebeneffekt ihres eigenen Wunsches ist oder des Wunsches von Barbara Minerva. Oder ist Steve Trevors merkwürdig konstruierte Inbesitznahme eines fremden Körpers der Nebeneffekt? Besagte Inbesitznahme birgt einige unangenehme Implikationen, aber auch eine Menge Story-Potential, das nicht einmal ansatzweise ausgeschöpft wird. Diana und Steve halten nie einen Moment inne und fragen sich, was sie da eigentlich mit dem Körper eines völlig Fremden tun und ob es moralisch vertretbar ist – damit hätte man einen interessanten Konflikt geschaffen. Stattdessen wird der tatsächlich im Film vorhandene moralische Konflikt deutlich abstrakter und allgemeiner gestaltet.

Ähnlich schwammig ist die Absicht der Schurken, vor allem, was Maxwell Lord angeht. Lord in den Comics ist nicht per se mit Wonder Woman verknüpft, sondern tritt dort als Förderer und später als Feind der Justice League auf – im Rahmen des Großevents „Infinite Crisis“ wurde er allerdings von Diana (zumindest temporär) getötet. Die Film-Version der Figur trägt eindeutige Trump’sche Züge (Lord ist in den Comics bspw. dunkelhaarig), gleichzeitig versuchte man auch, ihm durch seinen kleinen Sohn einige nachvollziehbare Eigenschaften zu verleihen, was aber nicht so recht funktionieren will, da Pedro Pascal es mit seinem Overacting doch ein wenig zu weit treibt. Schwerwiegender ist jedoch, dass niemals wirklich klar wird, was Lord, ähnlich wie Lex Luthor in „Batman v Superman: Dawn of Justice“, eigentlich genau bezweckt. Er erfüllt munter Wünsche und stiftet Chaos, aber sein Ziel bleibt den ganzen Film über genauso schwammig wie die Funktionsweise des Traumsteins.

Immerhin Barbara Minerva ist diesbezüglich eindeutiger: Sie entspricht dem Archetypen des enttäuschten Bewunderers, den ich nicht allzu sehr schätze – man kennt ihn vom Riddler aus „Batman Forever“, Electro aus „The Amazing Spider-Man 2“ oder Snydrome aus „The Incredibels“. Leider können weder Patty Jenkins noch Kristen Wiig diesem Archetypen neue oder interessante Facetten abgewinnen, sodass auch Barbara Minerva, die am Ende ihre Schurkenidentität als raubkatzenartige Cheetah annimmt (und dabei ziemlich fürchterlich aussieht), nicht zum Gelingen des Films beiträgt.

Und dann hätten wir noch die dramaturgischen Probleme: „Wonder Woman 1984“ zieht sich und wirkt strukturell unausgegoren. Nach der opulenten Eröffnungsszene auf Themyscira und einem Wonder-Woman-Einsatz der, wie bereits erwähnt, stark an Richard Donners „Superman“ erinnert, wird den Zuschauern erst einmal eine Ladung Exposition um die Ohren gehauen. Mehr noch, für einen Film über Wonder Woman wird die Titelfigur äußerst selten als Heldin aktiv. Das kann funktionieren, wenn der Film abseits der Heldenidentität interessante Dinge mit dem Plot oder den Figuren anstellt, aber „Wonder Woman 1984“ mäandert ziemlich und schafft es auch nicht, die emotionalen Inhalte anständig zu vermitteln.

Immerhin ein Aspekt von „Wonder Woman 1984“ weiß zu überzeugen und den Vorgänger zu übertreffen: Nachdem Hans Zimmer als Komponist angekündigt wurde, war ich recht pessimistisch eingestellt, wurde aber eines Besseren belehrt. Zimmers Score ist einer der besten des DCEU und vielleicht sogar Zimmers bester Superhelden-Score überhaupt. Das düste-brütende Wummern und Dröhnen des Snyderverse ist hier endgültig Vergangenheit, Zimmers Musik ist optimistisch, melodisch und mitreißend, ohne dabei die musikalischen Wurzeln der Figur zu vergessen, denn das Action-Motiv aus „Batman v Superman: Dawn of Justice“ ist nach wie vor präsent und bildet zugleich die Grundlage für ein neues, deutlich heroischeres Wonder-Woman-Thema.

Fazit: „Wonder Woman 1984“ ist leider deutlich schwächer als der Vorgänger und leidet unter einem fürchterlich unausgegorenen Skript, strukturellen und inhaltlichen Problemen sowie zwei ziemlich schwachen Schurken. Für einen potentiellen dritten Wonder-Woman-Film würde ich mir eine stärkere Rückbesinnung auf die griechische Mythologie wünschen.

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Siehe auch:
Wonder Woman – Ausführliche Rezension
Stück der Woche: Wonder Womans Thema
Zack Snyder’s Justice League

Ash vs Evil Dead

Halloween 2017
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Sam Raimis Horror-Klassiker „The Evil Dead“ gehört inzwischen zu den Filmen, deren Handlung man selbst dann kennt, wenn man den Film nicht gesehen hat – zumindest, wenn man ein wenig Ahnung vom Horror-Genre hat. Die Hütte im Wald, die Teenager, die dämonische bzw. untote Bedrohung, die extreme Gewalt – all diese Elemente wurden inzwischen so oft aufgegriffen, verarbeitet und parodiert (sehr gelungen zum Beispiel in „The Cabin in the Woods“), dass der Status dieses Films kaum überrascht. Nach zwei Fortsetzungen, einem Remake und einer ganzen Reihe Comics und Spiele folgte 2015 schließlich eine Serie, die die Ereignisse der ursprünglichen Filmtrilogie fortsetzt und bislang zwei Staffeln umfasst – Staffel 3 startet im Januar 2018. Nicht nur kehrt Bruce Campbell als Ash Williams in der Hauptrolle zurück, auch Sam Raimi ist nach wie vor beteiligt.

Was bisher geschah
Bereits 1981 bekam es Bruce Campbell zum ersten Mal mit einem bösartigen Dämon zu tun, der von den Lebenden Besitz ergreift und sie in untote Monstrositäten, die Deadites, verwandelt. Sam Raimis „The Evil Dead“ (deutscher Titel: „Tanz der Teufel“) erwies sich trotz eines Budgets von unter 500.000 Dollar als wegweisender Horrorfilm, dessen Effektarbeit geradezu revolutionär war, ebenso wie der Gewaltanteil, was unter anderem dafür sorgte, dass der Film bis August 2016 hierzulande indiziert war. Dieses Schicksal blieb der Fortsetzung, „Evil Dead II“ (1987), und dem dritten Teil, „Army of Darkness“ (1992), erspart, denn zwischen den einzelnen Evil-Dead-Filmen gibt es einige tonale Unterschiede. So ist „The Evil Dead“ noch in erster Linie sehr blutiger und unappetitlicher (wenn auch übertriebener) Horror, während sich in Teil 2 Horror und Comedy die Waage halten. „Army of Darkness“ schließlich hat kaum noch wirkliche Horror-Elemente, ist weitaus unblutiger als die ersten beiden Teile und erinnert mit seinen Stop-Motion-Skeletten eher an die alten Ray-Harryhausen-Fantasyfilme.

Inhaltlich muss sich Ash Williams in der Trilogie mit dem Necronomicon ex Mortis (eine nette Lovecraft-Anspielung, wobei das Buch im ersten Film noch den Titel Naturom Demonto trägt) auseinandersetzen, dass nicht nur den Kandarischen Dämon erweckt, der für die Ereignisse verantwortlich ist, sondern Ash am Ende des zweiten Films auch ins Mittelalter schickt, wo er nur mit Hilfe des verfluchten Buches wieder in seine Zeit zurückkehren kann. Die Kontinuität zwischen den einzelnen Filmen ist jedoch nicht immer ganz lückenlos. „Evil Dead II“ beginnt mit einem Prolog, der die Ereignisse des ersten Films noch einmal in geraffter Form erzählt, dabei aber deutlich vom Inhalt des Vorgängers abweicht. Während außer Ash und seiner Freundin Linda (Betsy Baker) im Original auch seine Schwester Cheryl (Ellen Sandweiss) sowie einige weitere Freunde mit zur Hütte fahren, sind es im Sequel nur Ash und Linda (hier: Denise Bixler). „Army of Darkness“ wiederum ignoriert die letzte Szene von „Evil Dead II“, in der Ash ins Mittelalter versetzt wird, einen fliegenden Dämon tötet und von den Anwesenden als Held verehrt wird. Zu Beginn von „Army of Darkness“ wird Ash zwar ebenfalls (unter Verwendung von Szenen des Vorgängers) ins Mittelalter versetzt, aber völlig anders begrüßt. „Ash vs Evil Dead“ schließlich spielt dreißig Jahre nach „Army of Darkness“, greift inhaltlich aber Elemente aller drei Filme auf. Aus rechtlichen Gründen durften die Macher in Staffel 1 noch nicht auf „Army of Darkness“ verweisen, mit Staffel 2 hat sich dieses Problem allerdings erledigt. Was die Kontinuität angeht, so beruft sich die Serie bislang primär auf die Ereignisse der ersten beiden Filme, wobei der Prolog von „Evil Dead II“ ignoriert wird, da der Tod von Ashs Schwester, die in besagtem Prolog nicht auftaucht, eine wichtige Rolle in der Serie spielt.

„Evil Dead“, das Remake aus dem Jahr 2013, das zumindest in Ansätzen auch eine sehr indirekte Fortsetzung seine könnte, spielt im Kontext der Serie bislang keine Rolle, auch wenn Bruce Campbell auf Twitter angegeben hat, dass ein Zusammentreffen zwischen Ash und der von Jane Levy dargestellten Mia im Rahmen einer zukünftigen Staffel durchaus stattfinden könnte – bislang gibt es jedoch keine definitiven Pläne. Zugegebenermaßen passt „Evil Dead“ bezüglich des Tonfalls auch nicht wirklich gut zu den bisherigen Filmen bzw. zur Serie – aber dazu später mehr.

Handlung
Seit Ash Williams sich mit den dämonischen Mächten des Necronomicons auseinandersetzen musste, hat er nicht mehr viel mit seinem Leben angestellt; er arbeitet immer noch in einem Baumarkt, lebt in einem Wohnwagen und hat auch sonst außer gelegentlichen One Night Stands nicht allzu viel vorzuweisen. Bei einem dieser One Night Stands liest er, obwohl er es besser wissen müsste, in betrunkenem Zustand aus dem Necronomicon vor – und das Böse erwacht erneut, denn die Deadites kehren zurück. Eher unwillig werden Ashs Mitarbeiter Pablo Simon Bolivar (Ray Santiago) und Kelly Maxwell (Dana DeLorenzo) in die Situation verwickelt, vor allem, da Kellys tote Mutter plötzlich aus dem Grab zurückgekehrt ist. Derweil vermutet die Polizistin Amanda Fisher (Jill Marie Jones), dass Ash etwas mit dem durch Deadites verursachten Tod ihres Partners zu tun hat. Und schließlich wäre da noch die mysteriöse Ruby (Lucy Lawless), die aus ganz individuellen Gründen hinter Ash und dem Necronomicon her ist. Für Ash, Kelly und Pablo wird die ganze Angelegenheit zu einem völlig bizarren, blutigen und abartigen Road Trip, in dessen Verlauf sie nicht nur die legendäre Hütte im Wald besuchen, sondern auch Ashs Heimatstadt, in der die Bewohner ihn für den Tod seiner Freunde und seiner Schwester verantwortlich machen, sowie die Vergangenheit.

Umsetzung und Vermächtnis
Eine Fortführung der Evil-Dead-Filme ist nicht ganz leicht, da jeder Teil seine ganz eigene Stimmung und Atmosphäre besitzt. „Ash vs Evil Dead“ bemüht sich, Elemente aller drei klassischen Filme zu integrieren. „Army of Darkness“ wird dabei am wenigsten mit einbezogen (u.a. natürlich wegen der bereits erwähnten rechtlichen Probleme, die direkte inhaltliche Verweise in der ersten Staffel unmöglich machten), spielt aber indirekt eine durchaus wichtige Rolle, da Ashs Charakterisierung und die Art, wie er mit den anderen Figuren agiert, am ehesten der aus „Army of Darkness“ entspricht (unwilliger und recht selbstsüchtiger Held, der dann aber am Ende doch das richtige tut, mitunter aber die Tendenz hat, erstmal alles schlimmer zu machen). Der Tonfall der Serie, die Mischung aus groteskem Horror und Comedy, gleicht dem Tonfall des zweiten Films, während die Effekte und die Menge an Blut und Innereien, die vergossen werden, vor allem an Teil 1 erinnern – wobei diesbezüglich noch eine ordentliche Schippe draufgelegt wird. Gerade hier spürt man vielleicht noch am ehesten den Einfluss des Remakes von 2013, das mit Blut ebenfalls nicht geizte. Insgesamt ist die Serie allerdings weit weniger grimmig und, in Ermangelung eines bessern Wortes, schmerzhaft als Fede Álvarez‘ Film, da die Verstümmelungen und Metzeleien weit übertriebener und komödiantischer Ausfallen. Ähnliches trifft auf die neuen Deadites zu; auch diese waren im Remake deutlich verstörender und angsteinflößender; die Serie knüpft an die Masken und das Make-up des Originals an, was meistens ziemlich gelungen ist. Wann immer allerdings CGI verwendet wird, sieht das ziemlich bescheiden aus – tatsächlich sieht es so bescheiden aus, dass man fast auf die Idee kommen könnte, dass es Absicht ist.

Von dieser Schwäche einmal abgesehen macht „Ash vs Evil Dead“ wirklich unheimlich Laune – sofern man als Zuschauer etwas mit Fun-Splatter und sehr derbem und unangebrachtem Humor anfangen kann. Einen herrlichen kranken Höhepunkt der Geschmacklosigkeit erreicht diese Tendenz in der zweiten Folge der zweiten Staffel. Wie dem auch sei, Sam Raimi und Co. gelingt es vorzüglich, die Qualitäten der ursprünglichen Filmtrilogie einzufangen und diese drei doch mitunter sehr verschiedenen Filme konsequent fortzusetzen. Auch schauspielerisch weiß „Ash vs Evil Dead“ zu überzeugen, wobei natürlich vor allem das komödiantische Timing der Darsteller gefragt ist. Bruce Campbell in seiner Paraderolle ist natürlich ohnehin über jeden Zweifel erhaben, aber auch Ray Santiago als überzeugter Sidekick, Dana DeLorenzo als sarkastische Rächerin und Lucy Lawless als mysteriöse Widersacherin, die im Verlauf der zweiten Staffel sogar sympathisch wird, machen eine gute Figur.

Fazit: „Ash vs Evil Dead“ ist ein willkommenes Geschenk an Fans der Raimi-Trilogie – wie schon beim Original empfiehlt es sich allerdings, über einen starken Magen und einen sehr schwarzen Sinn für Humor zu verfügen.

Titelbildquelle

Trailer

Halloween 2017:
Prämisse
Lovecrafts Vermächtnis: The Courtyard/Neonomicon/Providence
Geschichte der Vampire: Dracula – Bram Stokers Roman
ES
Das Spiel
Underworld: Blood Wars

Siehe außerdem:
Evil Dead (2013)

Marvel-Musik Teil 4: Spider-Man

Nun, da die zweite Spider-Man-Filmserie fast noch unrühmlicher endete als die erste, lohnt es sich, einen Blick zurück auf die Musik des Netzschwingers zu werfen, womit ich auch gleichzeitig meine Artikel-Reihe „Marvel-Musik“ beende – zumindest vorerst, denn viele weitere Marvel-Filme werden noch folgen, und deren Musik werde ich sicher in der einen oder anderen Form thematisieren.

 

Danny Elfman

Unglaublich, aber wahr, es gab eine Zeit, da galt nicht Hans Zimmer, sondern Danny Elfman als DER Superheldenkomponist. 1989 präsentierte er mit „Batman“ ein grandioses Meisterwerk, weshalb es nicht besonders abwegig erscheint, dass Sam Raimi und die Produzenten des ersten Spider-Man-Films von 2002 sich ebenfalls an Elfman wandten. Für den Wandkrabbler bediente sich Elfman allerdings nicht des reinen Batman-Sounds, der, vor allem in „Batman Returns“, etwas Epochal-opernhaftes hatte. Stattdessen kombinierte er Elemente dieses eher zeitlosen Stils mit moderneren Versatzstücken, wie er sie etwa in „Men in Black“ verwendete. So sind neben großem Orchester und Chor auch öfter moderne Percussions, E-Gitarre und elektronische Elemente zu hören.

Dennoch ist Elfmans „Spider-Man“ letztendlich ein klassischer Superhelden-Score, der von einem verdammt starken Thema für den Haupthelden dominiert wird. Zwar ist Raimis Spider-Man-Thema nicht ganz so ikonisch wie sein Leitmotiv für Batman, in meinen Augen ist es allerdings nach wie vor die beste musikalische Repräsentation des Wandkrabblers und ein vollauf gelungenes Superheldenthema, heroisch, energetisch, eingängig, aber auch, wenn nötig, verletzlich.

Elfmans Score für den Film ist bezüglich der weiteren Themen ziemlich konventionell, vor allem stechen ein Liebesthema und ein eher schwaches Schurkenthema für den Grünen Kobold hervor. Das Actionmaterial ist solide, aber nicht herausragend, und selbstverständlich ist auch Elfmans typische Verspieltheit immer wieder herauszuhören. Vor allem lebt „Spider-Man“ jedoch von seinem Thema.

Nach dem Erfolg des Films kehrten Raimi und Elfman für „Spider-Man 2“ natürlich zurück, wobei es bei diesem Film bereits Differenzen zwischen den beiden gab; während Elfman seine Themen stärker variieren und weiterentwickeln wollte, bestand Raimi auf eine größere Nähe zum Vorgänger, und zu allem Überfluss ersetzte er im Nachhinein einige Stücke von Elfman durch Kompositionen von Christopher Young. Am meisten fällt dies in der Szene auf, in der die Ärzte versuchen, Otto Ocatvius‘ künstliche Arme zu entfernen; die Musik im fertigen Film klingt verdammt nach „Hellbound: Hellraiser II“. Aufgrund dieser Differenzen kehrte Elfman auch nicht für „Spider-Man 3“ zurück, und es sollte bis 2013 dauern, bis er wieder mit Raimi an einem Film zusammenarbeitete.

Der Spider-Man-2-Score ist trotzdem definitiv nicht schlecht, das neue Thema für Dr. Octopus ist um einiges stärker als das Kobold-Thema, aber dennoch handelt es sich eher um mehr vom Selben als um wirkliche Neuerungen. Das Album ist hier der Filmversion der Musik eindeutig vorzuziehen, da es auch geschnittenes Elfman-Material mit mehr Variationen hat und das störende Hellraiser-Thema fehlt.

 

Christopher Young und andere

Aufgrund des Zerwürfnisses mit Raimi stand Elfman für „Spider-Man 3“ nicht mehr zur Verfügung, Raimi wollte die etablierten Themen und den musikalischen Stil allerdings nicht aufgeben (was grundsätzlich ziemlich löblich ist, immerhin passiert das in Filmreihen selten genug). Letztendlich beschloss er, Christopher Young zu verpflichten und ihn Elfmans Spider-Man-Thema weiterverwenden zu lassen. Wie bei vielen Aspekten von „Spider-Man 3“ mischte sich allerdings auch beim Score das Studio ein, sodass die Komponisten John Debney und Deborah Lurie ebenfalls noch zusätzliche Stücke einbrachten. Angesichts des leicht chaotischen Entstehungsprozesses ist die Musik des dritten Spider-Man-Films überraschend gelungen und kohärent. Young hätte sich Elfmans Thema zwar durchaus noch ein wenig mehr zu Eigen machen können, und bei manchen Einsätzen fehlt es auch ein wenig an Energie, aber wahrscheinlich geht zumindest Ersteres auch auf Studioentscheidungen zurück.

Während Stil und Themen fortgeführt werden, merkt man aber trotzdem, dass es sich hierbei um einen Christopher-Young-Score handelt, die verspielten Elfman-Elemente fehlen, und gerade das Action-Material ist oft ein wenig harscher als in den ersten beiden Spider-Man-Scores, besonders, was die Blechbläser angeht. Tatsächlich finde ich Youngs Actionmusik hier oft fast gelungener als die der ersten beiden Spidey-Filme.

Der Star dieses Scores ist eindeutig das Dark-Spider-Man-Thema, das zum Einsatz kommt, sobald sich der Symbiont auf Peter niedergelassen hat. Es basiert auf Fragmenten von Elfmans Thema, ist aber düsterer und gewalttätiger; gewisse Parallelen zu Youngs Horror-Musik lassen sich definitiv nicht leugnen.

Leider wurde Youngs Score aus irgendwelchen lizenzrechtlichen Gründen nie als Album veröffentlicht, aber immerhin kann die Musik auf Youtube angehört werden; das oben eingebettete Stück enthält, neben Youngs Adaption des Elfman-Themas am Anfang und am Ende, auch das Dark-Spider-Man-Thema und Sandmans Thema.

 

James Horner

Als angekündigt wurde, dass ausgerechnet James Horner Marc Webbs Spider-Man-Reboot vertonen würde, sorgte das auch unter Score-Fans für eine ziemliche Überraschung, immerhin begann Horner sich zu diesem Zeitpunkt bereits stärker aus der Filmmusikszene (speziell in Bezug auf Blockbuster) zurückzuziehen, und auch hatte er seit „The Rocketeer“ (1991) nichts mehr in diese Richtung komponiert. Man könnte hier vielleicht noch seine beiden grandiosen Zorro-Scores anführen, aber diese sind so sehr vom spanisch/lateinamerikanischen Stil geprägt, dass es nicht allzu viele Gemeinsamkeiten gibt.

Insgesamt macht Horner dabei überraschenderweise wenig Kompromisse: Zwar gibt es diverse moderne Elemente, Einsatz von Elektronik etc., aber das Ganze klingt nie, als versuche er den Sound Zimmer und Co. zu imitieren. Und obwohl es sich hierbei definitiv und unverkennbar um Musik von James Horner handelt, ist sie doch gleichzeitig ziemlich frisch, weil er auf diverse „Hornerismen“ (etwa das berühmt berüchtigte Gefahrenmotiv), die zum Beispiel dafür sorgten, dass „Avatar“ streckenweise nach einem Best-of-Album des Komponisten klang, dankenswerterweise verzichtet.

„The Amazing Spider-Man“ ist ein Superhelden-Score der alten Schule mit einem unverkennbaren, einprägsamen und heroischen Thema für den Titelhelden, dass Horner auf vielseitige Weise zu verwenden weiß. Das zweite wichtige Thema des Scores ist ein Liebesthema für Peter und Gwen, zumeist vom Klavier gespielt. Ohnehin ist das Klavier hier sehr dominant und dient vor allem dazu, Spider-Mans emotionale Seite darzustellen. Gerade in diesem Aspekt liegt auch die größte Stärke dieses Soundtracks; während ich Elfmans Spider-Man-Thema vorziehe, ist Horners emotionale Musik definitiv berührender. Aber auch was die Action angeht enttäuscht Horner nicht. Lediglich das Schurkenmaterial ist recht undefiniert und scheint nirgendwo hinzuführen. Diese Schwäche ist bei der Qualität von Horners Spider-Man-Musik, die sich vor den bisherigen Scores des Franchise definitiv nicht verstecken muss, leicht zu verzeihen.

 

Hans Zimmer and the Magnificent Six

Es ist nicht ganz eindeutig, ob die Entscheidung, James Horner zu ersetzen, von Sony ausging, oder ob sich Horner selbst dazu entschloss, „The Amazing Spider-Man 2“ nicht mehr zu vertonen – ich kann mir beides sehr gut vorstellen. Webb und Sony taten jedenfalls das, was ihnen, und vielen anderen auch, wohl am naheliegendsten erschien: Sie wandten sich an einen Komponisten, der mit Batman und Superman bereits Superhelden vertont hatte und dessen Sound darüber hinaus den Action- und Superheldenfilm seit einigen Jahren dominiert: Hans Zimmer, der damit der einzige Komponist sein dürfte, der Musik für die drei berühmtesten Superhelden geschrieben hat. Da mir Horners Musik sehr gut gefallen hat, während ich Zimmers Output der letzten Jahre ziemlich kritisch gegenüberstehe, war ich erst einmal enttäuscht, da ich eine weitere Ausarbeitung des Dark-Knight/Inception/Man-of-Steel-Sounds erwartete. Zumindest das ist „The Amazing Spider-Man 2“ schon einmal nicht. Aus vielerlei Gründen ist Zimmers Vertonung des Wandkrabblers sehr interessant, wobei ich mir immer noch nicht sicher bin, ob ich seinen Ansatz gut finde und ob das Endprodukt für mich als Score funktioniert. Nun ja, besser als „Man of Steel“ ist es allemal.

In vielerlei Hinsicht vereint „The Amazing Spider-Man 2“ die Aspekte an Zimmers Schaffen der letzten Jahre, die mich stören: Es handelt sich um einen Gimmick-Score, Zimmer sieht sich selbst eher als Overproducer denn als Komponist, und der Soundtrack wurde gehypt ohne Ende, wie bei jedem größerem Film sagte Zimmer in Interviews, es handle sich um etwas völlig Neues, Revolutionäres und fürchterlich Kreatives. Immerhin, das Gimmick dieses Scores ist nachvollziehbarer als das Schlagzeugorchester von „Man of Steel“: Zimmer wollte, dass die Musik Elemente von dem enthielt, was ein Teenager wie Peter Parker tatsächlich hören würde, weshalb er kurzerhand die „Magnificent Six“ versammelte, bei denen es sich um Pharrell Williams, Johnny Marr, Tom Holkenborg, Mike Einzinger, Andrew Kawczynski und Steve Mazzaro handelt, die Songs beisteuerten, die wiederum die Grundlage des Scores bildeten. Dieser ist an sich schon eine sehr diverse Angelegenheit, weil hier viele Stilrichtungen zusammenkommen.

Am erfreulichsten ist zweifelsohne, dass gerade einige der nervigeren Eigenheiten der Remote-Control-Musik fehlen: Kein „Horn of Doom“ und keine übermäßige Verwendung von Streicherostinati und Drum-Loops. Zimmers Handschrift ist dennoch unverkennbar, die Motive und Melodien sind sehr einfach gestrickt, und es gibt viel, viel Elektronik. Interessanterweise verwirft Zimmer Horners Herangehensweise nicht völlig: Wie bei Horner wird die emotionale Seite der Geschichte (sofern nicht Songs zum Einsatz kommen), vorrangig durch Klavier und Holzbläser repräsentiert. Auch das Thema des Titelhelden erinnert an das des Vorgängers, eine eingängige Trompetenfanfare, die bei Horner allerdings weitaus organischer und weniger wie eine Nachrichtenfanfare klang.

Mit Abstand am hervorstechendsten ist allerdings das mehrstufige Thema das Schurken Electro. Als Max Dillon bekommt er eine beinahe lustige Holzbläsermelodie, die später um eine flüsternde Stimme (von Pharell Williams) erweitert wird, die wispert, was in Max‘ Kopf vorgeht. Sobald er seine Kräfte erhält, kommt  ein weiteres Element hinzu: Wummerndes, dröhnendes Dubstep. Im Gegensatz zu sonst ist eine derartige Kombination tatsächlich einmal etwas Neues und Gewagtes. Nun kann ich persönlich Dub-Step zwar nicht ausstehen, aber die Idee, die hinter diesem Thema steht, sollte dennoch gewürdigt werden.

Wie gesagt, auch nach fast einem Jahr kann ich immer noch nicht sagen, ob „The Amazing Spider-Man“ als Score funktioniert. Von einem kompositorischen Blickwinkel aus ist Horners Musik für den Wandkrabbler mit Sicherheit die bessere, der Score zu „The Amazing Spider-Man“ ist eine runde Sache, aber was Kreativität und Ideenreichtum angeht, gewinnt Zimmer.

 

Fazit und Ausblick

Die bisherigen fünf Leinwandausflüge des Wandkrabblers hatten alle solide bis ziemlich gute Musik. Die Elfman-Scores bilden zusammen mit Youngs „Spider-Man 3“ eine in sich halbwegs kohärente Trilogie, Horners Musik könnte in einigen Jahren zu einem Klassiker des Genres werden und Zimmers Beitrag zum Franchise ist zwar kompositorisch einige Level unter den vier Vorgängern, aber doch aufgrund seines experimentellen Charakters und der wilden Stilmischung zumindest sehr interessant.

Die zukünftige musikalische Repräsentation des Netzschwingers ist dagegen ziemlich unklar. Ursprünglich hätten auf TASM2 sowohl „The Amazing Spider-Man 3“ als auch ein Film über die Sinister Six folgen sollen, die gute Chancen gehabt hätten, ebenfalls von Hans Zimmer vertont zu werden, doch da TASM2 hinter den Erwartungen zurückblieb und Sony daraufhin einen Deal mit den Marvel Studios schloss, sind diese Pläne nicht mehr relevant. Der nächste Spider-Man-Film, dieses Mal Teil des Marvel Cinematic Universe, soll 2017 folgen, bislang stehen allerdings weder Regisseur noch Komponist fest.

Allerdings gibt es da noch zwei andere Filme, die zumindest Spekulationen erlauben. Zum einen wäre da „Captain America: Civil War“, in welchem der neue MCU-Spider-Man voraussichtlich seinen ersten Auftritt haben wird. Das dritte Soloabenteuer von Steve Rogers wird, wie schon „Captain America: The Winter Soldier“, von Joe und Anthony Russo inszeniert, was wohl bedeutet, dass Henry Jackman der nächste Komponist ist, der sich des Wandkrabblers annimmt. Angesichts dessen, was er für „The Winter Soldier“ abgeliefert hat, bin ich darüber allerdings nicht allzu glücklich.

Sehr viel interessanter ist eine Meldung, die vor einigen Wochen für einen kleinen Aufruhr in der Filmmusikszene gesorgt hat: Danny Elfman hat Musik zu „Avengers: Age of Ultorn“ beigesteuert. Mein erster Gedankengang bei dieser Meldung war wohl derselbe wie bei vielen anderen auch: Die Marvel Studios haben die Filmrechte an Spider-Man. Danny Elfman hat bereits für Spider-Man Musik geschrieben. Bedeutet das, es gibt einen von Danny Elfmans Thema unterlegten Cameo-Auftritt von Spider-Man? Zuerst war vor allem unklar, wie viel Musik Elfman tatsächlich beigesteuert hat, aktuellen Meldungen zufolge scheint das sogar eine ganze Menge gewesen zu sein.

Zwar ist es durchaus nicht unüblich, dass andere Komponisten noch zusätzliche Musik zu einem Film beisteuern, wenn dieser noch umgeschnitten wird und der ursprüngliche Komponist gerade anderweitig beschäftigt ist, allerdings sind das selten Komponisten von Elfmans Kaliber. Auch sind sein Stil und der von Brian Tyler doch ziemlich unterschiedlich. Was das Ganze bedeutet und ob es etwas mit Spider-Man zu tun hat, werden wir wohl erst erfahren, wenn „Age of Ultron“ in die Kinos kommt.

Evil Dead

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Story: Die kokainsüchtige Mia (Jane Levy) möchte einen finalen Entzug machen und wird deshalb von ihren Freunden Eric (Lou Taylor Pucci) und Olivia (Jessica Lucas), ihrem Bruder David (Shiloh Fernandez) und dessen Freundin Natalie (Elizabeth Blackmore) in eine alte Hütte in den Wald begleitet. Im Keller finden die Freunde das Naturom Demonto, ein seltsames, in Menschenhaut gebundenes Buch, aus dem Eric unglücklicherweise laut vorliest. Kurz darauf rennt Mia, scheinbar wegen des Entzugs, in den Wald und wird angegriffen. Zwar schafft sie es, in die Hütte zurückzukehren, doch schon bald wird klar: Etwas abgrundtief Böses treibt sein Unwesen und es hat von Mia Besitz ergriffen…

Kritik:
Bei „Evil Dead“ handelt es sich um ein Quasi-Remake von Sam Raimis Kultfilm „The Evil Dead“ (deutscher Titel: „Tanz der Teufel“, bis heute hierzulande nach wie vor indiziert), der heutzutage zu den Klassikern des Genres gehört und den ich kurz nach dem Kinobesuch erstmals angeschaut habe, um diesen Artikel schreiben zu können.
Remakes von bekannten Horrorfilmen sind dieser Tage nun wahrlich keine Seltenheit, und in den meisten Fällen können sie nicht nur mit dem Original nicht mithalten, sondern sind schnell und billig gemacht und enttäuschen auf ganzer Linie. Bei „Evil Dead“ sieht es allerdings ein wenig anders aus: Zwar stand Raimi nicht selbst hinter der Kamera (diese Aufgabe übernahm der Newcomer Fede Alvarez), allerdings arbeitete er am Drehbuch mit und produzierte das Remake zusammen mit Bruce Campbell (Hauptdarsteller des Originals) und Robert Tapert (Produzent des Originals). In der Tat ist „Evil Dead“ nicht nur ein Remake, sondern in gewissem Sinne auch eine Fortsetzung und ein Reboot. Die Handlung des Films folgt im Großen und Ganzen der des Originals: Teenager in einer Waldhütte erwecken versehentlich einen Dämonen, der nach und nach Besitz von ihnen ergreift, bis nur noch einer übrig ist. Ebenso sind viele inszenatorische, dramaturgische und stilistische Elemente nach wie vor vorhanden: Das Naturom Demento (in den Sequels des Originals später, in Anlehnung an H. P. Lovecraft, Necronomicon ex Mortis genannt), die Baumvergewaltigung, das vom Dämon besessene Mädchen, das unter dem Fußboden gefangen ist, die Kamerafahrten aus der Sicht des Bösen, die Kettensäge etc.
Allerdings sind die Teenager, die in die Hütte fahren, völlig neue Figuren (wohl auch, weil man sich davor fürchtete, eine Kultfigur wie Ash neu zu casten) und es gibt einige Verweise darauf, dass die Ereignisse von „The Evil Dead“ dreißig Jahre vor der Filmhandlung stattgefunden haben. Wenn man den Produzenten glauben darf, gibt es Pläne, beide Evil-Dead-Filme (bzw. Filmreihen) miteinander zu verschmelzen.
Trotz aller Gemeinsamkeiten gibt es allerdings auch viele Unterschiede zum Original. Von der klassischen Evil-Dead-Trilogie ist „The Evil Dead“ zwar noch der eindeutigste Horrorfilm, die anderen beiden arbeiten stärker mit Humor und werden immer absurder, aber dennoch ist schon der erste Film mitunter reichlich albern und, um mal ehrlich zu sein, nicht besonders gut gealtert. 1981 mag er wegen seiner für damalige Verhältnisse äußerst expliziten Szenen schockierend gewesen sein, heute wirkt er ziemlich altbacken und ungruselig (anders als zum Beispiel „Alien“ oder „Der Exorzist“, die beide nichts von ihrer Schockwirkung eingebüßt haben). Für „Evil Dead“ entledigte man sich vieler der eher albernen Einlagen und erschuf eine völlig neue Atmosphäre: Das Remake ist sehr intensiv, sehr dreckig und selbst für heutige Verhältnisse äußerst hart (man wundert sich schon gelegentlich, dass die FSK ihm ungeschnitten die Ab-18-Freigabe verliehen hat). Gerade die Atmosphäre ist die größte Stärke des Films, Ambiente, Make-up und Effekte (alles ohne CGI) sind rechtschaffen grauenerregend. Gerade weil alles ohne Computereffekte auskommt, sind die entsprechenden Szenen äußerst schmerzhaft. Die Besessenen sind eklig und furchteinflößend – man entfernte sich von den eher Romero-Zombieartigen „Deadites“ des Originals und orientierte sich ein wenig an „Der Exorzist“ (zusätzlich zu den für Sith-Lords typischen rot-gelben Augen). Hinzu kommen einige wirklich fiese Jump Scares, unangenehme Verstümmelungen und anderweitig widerliche Einlagen. Auf gewisse Weise sind Teile des abgedrehten Humors nach wir vor vorhanden, allerdings in extrem schwarzer und makaberer Form. Vor allem das Finale ist derartig überzogen, dass man es kaum ernst nehmen kann.
Der Anlass der ganzen Ereignisse hat sich ebenfalls verändert: Während die Teenager im Original praktisch einfach so die Hütte besuchten, ist mit Mias Entzug dieses Mal ein handfester Grund gegeben. Mia ist auch die mit Abstand interessanteste Figur, und Jane Levy (v.a. bekannt aus der Sitcom „Suburgatory“) liefert auch die beste schauspielerische Leistung. Die restlichen Charaktere sind zwar dreidimensionaler als die des ursprünglichen Films, aber im Großen und Ganzen doch recht langweilig. Natalie beispielsweise hat praktisch keinerlei Eigenschaften, sagt kaum zwei Sätze und ist eigentlich nur dazu da, eines äußerst unschönen Todes zu sterben – eben genretypisch. Allgemein sind die Klischees ein weiteres Manko des Films; den Twist darum, wer nun der eigentliche Protagonist des Films ist einmal ausgenommen hält sich „Evil Dead“ sehr eng an die Genrevorgaben, die erst letztes Jahr in „The Cabin in the Woods“ auf amüsante Weise hinterfragt wurden. Man fragt sich schon hin und wieder, wie blöd die Protagonisten eigentlich sind. In diesem Genre muss man damit wohl allerdings leben. Als äußerst harter Horrorfilm, bei dem was „Wie“ und nicht das „Was“ wichtig ist, weiß „Evil Dead“ dann durchaus auch zu überzeugen, allerdings trotz und nicht wegen der Klischees – unweigerlich drängt sich der Gedanke auf, dass da noch mehr drin gewesen wäre.
Fazit: Äußerst intensiver und blutiger Schocker, der eindeutig nichts für schwache Nerven oder Mägen ist (der Autor dieses Artikels warnt schon vor dem Trailer). „Evil Dead“ schafft es nicht, mit Genrekonventionen zu brechen und bedient viele Klischees, ist aber dennoch ein gelungener Albtraumtrip.

Trailer

Die fantastische Welt von Oz

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Story: Der Bühnenzauberer Oscar Diggs (James Franco), genannt Oz, wird von einem Wirbelsturm in das gleichnamige magische Land geweht. Dort begegnet er der Hexe Theodora (Mila Kunis) und dem geflügelten Affen Finley (Zach Braff), die Oscar erzählen, dass der ursprüngliche Herrscher von Oz von seiner Tochter, der Hexe Glinda (Michelle Williams) ermordet wurde. Theodora und Evanora (Rachel Weisz), ebenfalls Töchter des Herrschers, bekämpfen Glinda und versuchen Oscar, den sie für einen durch eine Prophezeiung angekündigten Zauberer halten, für ihre Sache zu gewinnen. Oscar macht sich schließlich auf, Glinda zu töten, begegnet unterwegs einem Porzellanmädchen (Joey King) und lernt schließlich, wer die eigentliche böse Hexe ist…

Kritik: L. Frank Baums Oz-Romane, und besonders die Verfilmung von „Der Zauberer von Oz“ aus dem Jahr 1939, sind so etwas wie ein amerikanische Nationalheiligtum. In Deutschland dagegen sind sie zwar ebenfalls bekannt (abermals vor allem die Verfilmung), aber bei weitem nicht so populär oder präsent. Zugegebenermaßen habe ich mich nie wirklich mit ihnen beschäftig und auch vom Film nur ein paar Ausschnitte gesehen, ich bin also nicht in der Lage festzustellen, inwiefern „Die fantastische Welt von Oz“ dem Geist der bisherigen Oz-Werke, welcher Natur auch immer, treu bleibt.
Viele Kritiker zogen Parallelen zwischen Sam Raimis Oz-Prequel und Tim Burtons „Alice im Wunderland“, und das nicht ganz zu Unrecht, vor allem, was visuellen Stil und Modernisierung eines Klassikers der Kinderliteratur (bzw. eines Klassikers des Kinderfilms) angeht. Raimi erweist sich dabei im Großen und Ganzen als etwas geschickter als Burton; „Die fantastische Welt von Oz“ wirkt runder und durchdachter als der Burton-Film, und er folgt erfreulicherweise auch nicht dem Trend, in jedem Fantasy-/Märchenfilm die Endschlacht von „Der König von Narnia“ zu imitieren. Das Finale des Oz-Prequels dagegen wirkt angemessen und zum Film passend. Gerade was Struktur und Plot angeht weiß „Die fantastische Welt von Oz“ zu überzeugen, auch wenn es kaum Überraschungen gibt. Selbst jemand, der den „Zauberer von Oz“ nicht kennt, wird sehr schnell erraten können, in welche Richtung sich die Geschichte bewegt.
Besonders der schwarzweiße Prolog, in dem viele der Figuren bereits auf gewisse Weise vorgestellt werden weiß zu überzeugen, ebenso wie die visuelle Entwicklung, die mit einem grauen Kansas beginnt und sich im Verlauf des Films immer weiter steigert. Natürlich ist das Ganze gewürzt mit vielen Anspielungen an das Original, unter anderem durch das Auftauchen eines verängstigten Löwen, der Vogelscheuche oder der geflügelten Paviane. Auch auf einige andere Filme wird angespielt: Die Rauchschwaden, die ein gewisser Hexenbesen ausstößt, erinnern an die Todesser und Evanoras Blitze könnten von Darth Sidious stammen, wären sie nicht grün.
Ein wenig enttäuschend sind dagegen die Schauspieler, es fehlt gewissermaßen das schauspielerische Schwergewicht. James Franco, Rachel Weisz und Michelle Williams sind alle zwar annehmbar bis gut, aber nicht überragend. Mila Kunis spielt zwar überzeugend die junge, naive Theodora, aber der Wandel, den ihre Figur durchmacht, wirkt nicht wirklich glaubhaft, ebenso wie alles, was danach folgt. Dies ist allerdings nicht allein Kunis‘ Schuld, da das Make-up, mit dem sie in der zweiten Hälfte des Films herumläuft, irgendwie merkwürdig aussieht. Die beste darstellerische Leistung liefert Michelle Williams als namenloses, aber wunderschön animiertes Porzellanmädchen. Ihre Figur ist eindeutig die liebenswerteste und quasi das Herzstück des Films.
Fazit: Visuell beeindruckendes, amüsantes, unterhaltendes, aber schauspielerisch nicht immer einwandfreies Prequel zu „Der Zauberer von Oz“.

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