Gute Musik

„Gute Musik“ – zwei Worte, die man nur allzu oft hört, besonders wenn man Musik bevorzugt, die eher einem Nischengenre angehört und aus dem einen oder anderen Grund mit dem breiten Mainstream nicht besonders harmoniert, wie etwa orchestrale Filmmusik. Wie oft hört man: „Jetzt mach aber mal gute Musik an!“ Alternativ auch: „Okay, jetzt hören wir aber richtige Musik.“ Der Versuch dagegen, „gute Musik“ (oder gar „richtige Musik“) zu definieren, fällt den meisten Menschen nicht besonders leicht. Wie in allen anderen Bereichen auch gibt es natürlich genug Leute, die meinen, sie könnten objektiv bewerten, ob Musik gut ist oder nicht. Solche Leute gehen mir meistens auf die Nerven. Wie dem auch sei, für die meisten Menschen ist gute Musik Musik, die ihnen gefällt bzw. sie in irgendeiner Form emotional berührt. Im Grunde eine passende Definition, aber auch so subjektiv wie nur irgend möglich, schließlich gefällt wohl fast jede Art von Musik irgendjemandem, sonst würde sie nicht existieren. Gerade in dieser Hinsicht ist Filmmusik natürlich besonders interessant, da sie in höchstem Maße zweckgebunden ist und nicht, zumindest nicht in erster Linie, als angenehmes Hörerlebnis gedacht ist – sie möchte ihren Film unterstützen.

Nun liegt mir nichts ferner, als zu versuchen, allgemeine Kriterien zur Definition guter Musik aufzustellen – das ist in meinen Augen schlicht nicht möglich. Natürlich lässt sich Musik analysieren, auseinandernehmen, auf Komplexität und Innovation hin untersuchen etc. Man weiß, wie welche Intervalle und Notenkombinationen auf uns wirken, zumindest theoretisch. Aber das ist zum einen auch kulturbedingt und zum anderen nach wie vor sehr individuell – dem einen gefällt Musik, die dem anderen Kopfschmerzen bereitet.

Kaum jemand wird wohl bestreiten, dass eine Fuge von Bach komplexer ist als moderne Popmusik. Zwölftonmusik von Arnold Schönberg ist zweifelsohne innovativ, denn so etwas hat man vorher definitiv noch nicht gehört. Ob man das will, ist dann wieder eine andere Frage. Manchmal ist etwas Einfaches und oder Bewährtes weitaus wirkungsvoller als etwas Komplexes oder Innovatives – es hängt immer davon ab, was man als Künstler erreichen oder ausdrücken möchte. Aber gute Musik lediglich über die emotionale Reaktion zu definieren, ist mir dann doch wieder zu leicht und ungenau. Manche Menschen sind in Bezug auf Musik nicht sehr wählerisch, ihnen gefällt sehr viel. Andere, und dazu zähle ich mich, sind eher Musik-Snobs, sie (wir) haben einen eher eingeschränkten Musikgeschmack und stören sich leichter an Musik, die nicht in ihre Wohlfühlzone fällt. Das hat einige Nachteile; wenn es um Kriterien zur Geschmacksbestimmung geht, gibt es aber auch diverse Vorteile. Je eingeschränkter der Geschmack, desto besser lässt er sich bestimmen. Dieser Artikel ist der Versuch, meine eigene, ganz persönliche und subjektive Definition guter Musik (die niemand teilen muss) anhand von drei Kategorien aufzustellen. Die Merkmale, die diese Kategorien ausmachen, sind keinesfalls absolut: Wenn eines, zwei oder sogar alle drei zutreffen, bedeutet es nicht, dass mir das entsprechende Musikstück gefallen MUSS, der emotionale Faktor ist letztendlich immer noch ausschlaggebend. Aber je mehr Merkmale zutreffen, desto höher ist die Chance, dass es mir gefällt. Im Gegenzug kennen wir es sicher alle, dass wir ein Lied hören, das uns eigentlich nicht gefallen sollte, es aus für uns nicht nachvollziehbaren Gründen aber trotzdem tut.

1. Melodie
Eigentlich relativ ziemlich simpel: Ich bin ein Mensch, der auf Melodien stark anspricht. Melodielose Musik sollte der zweiten Kategorie angehören, um mir zu gefallen. Das bedeutet natürlich fast automatisch, dass viele Musikgenres, in erster Linie diejenigen, die ausschließlich oder zum größten Teil auf Rhythmus und Beats statt Melodie basieren, mir nicht zusagen, egal ob House, Dance, Trance, Hip Hop etc. Musik dieser Genres langweilt mich bestenfalls und geht mir schlimmstenfalls ziemlich auf die Nerven; mit gleichförmiger, wummernder Tanzmusik kann man mich jagen. Dennoch ist dieses Kriterium dasjenige, das in Ermangelung eines besseren Wortes, am unwichtigsten ist, jedenfalls im Vergleich zu den anderen beiden.

Beispiele für Musik, die mir beispielsweise vor allem aufgrund ihrer melodischen Qualitäten gefällt, sind die Songs, die Jim Steinman für Meat Loaf (und andere) komponiert hat. So gerne Steinman seine Melodien auch recycelt, man muss anerkennen, dass sie wirklich verdammt opulent sind – nicht umsonst bezeichnet er seine Musik als „Wagnerian Rock“. Ich mag meine Melodien opulent, extrovertiert und ausdrucksstark. Musik ist Emotion, warum sollte man sich hier zurückhalten? Das Idealbeispiel wäre wohl I’d Do Anything for Love (But I Won’t Do That): Was für ein kitschiger Text, was für eine grandiose Melodie, die dafür sorgt, dass das Ganze perfekt funktioniert. Nebenbei bemerkt: Dieser Song sollte unbedingt in der ungekürzten, zwölfminütigen Version gehört werden, nicht in der verstümmelten Musikvideofassung, die ich hier eingebettet habe.

Am Rand meines persönlichen Wohlfühlspektrums befinden sich dann Songs wie In the Land of the Pig, the Butcher is King, welches zumindest für Meat-Loaf-Verhältnisse ziemlich hart und unmelodisch ist, mir aber immer noch gefällt – gerade noch so, könnte man sagen. Im Vergleich dazu trifft das von Desmond Child geschriebene The Monster is Loose, das stilistisch recht ähnlich ist, meinen Geschmack dann schon nicht mehr; wahrscheinlich fehlt mir da einfach die Steinman’sche Sensibilität.

2. Orchester
Ich liebe das Orchester. Ich liebe die Komplexität, ich liebe das nuancierte und perfekt abgestimmte Zusammenspiel, ich liebe den Facettenreichtum, kurz: Orchestrale Musik bleibt für mich persönlich unübertroffen, keine andere Form der Musik ist so vielschichtig und so wandelbar – deshalb dürfte es kaum verwundern, dass 90 bis 95 Prozent der Musik, die ich höre, auf ein großes Symphonieorchester angewiesen ist (im Idealfall mit Chor). Für mich persönlich ist das Orchester die Königsklasse, es gibt nichts anderes, mit dem man so vieles ausdrücken kann. Bei orchestraler Musik bin ich auch in der Lage, auf eingängige Melodien zu verzichten und habe auch keine Problem mit Dissonanz, solang das entsprechende Stück nur aufwendig und interessant instrumentiert ist.

Es dürfte wohl kaum überraschend sein, dass ich sowohl das, was man gemeinhin als „Klassische Musik“ (leider ein extrem ungenauer Begriff, der mehrere Jahrhunderte Musikgeschichte umfasst) bezeichnet, als auch orchestrale Filmmusik liebe und verehre. Was Erstere angeht, schätze ich vor allem Komponisten der Wiener Klassik und der Romantik; Mozart, Beethoven, Wagner, Rossini, Dvořák, um nur ein paar Beispiele zu nennen. Ich finde es dabei natürlich unheimlich faszinierend, wie die Komponisten die vielen Möglichkeiten und Facetten des Orchesters nutzen, um Melodien aufzubauen, zu variieren und zu verarbeiten. Das Schulbuchbeispiel ist natürlich der nur allzu bekannte und völlig zu Recht als Meisterwerk verehrte vierte Satz von Beethovens neunter Sinfonie (natürlich ist die gesamte Sinfonie ein Meisterwerk ohnegleichen). Über die ersten zwei Minuten arbeitet Beethoven langsam auf sein Thema, die Vertonung von Schillers „Ode an die Freude“, hin, deutet es in Fragmenten an, die sich aus den Themen der ersten drei Sätze herausarbeiten, bis es bei 2:25 dann zum ersten Mal ganz subtil und zurückhaltend, nur von den Streichern gespielt, erklingt. Nach und nach kommen immer mehr Instrumente in immer mehr Kombinationen hinzu, Beethoven variiert kräftig und jagt die Melodie im weiteren Verlauf des Satzes einmal quer durch Orchester und Chor. Genau so macht man das!

Hier zeigt sich dann auch schon eines der Probleme, das ich mit moderner Filmmusik habe, die sich in erster Linie auf extrem simple melodische Konstrukte, ebenso simple Orchestrierung und viele, viele Streicherostinati und Percussions verlässt: Mit dem Orchester kann man so viele tolle Sachen machen, warum greift man dann immer auf diese langweiligen, inzwischen völlig ausgelutschten Techniken zurück? Auch die Überbeanspruchung von elektronischen und Synth-Elementen ist etwas, das mir sauer aufstößt. Ich bin keinesfalls völlig gegen Derartiges, aber ich ziehe letztendlich die Herangehensweise von John Williams oder James Horner vor, die Synthesizer oft nur als weiteres, zusätzliches Instrument im Orchester verwenden oder einen bestimmten Effekt verstärken. Die vor allem von Hans Zimmer und seinen Schülern bemühte Technik, orchestrale Aufnahmen zu verfremden und einmal komplett durch den elektronischen Fleischwolf zu drehen, finde ich dagegen zumeist sehr nervig. Aber wenden wir uns lieber den positiven Aspekten orchestraler Filmmusik zu, denn Komponisten müssen sich ja keinesfalls mit dem klassischen Sinfonieorchester begnügen und können dem noch diverse Spezialinstrumente hinzufügen. Möchte man die Musik ein wenig moderner oder schlicht cooler gestalten, nimmt man einfach eine oder mehrere E-Gitarren dazu, das kann wunderbar funktionieren, wie schon allein zahlreiche James-Bond-Scores bewiesen haben. Ramin Djawadis Musik für „Pacific Rim“ ist auch ein sehr schönes Beispiel. Am Anfang des Hauptthemas ist nur die E-Gitarre zu hören, dann kommt langsam das Orchester dazu und integriert sie als Facette in den Klangkorpus, sodass sie, mal mehr, mal weniger dominant als Teil des großen Ganzen fungiert.

Instrumente, die für die Ohren von Amerikanern und Westeuropäern eher exotisch oder mit einem bestimmten Land verbunden sind, funktionieren ebenfalls ziemlich gut. Manchmal werden dabei natürlich Klischees bedient: Bei einem Dudelsack denkt man sofort an Schottland, mit Gitarren kann man spanische Assoziationen erwecken, das Akkordeon lässt an Paris denken etc. Dieses Spiel kann man aber noch viel weiter treiben. So hat Howard Shore für seine Mittelerde-Musik diverse „Spezialinstrumente“ verwendet, um Kulturen oder Figuren höchst wirkungsvoll zu repräsentieren ohne sich dabei auf allzu offensichtliche Klischees zu verlassen: Die Hardangerfidel etwa, ein altnordisches Saiteninstrument, wird mit Rohan assoziiert, Saurons Thema wird oft von der Rhaita, einem arabischen bzw. nordafrikanischen Blasinstrument, gespielt, für Gollums Thema ist das Cimbalom unabdinglich und Smaug wird oft von ostasiatischen Percussions wie dem Gamelan begleitet. So viele, so grandiose Möglichkeiten – es gibt also eigentlich keinen Grund, immer nur mit Streicherostinati zu arbeiten.

3. Narrative
Ich möchte, dass Musik mir eine Geschichte erzählt. Und damit meine ich nicht, dass der Liedtext mir eine Geschichte erzählen soll. Eine Ballade kann eine schöne Sache sein, aber mir geht es darum, mit musikalischen Mitteln eine Narrative zu gestalten. Opern, Musicals und Filme sind diesbezüglich natürlich die Vorreiter. Schon Lieder, die in den Kontext einer Erzählung gebettet sind, faszinieren mich, aber das Ganze völlig ohne Text und nur mit Musik zu tun ist das Nonplusultra. Diesbezüglich kommt man an der Oper natürlich nicht vorbei. Die klassische Nummernoper besteht aus Arien, Rezitativen, Duetten, Terzetten etc., die sich im Idealfall alle in den Dienst der Geschichte stellen, die die Oper erzählt. Sie fungieren zur Vorstellung oder Ergründung des Innenlebens der Figuren oder als Dialoge zwischen ihnen. Die Komponisten der Romantik, allen voran Richard Wagner, lösten das klassische Nummernmodell (zum Beispiel: Arie, Rezitativ, Duett, Rezitativ, Terzett, Rezitativ, Arie etc., alle klar voneinander getrennt) langsam auf und schrieben durchkomponierte Opern. Statt der alten, klar abgetrennten Einheiten prägte und perfektionierte Wagner das Konzept des Leitmotivs (auch wenn er das Wort „Leitmotiv“ selbst nie benutzte, stattdessen sprach er von „Erinnerungsmotiven“), der Tonfolge bzw. Melodie, die mit einer bestimmten Person, einem Gegenstand, Ereignis, Konzept oder was auch immer verbunden ist und dieses in der Musik repräsentiert. Ich muss wohl nicht extra sagen, dass ich diesen Einfall für einen der genialsten der Musikgeschichte halte (und wenn Theodor W. Adorno noch so sehr etwas anderes behauptet). Wahrscheinlich hängt das mit meinem inneren Literaturwissenschaftler zusammen, denn die Leitmotivtechnik erlaubt eine literaturwissenschaftliche Herangehensweise an Musik, die mich persönlich enorm anspricht.

Praktisch die gesamte sinfonische Filmmusik basiert auf der Leitmotivtechnik, die von Max Steiner und Erich Wolfgang Korngold nach Hollywood gebracht und populär gemacht wurde. Eine Oper oder ein Score mit wirklich exzellenter Leitmotivik zeichnet sich nicht nur durch griffige, eingängige Themen und Motive aus, sondern auch durch die Verknüpfung und Entwicklung besagter Themen. Das Idealbeispiel ist nach wie vor Wagners „Ring des Nibelungen“: Die Leitmotive des vierteiligen Opernzyklus sind niemals statisch, sie entwickeln sich konstant und reflektieren die Erzählung wieder – man könnte den Gesang komplett eliminieren und die Musik würde trotzdem noch die Geschichte erzählen. Das ist im Grunde auch genau das, was bei sinfonischer Filmmusik passiert. Die beiden, zumindest in meinen Augen, besten Beispiele für eine komplexe, gut funktionierende Leitmotivik sind John Willams‘ Star-Wars-Scores und Howard Shores Musik für Mittelerde. Alle beide sind exzellente Beispiele für Musik, die zu allen drei Kategorien gehört: Grandiose Melodien, üppige Orchestralwerke und komplexe Narrative.

Shores Gefährtenthema aus der Herr-der-Ringe-Trilogie funktioniert außerdem hervorragend als Idealbeispiel für die gelungene Entwicklung eines Leitmotivs, da es sehr gut wahrnehmbar ist und stets den Zustand der Gemeinschaft widerspiegelt, von den Verknüpfungen zu diversen anderen Themen gar nicht erst zu sprechen. Zu Anfang, als Frodo und Sam aus dem Auenland aufbrechen, ist es noch nicht vollständig zu hören. Nach und nach stoßen in Bree und Bruchtal weitere Mitglieder zur Gemeinschaft hinzu, und dementsprechend wird auch das Gefährtenthema vollständiger. Im Nebelgebirge bzw. in Moria erklingt es drei Mal in voller Pracht, während es nach Gandalfs Tod nur noch fragmentarisch hören ist und erst am Ende von „Die Gefährten“ wieder Kraft schöpft. Zwar gibt es in „Die zwei Türme“ und „Die Rückkehr des Königs“ noch einige äußerst opulente Variationen, gerade während der Schlacht von Helms Klamm, aber es ist nie mehr wirklich vollständig.

Das ist meine individuelle, persönliche, hoffentlich nachvollziehbar dargelegte Definition „guter Musik“. Gleichzeitig fungiert diese Definition als Bestandsaufnahme; mein Musikgeschmack ist natürlich gewachsen und hat sich über lange Zeit entwickelt, diese Kategorisierung habe ich rückwirkend erstellt. Wer weiß, im Verlauf meines weiteren Lebens mag sich das noch ändern. Nun würden mich, in Form von Kommentaren und/oder eigenen Blogbeiträgen, weitere persönliche, aber nachvollziehbare Definitionen interessieren, die über „gefällt mir“ oder „spricht mich emotional an“ hinausgehen.

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